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出版者:人民音乐出版社

作者:朱军

出品人:

页数:71

译者:

出版时间:2005-12

价格:86.00元

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isbn号码:9787103031148

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勃拉姆斯：德语音乐的深沉咏叹 约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms, 1833-1897），这位被誉为“新德意志乐派”承继者的伟大作曲家，其音乐如同古老的橡树，根植于古典的土壤，却又向上生长出属于自己时代的壮丽枝繁。他的作品，以其宏大的结构、精妙的对位、深邃的情感和令人回味的旋律，在19世纪的音乐画卷上，留下了浓墨重彩的一笔。理解勃拉姆斯，便如同走进一片幽深而广阔的森林，每一次探索都能发现新的风景，每一次聆听都能感受到生命内在的脉搏。 不懈的探索与深沉的思考 勃拉姆斯的一生，几乎是为音乐而生。他早年便展现出惊人的音乐天赋，自幼学习钢琴，并展现出非凡的作曲才能。然而，他并非一位急于求成的天才。与许多同时代追求戏剧性冲突和奔放情感的作曲家不同，勃拉姆斯内心深处流淌着一种对严谨结构和深刻哲思的追求。他深受巴赫、莫扎特、贝多芬等古典大师的影响，对他们的音乐结构、赋格技巧和主题发展有着深入的研究和理解。他曾说：“只有当你熟知过去，你才能创造未来。”这句话恰恰是他创作理念的写照。他的音乐，并非对古典形式的生搬硬套，而是在继承中创新，将古典的秩序与浪漫的激情巧妙地融合，开辟出一条属于自己的艺术道路。 勃拉姆斯的作品，无论是交响乐、室内乐、钢琴曲还是艺术歌曲，都展现出一种独特的“沉静的力量”。他的音乐不像李斯特那样炫技，也不像瓦格纳那样戏剧化，而是以一种内敛而磅礴的气势，缓缓展开，层层深入。在他的音乐中，你能感受到一种深刻的人文关怀，一种对生命、爱情、死亡、孤独等永恒主题的反复叩问。他的音乐，既有英雄的豪迈，也有小夜曲的温柔；既有史诗般的宏大叙事，也有对个体内心细腻情感的捕捉。 交响乐：宏伟的建筑与细腻的情感 勃拉姆斯的四部交响曲，堪称西方交响乐史上的巅峰之作。它们并非为了追求眼球效应的奇技淫巧，而是由精密的思想和深沉的情感所铸就的宏伟建筑。 第一交响曲，耗时近二十年才最终完成。这部作品被誉为“贝多芬第十交响曲”，因为它在结构和精神上，都与贝多芬的精神一脉相承。作品充满了力量和冲突，仿佛是对命运的挑战和对理想的追求。开篇的定音鼓和弦乐奏出的深沉旋律，如同预示着一场史诗般的旅程。而终乐章中那宏伟而庄严的旋律，更是被誉为“阿尔卑斯山之歌”，充满了克服万难后的 triumphant。 第二交响曲，则展现出一种截然不同的阳光与温暖。与第一交响曲的沉重相比，它更像是夏日午后，沐浴在金色阳光下的悠闲漫步。作品充满着抒情性和田园风情，仿佛描绘着一幅生机勃勃的乡村画卷。然而，在这份明亮之下，依然蕴藏着勃拉姆斯特有的深刻思考，只是以一种更为柔和的方式表达。 第三交响曲，被认为是勃拉姆斯“最美”的交响曲。它以一种更为成熟和内敛的姿态，展现了作曲家对生命悲喜交加的感悟。作品的情感起伏更为微妙，既有忧郁的叹息，也有坚定的信念。终乐章的旋律，带着一丝淡淡的忧伤，却又饱含着对生命的热爱和对未来的希望。 第四交响曲，是勃拉姆斯交响乐创作的最高峰，也是他音乐生涯的最后一部大型交响乐作品。这部作品以其惊人的结构创新和深刻的情感表达，震撼了整个音乐界。终乐章的帕萨卡利亚（Chaconne）形式，是对巴赫音乐的致敬，也是一次对传统形式的极致发挥。它以一系列变奏，展现了生命轮回的哲理，既有死亡的肃穆，也有生命的顽强。作品充满了悲剧性的力量，但也并非绝望，而是一种对生命本质的深刻理解和接受。 勃拉姆斯的交响曲，绝不仅仅是炫技的表演，而是作曲家对自己内心世界的深刻剖析，是对人类命运的宏大思考。它们如同巨石，稳稳地矗立在音乐史的长河中，每一次聆听，都能从中汲取力量和智慧。 室内乐：亲密对话与心灵低语 除了宏大的交响乐，勃拉姆斯在室内乐领域也留下了无数珍宝。他的室内乐作品，如同几位知己之间的亲密对话，充满了细腻的情感交流和心灵的低语。 弦乐四重奏，他共创作了三部，每一部都展现出不同的风格和情感。它们继承了海顿、莫扎特、贝多芬的传统，又融入了勃拉姆斯独特的个人色彩，充满了丰富的音乐语言和深刻的内心世界。 钢琴五重奏，尤其是那首降B大调的钢琴五重奏，充满了激情与力量，仿佛是两位钢琴家与弦乐三重奏之间的一场激昂的辩论。而单簧管五重奏，则是一首充满忧郁而又极其优美的作品，单簧管那略带低沉的音色，与弦乐的融合，营造出一种孤独而又安宁的氛围，是勃拉姆斯晚期作品的代表作之一。 小提琴奏鸣曲，他创作了三首，每一首都有其独特的情感色彩。第一首《G大调》以其温暖而抒情的旋律著称，仿佛是恋人间的呢喃。第二首《A大调》则更为明亮和活泼。第三首《d小调》则充满了戏剧性的张力和深刻的情感，展现了作曲家对生命复杂性的洞察。 勃拉姆斯的室内乐，并不追求表面的华丽，而是注重音乐的深度和内在的逻辑。他擅长运用复调技巧，让每个声部都能独立而又和谐地歌唱，形成丰富而饱满的音响效果。在这些作品中，你能感受到作曲家对于人际关系、情感纠葛以及内心孤独的细腻描绘。 钢琴曲：情感的深度与技术的高度 勃拉姆斯的钢琴作品，占据了他创作生涯的重要地位。他本身就是一位杰出的钢琴家，这使得他的钢琴创作技艺精湛，情感饱满。 早期钢琴奏鸣曲，如《c小调第一钢琴奏鸣曲》，就展现了他早期的激情与雄心。 变奏曲，如《海顿主题变奏曲》和《帕格尼尼随想曲主题变奏曲》，充分展现了他对变奏技巧的精妙运用和对主题的深入挖掘。 小品，勃拉姆斯创作了大量的钢琴小品，如《间奏曲》（Intermezzo）和《练习曲》（Capriccio）。这些小品，虽然篇幅不长，但却蕴含着深沉的情感和深刻的思考。它们如同人生中的一个个片段，有的宁静而优美，有的则充满了忧郁和思索。尤其是他的晚期钢琴作品，如 Op. 117、Op. 118 和 Op. 119 的几部间奏曲，被誉为“晚年之歌”，充满了对生命的反思和对逝去时光的眷恋，情感之深沉，令人动容。 勃拉姆斯的钢琴音乐，技术难度高，对演奏者的音乐理解和情感表达提出了极高的要求。他的音乐，既需要指尖的灵巧，更需要心灵的共鸣。 艺术歌曲：人声的咏叹与诗意的升华 勃拉姆斯是19世纪最伟大的艺术歌曲作曲家之一，他创作了二百多首艺术歌曲，几乎每一首都是一首精致的诗篇。 《匈牙利舞曲》，虽然这是器乐作品，但其鲜明的民族风格和强烈的节奏感，影响了许多后来的艺术家。 《爱情的传说》（Liebeslieder-Walzer），为四重唱和钢琴伴奏而作，充满了维也纳圆舞曲的优雅与浪漫，描绘了爱情中的甜蜜与甜蜜后的淡淡忧伤。 《四首严肃的歌曲》（Vier ernste Gesänge），是勃拉姆斯晚年的作品，创作于他挚友去世后。这些歌曲以圣经文本为歌词，表达了对死亡的思考和对生命意义的追问，情感极为深沉而庄重。 勃拉姆斯的艺术歌曲，与舒曼、舒伯特一样，注重音乐与诗歌的完美结合。他善于捕捉歌词中的情感，用音乐将其升华，让每一首歌曲都成为一个独立而完整的艺术品。他的旋律优美动听，和声丰富而富有表现力，伴奏部分也绝非简单的衬托，而是与人声形成紧密的对话，共同营造出动人的意境。 结语 勃拉姆斯的音乐，是一座取之不尽，用之不竭的精神宝库。他的作品，以其深沉的思考、精湛的技巧、充沛的情感和永恒的艺术魅力，穿越时空，至今仍能触动我们的心灵。聆听勃拉姆斯，不仅仅是欣赏音乐，更是一次与伟大灵魂的对话，一次对生命本质的探索。他的音乐，如同德语中那古老而深沉的咏叹，在静谧中蕴含着巨大的力量，在沉思中展现着生命的庄严。

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这部作品，说实话，初捧在手时，我带着一种近乎朝圣般的心情。封面设计低调而内敛，那种深沉的墨黑与泛黄的书页边缘，仿佛在低语着一段被时间温柔抚摸过的往事。我本以为会是一部沉重的、需要耗费大量心力去解读的传记或者历史梳理，但翻开后才发现，它的笔触轻盈得像羽毛，却又在不经意间触碰到灵魂最柔软的角落。作者的叙事技巧令人惊叹，他没有急于抛出宏大的观点，而是像一位技艺精湛的织工，用无数细小的、看似无关紧要的生活片段，慢慢勾勒出一个时代的侧影，一种特定的美学追求。我尤其欣赏其中对于“瞬间”的捕捉，那些关于光影、气味乃至某种特定频率声音的描写，极其细腻，让我仿佛真的置身于那个特定的场景之中，呼吸着那时的空气。阅读过程是一种持续的“发现”之旅，总有那么一句话，一个转折，会让你猛地停下来，合上书本，望向窗外，沉思良久，重新审视自己对某些事物既定的理解。它不是那种读完后便束之高阁的书，而更像一位沉默的朋友，在你日复一日的生活中，不时地、不经意地，给予你一种微妙的启发和慰藉。

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老实讲，我是在一个非常偶然的机会下接触到这本书的，当时我正处于一种对现有阅读材料感到极度疲乏的状态，什么都提不起兴趣。我需要的是那种能够彻底“打碎”我现有认知框架，同时又不至于让我感到认知负荷过重的东西。这本书恰好满足了这一点。它的结构非常松散，更像是一系列主题化的随笔集合，但神奇的是，这种松散感反而提供了一种极大的自由度。你可以随时跳跃阅读，不必担心错过任何关键情节的串联。我最欣赏的是它探讨人与“创造力”之间关系的那些章节。它没有给出任何标准答案或者成功学的教条，而是深入挖掘了艺术家的挣扎、犹豫、自我怀疑，以及那些在极度孤独中诞生的、近乎“神启”般的灵感迸发时刻。文字的密度非常高，每一个句子都经过了反复的推敲和打磨，没有一句废话，但这种“密度”却并不令人感到压抑，反而有一种凝练后的力量感。读完后，我感觉自己对“精益求精”这个词有了全新的体会，它不仅仅是关于技术的完美，更是一种对自我表达的近乎苛刻的诚实。

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坦率地说，这本书并不是那种能让你一口气读完，然后拍案叫绝的爽文类型。它的阅读门槛相对较高，要求读者有一定的历史背景知识或者至少是愿意进行一些背景知识的补充学习。然而，一旦你跨过了最初的几章的“适应期”，你就会发现自己被带入了一个极其宏大且精致的知识殿堂。作者的知识广度令人咋舌，从音乐理论到建筑美学，从十九世纪的社会风俗到某个小城镇的民间传说，信手拈来，毫无割裂感。这本书更像是提供了一套观察世界的“透镜”，通过这本书的视角去看待历史、艺术乃至日常生活，你会发现许多原本平淡无奇的事物突然间焕发出了新的意义和层次感。我发现自己经常需要边读边在网络上搜索那些被提及的音乐家、艺术流派或者历史事件，这种主动探索的过程，极大地加深了阅读的厚度和乐趣。它教会了我，真正的知识探寻不是被动接受信息，而是在一个广阔的框架下，主动去搭建属于自己的知识网络。

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这本书的阅读体验，简直可以称得上是一种“感官的盛宴”。我通常不喜欢那种过于华丽的辞藻堆砌，但这本书的语言运用达到了一个奇特的平衡点：它既有古典文学的韵律和厚重感，又充满了现代哲思的锐利和跳跃性。更让我震撼的是作者处理“缺席”和“沉默”的方式。他似乎更专注于描绘那些未曾言说、未曾发生的事物，那些留白之处，反而比详尽的叙述更加富有张力和感染力。举个例子，书中有一段描写在某个特定季节的黄昏，人物的内心活动，仅仅通过对光线折射在玻璃杯中威士忌液面的描绘，就将那种复杂的失落感表现得淋漓尽致。这需要极高的文学素养和对人类情感的深刻洞察力才能完成。我甚至会情不自禁地去模仿书中的某些句子结构，试图捕捉那种行云流水般的节奏感，但终究是徒劳的，因为那种节奏感是与作者独特的思维方式融为一体的，无法被复制。这是一本需要“慢读”的书，需要用手指触摸纸张，用眼睛去追逐文字的起伏，才能完全体会到它内在的张力。

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从结构上讲，这部作品是极其大胆的，甚至可以说是反传统的。它似乎故意避开了传统叙事中的主要矛盾冲突和高潮迭起的戏剧性转折。相反，它更像是一幅精心绘制的、细节极其丰富的风景画，重点在于气氛的渲染和状态的描摹。我刚开始阅读时，一度感到有些困惑，总是在寻找“故事线”在哪里，但读到后半部分才明白，这本书的核心“剧情”恰恰在于“氛围的积累”和“心境的微妙变化”。作者的叙事视角时而宏大如神祇俯瞰，时而又微小到如同观察一粒尘埃在光束中的漂浮。这种视角的切换非常自然流畅，让人难以察觉。我特别喜欢那些关于“时间感”的描写，它能轻易地将读者拉扯回几十年前的某个下午，让你真切地感受到那种无可挽回的时间流逝带来的惆怅，但这种惆怅又是带着一种诗意的、被接受的美感。这本书带给我的，不是激动人心的情节，而是一种深刻的、关于存在本身的平静和理解。

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