Movie Music, the Film Reader pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Routledge

作者:Kay Dickinson

出品人:

页数:224页

译者:

出版时间:01 February, 2003

价格:$31.19

装帧:Paperback

isbn号码:9780415281607

丛书系列:

图书标签:

音乐
2003
电影音乐
电影配乐
电影研究
音乐分析
文化研究
电影理论
音乐与电影
流行文化
艺术史
媒体研究

下载链接在页面底部

facebook linkedin mastodon messenger pinterest reddit telegram twitter viber vkontakte whatsapp 复制链接

想要找书就要到图书目录大全

book.wenda123.org

立刻按 ctrl+D收藏本页

你会得到大惊喜!!

具体描述

Bringing together material from the areas of documentary, fandom and animation, Movie Music, the Film Reader comprises an important collection of writings about film music. It is divided into four sections, each with an introduction by the editor. Essays in The Meanings of the Score looks at instrumental scores, their production and reception, and questions the onscreen power of the nineteenth century classical genre. The Place of the Song turns to popular music, asking how the pop score supports the film narrative. Formal Politics of Music on Film considers the subversive power of film music, and in Crossing Over Into the Narrative, articles address the use of musicians within film narratives, from rockumentaries to pop-stars-as-movie-stars, such as Madonna in Desperately Seeking Susan.

银幕上的交响：电影声音的叙事力量与历史演变一部深入探讨电影音乐创作、理论与文化影响的权威著作本书并非一部关于特定电影音乐选集的汇编，也非仅仅罗列经典配乐的“最佳榜单”。《银幕上的交响》是一部旨在剖析电影声音艺术本身，探究其如何与视觉元素交织、共同构建叙事、塑造观众情感体验的学术性与思辨性读物。它将带领读者穿越电影百年历史的画廊，审视那些塑造了我们观影经验的听觉结构、技术革新以及美学范式。第一部分：声音的诞生与理论的奠基本书伊始，我们将追溯电影有声化进程中的关键转折点，但重点并非简单复述技术史，而是分析声音的介入如何彻底改变了叙事语法。我们深入探讨了早期有声电影中，音乐与对白在功能上的初期探索与冲突。随后，我们将聚焦于奠定电影音乐理论基础的几位关键思想家。详细分析了巴拉兹（Béla Balázs）关于“视觉表情”的理论，以及他对音乐在沉默/有声电影中作用的早期界定。书中对“米默西斯”（Mimesis）在听觉领域的体现进行了深入的讨论，探讨了音乐是模仿屏幕上行动，还是超越行动，引导观众情绪的复杂张力。一个核心章节专门探讨了“声音蒙太奇”的概念，将其置于爱森斯坦的声音理论框架下，考察音乐如何通过对立、重复与叠加，创造出比单独的视觉或听觉元素更为深刻的意义。我们着重分析了非因果性音乐的使用，即音乐脱离屏幕事件而存在的时刻，以及这种“不协调”如何服务于深层主题的表达。第二部分：流派的共振：音乐在类型片中的功能分化电影音乐的功能远非单一。本书的第二部分，通过对不同电影类型的细致解剖，展示了音乐如何成为特定类型叙事的核心代码。西部片与身份的构建：我们考察了马克斯·施泰纳（Max Steiner）在早期好莱坞的“全配乐”策略，特别是在《乱世佳人》和早期西部片中的应用。重点分析了如何通过特定的和声语言（如大调的辉煌与小调的忧郁）以及乐器选择（如铜管的雄浑与弦乐的细腻）来固化“美国边疆精神”这一文化符号。我们研究了“主导动机”（Leitmotif）系统在西部片中的成熟，以及它如何从瓦格纳的歌剧继承而来，却被赋予了更具美国本土色彩的叙事功能。黑色电影（Film Noir）的阴影：黑色电影章节侧重于不和谐音程、爵士乐元素与“冷爵士”的引入如何描绘出战后都市的焦虑与道德模糊。我们深入分析了对白与环境音效的精心处理，探讨了在黑色电影中，沉默和低音的使用比激昂的旋律更具叙事力量。科幻与奇幻的声景设计：在分析了二十世纪六七十年代的科幻电影配乐转向后，本书详细探讨了电子音乐和合成器的革命性影响。我们不仅仅关注于特定的配乐家（如范吉利斯或约翰·威廉姆斯早期的电子尝试），更关注声音设计（Sound Design）是如何从传统的“配乐”范畴中脱离出来，成为构建异星环境、未来科技感的核心工具。第三部分：作曲家、技术与创作实践本书的第三部分将焦点转向幕后，探讨了从工作室时代到数字时代的配乐创作生态。好莱坞“黄金时代”的工作坊：我们详细考察了好莱坞音乐部门的工业化流程，包括编曲家、指挥家和录音师在最终成品中的协作模式。分析了米高梅（MGM）等制片厂如何将音乐视为一种可标准化的产品，以及这种标准化在保持高水准的同时，对作曲家个人风格带来的约束。管弦乐的复兴与挑战：针对上世纪七十年代末期开始的“管弦乐复兴”，本书审视了约翰·威廉姆斯等人在继承施特劳斯与霍尔斯特传统的同时，如何将其融入更具现代节奏感的动作片结构中。我们探讨了“史诗感”是如何通过对传统交响乐的重新编排得以维系的。数字革命与声音的去物质化：随着MIDI技术和数字音频工作站（DAW）的普及，作曲的物质基础发生了变化。本章分析了数字技术如何使得“无限乐团”成为可能，同时也引发了关于“真实乐器感”与“程序化音乐”的讨论。我们探讨了数字采样、循环与现场演奏的界限如何变得模糊，以及这如何影响了当代电影音乐的听觉质地。第四部分：超越银幕：音乐的文化回响与批评视角本书的最后部分将电影音乐置于更广阔的文化语境中进行考察。配乐的意识形态负载：我们批判性地审视了电影配乐如何参与意识形态的构建。例如，在涉及殖民、战争或特定民族刻画的场景中，音乐的选择往往无意或有意地强化了主流叙事，或在某些情况下，通过“反讽性配乐”来挑战这些叙事。音乐的感知与分离：探讨了观众对电影音乐的两种主要感知模式：完全沉浸式体验（观众未意识到音乐的存在，它完美融入场景）与分离式体验（音乐作为评论者或情绪催化剂，脱离屏幕行动）。我们分析了在当代多屏收看环境下，这种感知平衡是如何被打破的。电影音乐的“可移植性”与改编研究：考察了电影配乐原声带（OST）是如何从附属品演变为独立的流行文化产品。分析了音乐主题在广告、电子游戏乃至严肃音乐会上的改编与再语境化，揭示了银幕音乐作为一种文化资产的价值。《银幕上的交响》旨在为电影研究者、音乐学院学生以及所有对声音艺术抱有深切好奇心的电影爱好者，提供一个全面、严谨且充满洞察力的理论框架，以理解电影配乐——这门无声的语言——是如何成为电影艺术不可或缺的灵魂。它关注的是“如何构建声音世界”，而非“这个世界里播放了哪些歌曲”。