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出版者:上海古籍出版社

作者:陈多等编

出品人:

页数:315 页

译者:

出版时间:1999年1月1日

价格:980.0

装帧:精装

isbn号码:9787532526550

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《戏梦人生：一段穿越时空的东方艺术之旅》 在浩瀚的中华文明长河中，有一种艺术形式，它承载着千年的历史积淀，凝聚着无数匠人的心血，以其独特的唱念做打、形神兼备，将忠孝节义、悲欢离合的故事娓娓道来。它并非仅是舞台上的表演，更是一种精神的传承，一种情感的寄托，一种对人生百态的深刻洞察。 本书并非直接阐述某一具体的戏曲剧种，而是试图从一个更宏观、更富于人文关怀的角度，去探索“戏”这一概念在东方文化中的独特意涵，以及它如何塑造了中国人的审美情趣和情感表达方式。我们将一同踏上一段穿越时空的艺术之旅，去触摸那些古老韵律的脉搏，感受那斑斓色彩背后蕴含的情感张力。 第一章：舞台之外的呼吸——戏曲的文化基因 在深入具体的艺术形式之前，我们先要探寻“戏”在中国文化土壤中生根发芽的深层原因。从先秦的祭祀歌舞，到汉代的百戏，再到唐代的参军戏，中国的戏曲艺术并非凭空出现，而是深深根植于民族的历史记忆和民间习俗之中。我们将追溯那些古老的仪式、传说和口头文学，是如何逐渐演变成舞台上的一颦一笑、一招一式的。这一章，我们将审视中国传统文化中“表演”的雏形，以及它在社会生活中扮演的角色，理解“戏”是如何成为连接人神、人鬼、人与人之间沟通媒介的。 第二章：千面妆容下的灵魂——角色塑造的艺术哲学 舞台上，一张张精致的脸谱，或浓墨重彩，或淡雅素净，它们不仅仅是简单的色彩堆砌，更是角色性格、命运走向的符号化表达。本书将不聚焦于某个具体剧种的角色分析，而是深入探讨中国戏曲在塑造角色时所遵循的普遍性艺术哲学。我们将解析脸谱、服饰、身段等视觉元素如何共同构建出一个鲜活的艺术形象。更重要的是，我们将挖掘这些角色背后所承载的道德观念、社会规范以及人性的复杂性。无论是慷慨激昂的英雄，还是柔情万种的女子，亦或是狡诈阴险的小人，每一个角色都是一面映照现实的镜子，折射出艺术家对人性的深刻理解和人文关怀。 第三章：声与韵的交织——唱念的东方智慧 “唱”与“念”，是中国戏曲中最为核心的艺术表现手法。它们并非简单的歌唱与对白，而是蕴含着高度提炼和象征性的艺术语言。本章将从更广阔的视角，去品味戏曲唱念的独特魅力。我们将探讨其音律的讲究，节奏的起伏，以及情感的表达方式。不同于西方歌剧的写实性，中国戏曲的唱念更注重意境的营造，情绪的抒发，以及心绪的传递。我们将尝试去理解，为何一种特定的音调能够唤起听众的共鸣，为何一段简单的念白能够负载深厚的情感。这是一种东方特有的、将音乐、语言与情感融为一体的艺术表达方式。 第四章：形与韵的对话——身段的哲学意境 “做”与“打”，是戏曲演员肢体语言的精妙展现。它们是演员将内心情感与外部动作完美结合的艺术实践。本书将跳脱具体剧种的技法讲解，而是从更具哲学性的层面，去探讨戏曲身段的艺术内涵。我们将理解，每一个亮相、每一个甩袖、每一个圆场，都可能蕴含着丰富的信息和象征意义。它是一种高度程式化的表演，却又能在程式中展现出无限的灵动和生命力。我们将探究这种形体语言如何传递角色的情绪，如何勾勒出场景的氛围，如何让观众在视觉的冲击中感受到角色的内心世界。这是一种高度凝练、意在言外的形体艺术，是中国观众在漫长历史中形成的独特审美体验。 第五章：虚与实的幻境——舞台空间的东方美学 中国戏曲的舞台，往往以极简的道具和写意的布景，创造出无限的想象空间。一桌二椅，便可演绎千山万水，风雨雷电。本章将聚焦于中国戏曲舞台的空间美学，探讨其“虚实相生”的艺术理念。我们将理解，艺术家如何利用演员的表演、音乐的渲染以及观众的想象，共同构建出一个引人入胜的艺术世界。它不是对现实的完全复制，而是对现实的高度提炼和升华，旨在引发观众的情感共鸣和哲思。我们将看到，如何在一片空白中，看见星辰大海；如何在一张椅子上，感受世事变迁。这种独特的舞台呈现方式，是中国观众长期以来所接受和喜爱的审美传统。 第六章：情感的传承与共鸣——“戏”作为一种社会文化现象 “戏”在中国社会中，扮演的角色远不止是娱乐。它是一种情感的寄托，一种道德的教化，一种历史的记忆，一种文化的载体。本章将从社会文化现象的角度，去审视“戏”在中国人的生活中所扮演的独特角色。从古老的节庆表演，到街头巷尾的民间曲艺，再到如今的剧场演出，戏曲艺术以其多样的形式，渗透进社会生活的方方面面。它讲述着忠孝仁义的故事，传递着传统的美德，也承载着民族的情感和集体记忆。我们将探讨，“戏”是如何在潜移默化中影响着中国人的价值观、审美观和人生观，以及它在当下社会中仍然具有的生命力。 《戏梦人生：一段穿越时空的东方艺术之旅》，旨在邀请读者一同沉浸在“戏”这一东方艺术的宏大叙事中，去感受它跨越时空的魅力，去理解它蕴含的东方智慧，去体会它在中华文明发展进程中所扮演的重要角色。这本书，不是对某一特定艺术形式的详尽介绍，而是对一种精神、一种情感、一种生活方式的致敬和探索。它希望通过对“戏”的普遍性特质的挖掘，帮助读者更好地理解中国人的审美世界，以及那些渗透在日常生活中的东方韵味。

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坦白说，我本来对这种“官方”或“学术”色彩浓厚的艺术史著作抱持着十二分的警惕，总担心内容会陷入枯燥的年代罗列和僵硬的理论框架。《中国京剧》给我的惊喜，恰恰在于它的“野性”与“烟火气”。它没有把自己塑造成高高在上的教条，反而像一本老戏班的伙计私藏的“江湖秘笈”。书中对于“武戏”的描写简直是令人血脉偾张，那段关于“空翻”、“跌扑”的技法阐述，配上那些老照片的定格瞬间，仿佛能听到皮鞋磕击地面的“笃笃”声和对手过招的“呼呼”风声。更让我着迷的是，作者似乎对早期戏班的幕后运营、角儿之间的“行规”以及不同码头（城市）对京剧的“品味”差异有着细致入微的观察。比如，不同地方对“徽班进京”后的融合过程中的细节纠葛，那些精彩的“轶闻秘辛”让京剧不再是冰冷的艺术符号，而是活生生的人群和利益的交织体。这种深入肌理的描写，让我看到了京剧在民间生根发芽、对抗环境压力的坚韧，它不仅仅是宫廷的娱乐，更是市井百态的浓缩。这本书的叙事节奏把握得极好，时而激昂，时而沉静，读来酣畅淋漓，绝无半点拖泥带水之感，是一次极佳的“沉浸式”阅读体验。

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这部《中国京剧》的出版，简直是为我这种对传统艺术心怀敬畏，却又不得其门而入的“门外汉”量身定做的瑰宝。我抱着一种近乎朝圣的心情翻开它，期待着能有一位技艺精湛的“引路人”将我带入那个水袖翻飞、锣鼓铿锵的艺术殿堂。起初，我对京剧的认知仅限于那些在电视上零星闪现的华美扮相和高亢唱腔，总觉得它高深莫测，难以亲近。然而，这本书的叙述方式极其亲和，仿佛邻座一位资深戏迷在耳边娓娓道来，没有那些令人望而生畏的专业术语堆砌，而是用生动的故事和鲜活的例子，勾勒出了京剧从诞生到鼎盛时期的历史脉络。它不仅仅是记录了流派的兴衰，更深入剖析了“角儿们”在那个时代背景下的生存状态和艺术追求。我尤其欣赏其中关于“行当”划分的讲解，将生旦净末丑的性格与舞台功能解析得淋漓尽致，让我第一次明白，那些看似程式化的动作背后，蕴含着多么深厚的文化积淀和情感表达。读完关于梅兰芳先生那几章，我甚至能想象出他舞台上的雍容气度和舞台下的谦逊内敛，那种将个人生命融入角色灵魂的境界，让人心生无限敬佩。这本书的价值，在于它成功地架起了一座现代读者与古典艺术之间的桥梁，让遥远的艺术焕发出了鲜活的生命力。

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阅读《中国京剧》的过程，与其说是在学习，不如说是在经历一场跨越时空的“听觉复原”实验。作为一个对声腔艺术略有涉猎的人，我最关注的是如何通过文字来捕捉那些转瞬即逝的、难以量化的音乐性。这本书在这方面展现了非凡的功力。它没有停留在简单地描述“高亢”或“婉转”，而是细腻地拆解了不同流派的“韵味”——比如程派的苍凉与派生的那种“以气托声”的内在驱动力，对比荀派的清丽与灵动是如何通过水袖的微妙变化来完成视觉和听觉的统一。书中引用了大量老艺术家的口述片段，那些关于“运气”、“开嗓”、“换气”的自述，直抵艺术实践的核心。我仿佛能“听见”周信芳先生那“麒派”独特的“四击头”在耳边响起，感受那种老派“老生”的沧桑与厚重感。更令人称奇的是，书本对于“伴奏”的阐述，将京胡、月琴、三弦乃至铙钹和堂鼓的相互作用，描绘成了一张复杂的情感交响网。读完后，我立刻去搜索了几段经典录音，那种“带着书本的理解再去听”，带来的共鸣感是前所未有的，原本听不懂的转音和板眼，此刻都有了清晰的脉络可循，实在是一本值得反复聆听的书。

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这本书的装帧和选图设计，也体现出一种对艺术形式的尊重与现代审美观的融合。我收到的这个版本，纸张的质感很棒，油墨的印制清晰有力，尤其是那些老照片的选取，角度刁钻而精准，仿佛是偷拍自舞台侧幕或化妆间的瞬间。它没有堆砌那些千篇一律的“名家剧照”，而是着重展现了京剧艺术“形、神、手、眼、身、法、步”中那些最具张力的细节。比如，一张关于“须生”眼神特写，虽然没有唱腔，但那眉宇间的忧郁和审视，已经道尽了人物的悲欢离合。再比如，几张关于“武旦”在空中旋转时服装如何被气流撑开的慢动作捕捉，那种力与美的平衡感令人叹为观止。这种视觉上的冲击力，极大地弥补了纯文字描述的局限。此外，书中对于“脸谱”的讲解更是妙趣横生，它不再是简单的色彩符号学，而是被解读为一种极简主义的“面部设计哲学”，用最少的线条勾勒出最复杂的内心世界。这本书显然是经过了细致的视觉策划的，它让非专业的读者也能通过视觉的辅助，对京剧的复杂美学体系产生直观的感受，是少有的能同时满足“眼福”和“脑力”的艺术读物。

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我一直认为，最好的艺术普及读物，应当是能够引发读者进行“自我反思”和“文化追问”的。这部《中国京剧》恰恰做到了这一点。它没有满足于对黄金时代的歌颂，而是相当坦诚地探讨了京剧在近现代所遭遇的挑战与转型困境。书中对“现代京剧”的讨论，特别是关于如何在外来文化冲击下保持“民族性”与实现“创新性”的矛盾与张力，进行了深入而又不失客观的剖析。作者并没有简单地批判或赞美，而是呈现了不同艺术家们在“守正”与“出新”之间的艰难抉择和所付出的心血。这让我深思：一个拥有如此深厚历史底蕴的剧种，如何才能在当代社会的快节奏审美中，找到新的立足点，吸引新一代的观众？书中对“观众流失”现象的分析，触及了社会变迁对传统文化的冲击这一宏大命题。这种带着批判性思维和历史责任感的叙事，使得这本书的格局一下子拔高了，它不再只是艺术史的梳理，而成了一部关于文化传承与自我革新的思考录。读完后，我不仅对京剧的过去有了清晰的认识，更对它的未来充满了一种复杂而真切的关切。

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