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出版者:音像制品

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:3.8

装帧:

isbn号码:9787884954940

丛书系列:

图书标签:

• 电影配乐
• 情歌
• 流行
• 音乐
• 影视原声
• 浪漫
• 经典
• 抒情
• 歌曲
• 精选

《光影絮语：岁月里的旋律》 这是一本关于爱、关于失去、关于那些在光影中悄然流淌的旋律的书。它不是一部简单的电影歌曲集，也不是一份详尽的电影音乐史，而是试图捕捉音乐与影像交织时，触动人心的那份共鸣。 书中的每一章，都如同一帧帧定格的画面，承载着一段段动人的故事。我们并非仅仅罗列那些耳熟能详的电影金曲，而是深入探究它们是如何在特定的情境下，赋予电影灵魂，又如何反过来，成为我们生命中不可磨灭的印记。 从黑白年代的经典咏叹，到新世纪的电子脉搏，我们穿越时光的河流，聆听那些跨越语言、文化界限的旋律。你或许会在此找到年轻时第一次心动时的主题曲，或许会勾起那些与挚友共享的观影时光，又或许，会意外地发现一首能够慰藉你此刻内心疲惫的乐章。 本书将带领你走进那些电影音乐背后的故事。或许是一位默默无闻的作曲家，用他的一生谱写了电影的情感脉络；或许是一个经典的旋律片段，在无数个不同的场景中被赋予了新的生命；又或许，是一次偶然的创作灵感，成就了一曲流传至今的佳作。 我们会探讨音乐如何在视觉的衬托下，将角色的内心世界展现得淋漓尽致，如何将宏大的叙事情感浓缩在短短几分钟的乐章里，又如何通过音符的起伏，带领观众一同经历喜怒哀乐，直至片尾曲响起，仍久久不能平息。 这里没有冰冷的乐理分析，没有枯燥的时代背景罗列，只有真挚的情感表达和对艺术的深深敬意。我们相信，每一首好的电影歌曲，都蕴含着一个故事，一种情感，一份回忆。它们是电影的呼吸，是情感的催化剂，更是我们连接过去与现在的桥梁。 本书将从不同的角度去解读电影音乐的魅力： 情感的共振： 探讨那些直击人心的情歌，它们如何捕捉爱情的甜蜜、苦涩、遗憾与永恒，以及它们如何成为我们表达内心最深处情感的载体。 时代的印记： 回顾不同时代背景下，电影音乐所折射出的社会风貌、文化思潮以及审美变迁。 叙事的魔法： 分析音乐如何作为一种非语言的叙事工具，推动情节发展，塑造人物性格，营造氛围，甚至预示结局。 经典的传承： 挖掘那些历久弥新、反复被致敬和改编的电影旋律，探究它们得以不朽的原因。 情感的疗愈： 分享那些在失落、迷茫时，给予我们力量和慰藉的电影歌曲，以及它们如何成为我们心灵的避风港。 《光影絮语：岁月里的旋律》不仅仅是为了纪念那些美好的电影和动听的歌曲，更是为了唤醒我们心中沉睡的情感，邀请你一同走进一个由音乐和影像构筑的奇妙世界。在这个世界里，每一段旋律都曾是电影的生命，如今，它们也愿意成为你生命中的一抹色彩，一段回忆，一份温暖。 无论你是否是资深的影迷，是否了解音乐的深奥，这本书都将以最温柔的方式，带你领略电影音乐那超越时空的魅力。它是一次心灵的旅行，一次情感的回溯，一次对生命中那些闪光时刻的温柔致敬。 翻开这本书，让那些曾经触动你的旋律再次在耳边响起，让那些曾经让你热泪盈眶的画面重新浮现。因为，音乐与光影的结合，所能唤醒的情感，是如此的深沉而久远。

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这部作品的封面设计就给我一种扑面而来的复古气息，厚重的纸张质感，烫金的字体在深色背景上闪烁，仿佛是上世纪八十年代老式胶片盒的复刻。我原本是冲着某个特定导演的传记部分来的，结果发现它在影像理论的探讨上有着令人惊喜的深度。作者不仅仅是简单罗列了某个流派的代表作，而是深入剖析了光影如何被用来塑造潜意识的叙事结构。特别是关于“凝视与被凝视”在早期默片中的运用，那一段的分析鞭辟入里，让我重新审视了那些耳熟能详的经典片段。它不是那种轻飘飘的影评集，更像是一本学术专著披着流行文化的外衣，适合那些对电影艺术有强烈钻研欲望的读者。我特别欣赏它对技术革新如何反作用于美学表达的探讨，比如变焦镜头如何从一种纯粹的技术手段，演变成了一种表达人物心理状态的叙事工具，这种跨学科的视角处理，让阅读体验非常扎实且富有启发性。

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老实说，这本书的装帧设计非常朴素，封面没有任何吸引眼球的剧照或明星面孔，纯粹是文字的堆砌，这让我差点错过了它。它深入挖掘的是电影叙事中的“缺失与留白”的力量，一个在主流评论中经常被忽略的话题。作者认为，最强大的情感冲击往往不是来自于屏幕上清晰展现的内容，而是来自于观众大脑自动填补的空白。他用大量的篇幅分析了如何通过剪辑的“跳跃”和镜头语言的“省略”，来迫使观众参与到叙事构建中，从而产生更深层次的代入感和创造性的焦虑。我印象最深的是关于悬疑片中“不可见之物”的讨论，那些仅仅通过环境声音或人物的侧面反应来暗示的威胁，比直接展示的怪物更加令人不寒而栗。这本书极大地提高了我对“减法美学”的认知，它教我欣赏那些没有被说出口的、没有被拍摄下来的，才是电影中最具魔力的地方。

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天呐，我本来以为这会是一本适合在咖啡馆里随便翻阅的消遣读物，毕竟书名听起来就挺轻松的。结果呢？我被书中那些关于“声音设计在非线性叙事中的作用”的长篇论述彻底按在了沙发上，足足啃了两个晚上才算理清头绪。这本书的选材角度极其刁钻，它避开了那些烂大街的“十大经典镜头”的讨论，转而关注那些幕后英雄——配乐师和音效设计师。作者似乎对如何用低频震动来调动观众的原始恐惧有着一套独到的见解，引用了大量实验心理学的案例来佐证。我尤其对其中关于某部法国新浪潮电影中环境噪音的运用分析印象深刻，那种刻意去除音乐、只保留街道的嘈杂声的方式，是如何巧妙地营造出主角的疏离感和城市冷漠。坦白说，这本书的行文风格略显晦涩，对于只想了解八卦的读者来说可能不太友好，但如果你痴迷于电影制作的底层逻辑，它绝对是一座信息宝库，只是需要你投入相当的专注力去消化那些密集的术语和复杂的理论模型。

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这本书的叙事结构简直就像是打乱了时间线的先锋派电影，初看时让人摸不着头脑，但一旦抓住那个隐藏的“时间锚点”，一切逻辑便豁然开朗。它不是按照年份或者导演的创作生涯来编排的，而是围绕“色彩的象征意义”这一核心线索，像走马灯一样切换场景。比如，某一章会突然从一部上世纪六十年代的彩色惊悚片，跳跃到一部当代数字艺术短片，仅仅因为两者都在特定情境下对“深红”的运用达到了某种惊人的心理共振。作者的笔调非常跳脱，充满了强烈的个人色彩和一些近乎诗意的比喻。我尤其喜欢它对“光线不足”的处理，如何利用高对比度和阴影边界来暗示人物的道德模糊性。这本书更像是一本充满灵感的笔记簿，适合那些在创作过程中感到卡壳，需要外部刺激和非常规思考路径的影视人或视觉艺术家。

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读这本书的过程，就像是进行了一次跨越时空的文化考古。我原本以为它会集中在某一个国家或某个特定年代的电影史脉络上，但出乎意料的是，它展现出惊人的广度和跨文化的视野。作者像是带着一本放大镜，在世界各个角落的银幕上寻找“共通的母题”。从早期日本武士片的运镜哲学，到战后意大利新现实主义对日常碎片的捕捉，再到拉美魔幻现实主义对民间传说的影像转化，这种并置和对比极富张力。最有趣的是，它探讨了不同文化背景下，观众对“英雄死亡”场景的情感投射差异。在东方文化中，强调的是宿命的完成与悲壮，而在西方叙事中，则更侧重于对个体反抗精神的赞颂。这种全球性的梳理，让原本平面的电影史瞬间立体了起来，我感觉自己不只是在看电影，更是在理解人类共同的情感构造，非常开阔眼界。

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