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出版者:天津杨柳青画社

作者:贺友直

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001-1

价格:35.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787805035604

丛书系列:白描画稿系列丛书

图书标签:

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《墨韵悠长：中国古代绘画技法与美学探微》 在中国悠久的艺术长河中，绘画无疑是璀璨夺目的一颗明珠。从粗犷的岩画到精巧的工笔，从写意的山水到传神的肖像，无数艺术家用他们的笔墨，勾勒出时代的风貌，抒发着内心的情怀，传承着民族的文化。本书旨在深入剖析中国古代绘画中蕴含的丰富技法与深刻美学，引导读者穿越时空的阻隔，与古圣先贤对话，感受那份独属于东方艺术的宁静与力量。 第一章：笔墨的精魂——线条的艺术 线条，是中国画的灵魂所在。它不仅仅是物体的轮廓，更是情感的载体，是生命力的象征。本章将从最基础的“用笔”讲起，探讨中国古代画家如何通过不同方向、速度、力度的运笔，创造出千变万化的线条。 十八描的奥秘： 从高古游丝描的纤细婉转，到钉头鼠尾描的遒劲有力；从曹衣出水的浑厚凝重，到战纹描的刚劲方折。我们将逐一解析这些经典线条的形态特征，以及它们在表现不同对象时的独特作用。例如，高古游丝描常用于描绘女性服饰的飘逸，而铁线描则适合表现器物的坚实感。理解这些线条的“个性”，是掌握中国画造型的基础。 骨法用笔与墨韵： “骨法用笔”是中国画造型的重要原则，强调线条的力度与结构的准确。我们将探讨如何通过对线条的顿挫、转折、枯湿浓淡的变化，来塑造对象的骨骼和肌肉，赋予其生命感。同时，墨在中国的绘画中扮演着至关重要的角色。墨的浓淡干湿，不仅能表现物体的质感，更能营造出丰富的空间层次和意境。我们将深入研究“墨分五色”的原理，以及如何通过“破墨”、“积墨”等技法，使画面产生淋漓尽致的艺术效果。 笔墨的哲学意蕴： 线条和墨色并非单纯的技法，它们承载着中国哲学思想。线条的刚柔并济，如同道家的阴阳相生；墨的浓淡枯湿，恰似水墨的虚实相生。我们将解读艺术家在运笔用墨时，所融入的“气韵生动”的追求，以及如何通过笔墨，传递出“天人合一”的自然观。 第二章：形神兼备——写实与写意的辩证法 中国古代绘画并非一味追求形似，更注重“神似”。如何捕捉对象的内在精神，将其融入笔墨之中，是艺术家永恒的课题。本章将探讨写实与写意的关系，以及两者在中国画中的巧妙融合。 “骨法”与“应物象形”： 在写实层面，我们强调“应物象形”，即根据事物的形态来描绘。但这并非简单的复制，而是要在准确描绘外形的基础上，提炼其本质特征。我们将分析不同画种在写实方面的侧重点，如人物画对解剖学和比例的关注，花鸟画对生物形态的细致观察，山水画对自然景物的结构性表现。 “写意”的精髓——意匠经营： “写意”是中国画的独特魅力所在。它是一种高度概括和提炼的艺术表现手法，通过简练的笔墨，传达出对象的神韵和作者的情感。我们将解析“意匠经营”的理念，即画家在创作过程中，如何将自身的思想、情感和审美趣味融入画面。例如，一两笔的竹叶，看似简单，却能勾勒出竹的坚韧与挺拔；几抹山石的皴法，能展现出山脉的雄浑与苍劲。 虚实相生的妙境： “虚”与“实”是中国画构图的重要原则。实处是指具体的物象，虚处则是指留白的空间。留白并非空白，而是“气”的运行，是观者想象的延伸。我们将探讨如何通过虚实的对比和呼应，来营造画面的空间感、节奏感和意境。例如，山水画中云雾的留白，能营造出渺渺仙境般的意境；人物画中人物衣褶的留白，能赋予其灵动之感。 第三章：五彩斑斓——设色的艺术与审美 尽管水墨是中国画的代表，但色彩在中国画中也占据着举足轻重的地位。从鲜艳夺目的宫廷画，到淡雅素净的文人画，色彩的运用折射出不同的时代风貌和审美取向。本章将深入探讨中国古代绘画的设色技法及其背后的审美理念。 传统色系的运用： 中国画使用的颜料，如石青、石绿、朱砂、雌黄等，都有其独特的质感和色彩表现力。我们将介绍这些传统颜料的来源、特性，以及它们在不同画种和时代中的应用。例如，石青、石绿的冷色调常用于描绘山水的苍翠，而朱砂的暖色调则多用于人物的服饰或宫殿的装饰。 “墨分五色”与色彩的结合： 在一些画种中，墨与色的结合达到了极高的境界。例如，没骨画法，不勾勒轮廓，直接用色彩点染，营造出色彩斑斓、生动鲜活的效果。我们将探讨如何让色彩与墨韵相互辉映，既保留水墨的韵味，又能丰富画面的视觉表现力。 色彩的象征意义与情感表达： 在中国传统文化中，色彩往往被赋予了深刻的象征意义。例如，红色象征着吉祥与喜庆，黄色象征着皇权与尊贵，白色象征着纯洁与高雅。我们将分析艺术家如何利用色彩的象征意义，来表达特定的情感和寓意。同时，色彩的冷暖、明暗、轻重，也能直接影响观者的情感体验，营造出不同的氛围。 第四章：诸体纷呈——不同画种的技法与特点 中国古代绘画体系庞大，门类众多。本章将选取几个代表性的画种，分别对其技法特点和美学追求进行深入剖析。 山水画： 描绘祖国壮丽河山的艺术。我们将探讨“皴法”的丰富变化，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴等，如何表现山石的不同质地和形态。同时，也将解析“点景”的技法，如树木、房屋、人物等，如何融入山水中，形成完整的画面。我们将追溯山水画从“象山居景”到“寄情山水”的发展历程，理解其在中国文化中的独特地位。 人物画： 表现人物形象与精神风貌的艺术。我们将从“传神写照”入手，探讨人物画在造型、比例、结构上的严谨要求。同时，也将深入研究不同朝代人物画的风格演变，如汉代的线条古朴，唐代的丰满华丽，宋代的细腻写实，元代的潇洒写意。我们将分析“曹衣出水”和“吴带当风”等经典技法，理解它们如何塑造出不同时代人物的独特气质。 花鸟画： 描绘花卉、禽鸟、走兽等自然界生物的艺术。我们将重点介绍“没骨法”、“勾花点叶法”等典型技法。同时，也将解析花鸟画中蕴含的“寓意”和“象征”，如梅兰竹菊的“四君子”，象征着高尚的品格；荷花象征着出淤泥而不染。我们将理解花鸟画如何通过对自然万物的描绘，来寄托艺术家对人生、自然的感悟。 第五章：意境营造——中国画的哲学与美学升华 中国古代绘画的最高境界在于“意境”。意境是景物、情感、哲思的有机融合，是画面传递给观者的深层感受。本章将从哲学和美学的角度，探讨意境的生成与品味。 “气韵生动”的追求： “气韵生动”是中国画的最高评价标准。它超越了技法的层面，强调的是画面所传递出的生命力、精神气质和感染力。我们将探讨如何通过笔墨的挥洒、色彩的运用、构图的经营，来达到“气韵生动”的境界。 “留白”的智慧： 如同前文所述，“留白”是中国画构图的独特智慧。它不仅仅是空间的预留，更是思想的延伸，是情感的沉淀。我们将分析留白如何影响画面的节奏、韵律和意境，以及如何引导观者进行二次创作。 “言有尽而意无穷”： 中国画的魅力在于其“言有尽而意无穷”。有限的笔墨，却能引发观者无限的联想。我们将探讨艺术家如何通过画面的含蓄、象征和暗示，来引导观者进入一个更广阔的精神世界，体会作品的深层内涵。 审美情趣的传承： 不同的时代、不同的艺术家，有着不同的审美情趣。从魏晋的玄远空灵，到唐代的雍容华贵，再到宋元的文人雅趣，这些审美情趣都深深地烙印在绘画作品之中。我们将追溯这些审美情趣的演变，理解它们与中国哲学、文学、社会思潮的紧密联系。 结语： 《墨韵悠长：中国古代绘画技法与美学探微》并非一本简单的技法教程，它更是一次对中国传统文化精髓的探索。通过对笔墨、造型、色彩、画种以及意境的深入剖析，我们希望能帮助读者更好地理解中国画的独特魅力，感受其中蕴含的东方智慧和人文精神。愿这份对古老艺术的致敬，能唤醒您内心深处对美的感知，让您在品味中国画的墨韵时，也能体会到那份悠长而深刻的艺术之美。

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说实话，我对“直线描”这个概念一直抱有既敬畏又略带疏离的态度，总觉得它似乎过于强调骨法用笔，容易陷入僵硬的窠臼。然而，拜读了这本精选集后，我的看法有了根本性的转变。贺友先生的直线描，绝非刻板的“铁线描”或“柳叶描”的简单重复，而是将不同线条的特性灵活地融为一炉，达到了“以直寓曲，以刚寓柔”的境界。比如在描绘松树的树皮和虬枝时，他运用了大量方硬而有力的线条，展现出松树历经风霜的坚韧，但紧接着在表现松针的嫩芽时，线条又瞬间变得轻盈且富有弹性，仿佛微微颤动着生命力。这种在同一画面中线条风格的自然切换和融合，展现了画家对笔墨语言的驾驭已臻化境。这本书就像一面镜子，照出了传统笔墨技法中被现代人常常忽略的那份“变化之美”。它强迫我反思自己过去对“线条”的理解是否过于片面，绝对是激发了我重新拿起毛笔进行练习的动力。

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这本画册，说实话，刚拿到手的时候，我心里其实是有点忐忑的。毕竟现在市面上的国画作品集太多了，很多时候都是东拼西凑，质量参差不齐。但翻开《贺友直线描精选》后，那种顾虑一下子就烟消云散了。首先映入眼帘的是那些线条，简直可以用“遒劲”和“灵动”来形容。我特别留意了其中几幅竹子的描写，那种笔法的变化，浓淡干湿的控制，完全体现了画家对竹子精神的深刻理解。他不是简单地描摹竹子的外形，而是通过线条的提按顿挫，把竹子傲然挺立、不畏风霜的品格表现得淋漓尽致。尤其是在表现竹叶的交叉和疏密关系时，那种虚实相生的处理，让人感觉仿佛真的能听到风吹过竹林的沙沙声。装帧设计也做得相当考究，纸张的选择和印刷的精度都非常出色，最大程度地保留了原作的笔墨韵味，这对于我们这些痴迷于传统水墨的人来说，是极其重要的加分项。我甚至花了好长时间，对着其中一幅山石的描绘，尝试用自己的笔去感受那种力度和节奏，那种“一笔下去，绝不回笔”的果敢，实在令人钦佩。这本书不仅仅是一本作品集，更像是一本生动的、可供学习的技法教科书，每一个细节都值得反复揣摩。

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与以往我看过的许多传统花鸟画集相比，这本集子的独到之处在于其对“意”的强调超越了“形”的刻板再现。比如其中几幅牡丹的描绘，如果从写实的角度去挑剔，可能某些花瓣的结构并不完全符合植物学的标准，但这恰恰是国画的精髓所在——它追求的是神似而非形似。贺友先生的笔下，牡丹的富贵之气、雍容华贵，是通过饱满的墨色和富有弹性的线条自然流淌出来的。我记得有一幅画，只用了寥寥数笔，勾勒出几枝盛开的花朵，旁边的叶子和枝干则用近乎飞白的手法处理，这种“计白当黑”的艺术手法，处理得极其高明。它不仅节省了笔墨，更使得画面疏朗有致，将观者的注意力完全集中在那几点艳丽之上。我个人认为，这本书非常适合那些对传统文人画有一定基础，想要进一步提升个人审美境界的爱好者。它提供了一种视角：如何用最凝练的语言，去表达最丰富的情感和意境。读着这些作品，我仿佛能感受到画家在创作时那种心无旁骛、物我两忘的境界，这才是艺术的最高追求吧。

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这本书的整体意境，给我带来了一种久违的、宁静的审美享受。它不像一些当代画作那样追求强烈的视觉冲击力或晦涩的符号象征，而是沉浸在一种古典、含蓄的东方哲学意境之中。我将它视为一种精神的“避风港”。在如今这个信息爆炸、节奏飞快的时代，能够静下心来，细细品味这些源自传统、却又饱含生命力的作品，无疑是一种奢侈的享受。尤其欣赏的是那些以写景为主的作品，无论是远山的氤氲雾气，还是近水的回环涟漪，都是用极其克制的笔墨完成的。没有多余的渲染，没有炫技的笔法，一切都恰到好处，给人留下巨大的想象空间。这种“留白”的艺术，在这本书里被运用到了极致，每一块空白都仿佛充满了声音和光线。看完这本书，我的内心感觉非常平和，仿佛经历了一次精神上的“洗礼”，它让我重新认识到，真正的艺术力量，往往蕴藏在最朴素、最纯粹的表达之中。

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这本书的装帧和排版，坦白说，是近期我收到的艺术类书籍中最让人感到舒服的一本。现在很多出版社为了追求成本或者所谓的“现代感”，把画册的边距弄得非常窄，或者用那种反光的纸张，极大地破坏了观画的体验。但《贺友直线描精选》的处理方式非常经典和稳重。它选择了偏哑光的纸张，让墨色和线条的质感得以充分展现，即便是那些用淡墨晕染出的层次，也显得柔和而不失力度。更值得称赞的是对作品尺寸的尊重。有些画作原稿尺幅较大，如果简单缩小印刷，很多精微的笔触就会丢失，但编者似乎是花了心思，对不同尺幅的作品进行了恰当的排版处理，保证了即便是小幅作品的细节也能清晰可辨。我尤其欣赏其中关于人物的几幅小品，寥寥数笔勾勒出老者抚须沉思的形象，那双眼睛里仿佛藏着千言万语。这种对细节的尊重，对艺术原作精神的维护，体现了出版方极高的专业素养。这本书放在书房里，本身就是一件赏心悦目的艺术品。

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