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出版者:福建美术

作者:王金成

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2005-3

价格:68.00元

装帧:平装

isbn号码:9787539315355

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《笔触之下：油画的色彩叙事与光影塑造》 引言 色彩，是油画的灵魂；光影，是油画的骨骼。它们共同交织，构建出画面深邃的意境与动人的情感。这本书，并非从技法层面拆解油画的每一个笔触，而是着眼于艺术家如何运用色彩与光影，讲述属于他们自己的视觉故事，传递超越言语的情感共鸣。我们将深入探讨，艺术家如何在画布上赋予颜色生命，如何捕捉和表现光线流转的瞬息万变，以及这些元素的融合如何最终形成一幅幅令人难忘的油画杰作。 第一章：色彩的语言——情绪的调色盘 色彩不仅仅是视觉上的呈现，它更是一种直抵人心的语言。在油画的世界里，艺术家们早已超越了单纯的模仿，而是将色彩视为一种表达情感、传递思想的强大工具。 情感的色谱： 从炽热的红到沉静的蓝，每一种颜色都承载着独特的情感频率。红色可以象征激情、愤怒，也可以是生命力与温暖；蓝色则常与忧郁、宁静、神秘相伴。艺术家如何根据画面的主题与想要传达的情绪，巧妙地选择和运用色彩，是构成画面感染力的第一步。例如，一幅描绘战火纷飞的场景，会大量运用炽热的红、橙、黄，营造出紧张、危险的氛围；而描绘静谧的乡村夜晚，则会选择深邃的蓝、紫、以及点缀其间的柔和黄光，带来平和与安详。 色彩的和谐与对比： 色彩的组合方式，决定了画面的整体基调。冷暖对比，能够制造出空间的纵深感和视觉的冲击力；互补色的并置，能够增强画面的鲜明度和活力；而邻近色的搭配，则能营造出柔和、统一的视觉效果。艺术家们在创作时，需要具备敏锐的色彩感知能力，懂得如何在色彩的海洋中寻找平衡点，让各种颜色相互衬托，相得益彰，形成和谐而富有表现力的整体。例如，伦勃朗在处理人物肖像时，常常运用暖色调来突出人物的面部，背景则采用较深的冷色调，通过强烈的冷暖对比，将观众的视线牢牢吸引在人物身上。 色彩的象征意义： 在不同的文化语境下，色彩也承载着丰富的象征意义。例如，在西方文化中，白色常象征纯洁与神圣，黑色则代表死亡与庄重。艺术家在创作时，有时会利用这些约定俗成的色彩含义，来丰富画面的解读层次。当然，艺术家也可以打破常规，赋予色彩新的生命与解读。通过对色彩的深入理解与大胆运用，艺术家得以在画布上构建一个充满情感张力的视觉世界。 第二章：光影的雕塑——空间的呼吸与形体的塑造 光，是油画的画笔；影，是油画的雕刻刀。它们共同作用，将二维的画布转化为具有三维空间感的生动画面。 光线的来源与性质： 画面中的光线，可能是来自太阳的自然光，也可能是烛光、灯光等人工光源。不同的光源，其色温、强度和方向都不同，这直接影响着物体表面的色彩和明暗分布。艺术家需要观察和理解不同光线下的物体形态，才能准确地捕捉光影的微妙变化。例如，透过窗户的侧逆光，会在人物脸上投下戏剧性的阴影，勾勒出立体的轮廓；而柔和的散射光，则会让物体表面显得更加平滑，色彩过渡更加均匀。 明暗关系与体积感： 明暗对比是塑造物体体积感的最直接有效的方式。高光、亮部、中部、暗部、反光和投影，是理解物体受光后形成的明暗层次的关键。艺术家通过细腻的笔触，将这些明暗变化层层叠加，使得原本平面的物体在画布上“凸显”出来，仿佛拥有真实的体积和重量。印象派画家莫奈，就对光影的变化有着极深的迷恋，他笔下的《干草堆》系列，通过捕捉不同时间、不同天气下的光线照射，展现出同一物体在光影变幻中的丰富色彩。 空间氛围的营造： 光影的运用，不仅关乎物体的塑形，更关乎整个画面的空间感和氛围。远景物体由于空气透视的影响，会显得模糊、色彩偏冷；而近景物体则清晰、色彩偏暖。艺术家通过对光线方向、强度的控制，以及色彩的冷暖变化，能够在画面中营造出“进深”感，让观者仿佛置身于画面的空间之中。例如，卡拉瓦乔的“暗部派”画风，利用强烈的明暗对比，将画面中的主体人物突出，营造出一种戏剧性的、充满张力的空间感。 第三章：色彩与光影的对话——情感的共鸣与意境的升华 色彩与光影并非孤立存在，它们相互依存，相互影响，共同构成了油画作品的灵魂。 光色融合与色彩表现： 光线本身带有色彩。太阳光通常是暖黄色的，阴天的散射光则偏冷。当光线照射到不同颜色的物体上时，会产生复杂的色彩交互。例如，红色物体在黄色灯光下，会呈现出橙红色的光泽；蓝色物体在白色灯光下，则会显露出清冷的蓝色。艺术家需要理解这种“光色”的原理，并将其融入到色彩的运用中，使得画面中的色彩更加真实、丰富且富有感染力。塞尚在描绘静物时，就善于捕捉物体表面受到不同方向光线照射时产生的微妙色彩变化。 影子的色彩学： 许多人认为影子是黑暗的、没有色彩的。然而，在油画中，影子并非一片死寂，而是充满了微妙的色彩变化。影子中会带有周围环境的反光，也可能受到光源本身色彩的影响。艺术家通过对影子内部色彩的观察和表现，能够让画面更加生动，立体感也更强。例如，在阳光下的阴影中，可能会看到淡淡的蓝色或紫色，这是天空散射光在物体背面留下的痕迹。 情绪与氛围的升华： 当艺术家将色彩的情感力量与光影的体积塑造完美结合时，作品的情绪和意境便会得到极大的升华。一幅描绘黎明的画作，可能用暖橙色的光线与柔和的色彩，传递出希望与新生；而一幅描绘黄昏的场景，则可能通过低沉的色调与斜射的光线，诉说着宁静与沉思。色彩与光影的和谐统一，能够让观者在视觉上获得美的享受，在情感上产生深刻的共鸣。 结语 《笔触之下：油画的色彩叙事与光影塑造》希望带领读者穿越画布，去感受艺术家们如何在色彩的海洋中航行，在光影的迷宫中穿梭。我们并非提供一套僵化的公式，而是倡导一种观察、理解和表达的方式。通过对色彩的细腻感知和对光影的深刻洞察，每一位热爱油画的艺术探索者，都能在自己的创作中，找到属于自己的视觉语言，讲述独一无二的色彩故事，塑造令人动容的光影传奇。这是一场关于视觉语言的探索，一场关于情感表达的实践，一场关于艺术生命的追寻。

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我很少对一本工具书产生“情感”上的共鸣，但这本书做到了。它不仅仅是告诉你如何控制水彩的晕染，更是深入探讨了“光”在不同文化语境下给人的心理感受。书中后半部分收录了一些不同国家和地区的光影速写案例，比如地中海地区那种强烈而锐利的阳光，以及北欧地区那种柔和而弥漫的散射光，每一种都配有作者对当地光线特性的细致分析。这种跨文化的比较，让我意识到，光影的表现绝不是一套固定的公式，而是需要根据环境和心境去调整的。读完这本书，我感觉自己像是一个刚从长途旅行归来的画者，带着全新的视角和更丰富的笔触，迫不及待地想去捕捉生活中的每一个转瞬即逝的光影瞬间。

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这本书的讲解真是细致入微，尤其是在色彩理论的阐述上，感觉作者花费了大量的心思去梳理和归纳。我以前总觉得水彩的颜色叠加很容易弄脏画面，但书中对如何控制水分和颜料的比例，以及不同颜料之间的渗透性做了非常深入的剖析。作者提供的那些经典范例，比如如何表现清晨薄雾中建筑物的轮廓，或者傍晚时分天空那种层次分明的渐变，每一个步骤都配有详细的图解和文字说明，让人一看就心领神会。它不仅仅是教你“怎么画”，更是让你理解“为什么这么画”。我尝试着按照书里的方法去处理一组静物写生，特别是对高光和反光的处理，那种微妙的光感立刻就出来了，这比我之前自己摸索出来的经验要系统和高效得多。这本书对于想要突破瓶颈、进入一个更高层次水彩表现的画友来说，无疑是一本非常宝贵的工具书，让我对光影的理解达到了一个新的高度。

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作为一个已经画了十几年水彩的“老手”，我本以为市面上能让我感到耳目一新的书已经不多了。但这本书的独特之处在于，它把古典的写实技巧与现代的抽象表现手法进行了巧妙的融合。最让我印象深刻的是关于“空气透视”的处理，作者没有用那种生硬的、从近到远的减弱对比度的方法，而是通过分析不同大气湿度下，色彩波长衰减的规律来指导下笔。这套理论体系极其严谨，读起来就像是在上大学的物理课，但最终落实在画纸上时，却达到了诗意的境界。这种将科学的严谨性融入艺术创作的深度，是我在其他强调“感觉”的书籍中很少见到的。这本书成功地架起了一座桥梁，连接了理性与感性，让我的创作思路一下子打开了。

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这本书的排版和装帧设计简直是一场视觉享受，这在专业技法书里是相当少见的。每一页的留白都恰到好处，让人在学习复杂技巧的同时，眼睛也能得到充分的休息。我特别欣赏作者对“情绪”的捕捉。比如在讲解如何表现阴天的气氛时，书中选择的不是那种沉闷的灰色调，而是通过微妙的冷暖对比来营造湿润而富有层次感的氛围。图例的色彩还原度极高，这对于我们学习者来说至关重要，因为我们必须相信书本上呈现的颜色是可复制的。我甚至把书中几个特定页面的色彩样本剪下来，贴在了我的画架旁，作为日常参考。它不只是一本技术手册，更是一本激发灵感的画册，让我对水彩媒介的可能性充满了敬畏和探索的欲望。

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坦白说，我拿起这本书的时候，是冲着它的“技法”二字来的，想着能学到一些独门的速成秘诀。但读完之后，我发现它更像是一本关于“观察世界”的哲学指南。作者并没有给我现成的套路，而是不断地引导我思考光线是如何在大自然中运动的。比如，书中有一章节专门讨论了漫射光和直射光在不同材质表面上的反射差异，这一点对我启发极大。我过去画石头总是画得死板，但书中通过对不同天气条件下，光线如何在粗糙表面和光滑表面上“跳跃”的细腻描绘，让我明白了材质感的核心在于光影的细微变化。这种由内而外的理解，让我不再局限于模仿，而是开始主动去“捕捉”光线。虽然过程比我想象的要慢一些，但每当我成功地在纸面上捕捉到一束阳光穿过树叶的斑驳效果时，那种成就感是无可替代的，这本书真正地改变了我看待风景的方式。

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都在2017/2018

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喜欢画光的人

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看得睡着了……（真的

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