中国杨柳青木版年画集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津杨柳青画社书刊编辑出版发行事业部

作者:李志强 编

出品人:

页数:284

译者:

出版时间:1992-1

价格:260.00元

装帧:

isbn号码:9787805030791

丛书系列:

图书标签:

• 木版年画
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《敦煌壁画艺术研究：丝路文明的视觉史诗》 导言 敦煌，这颗镶嵌在丝绸之路上，连接东西方文明的璀璨明珠，其莫高窟以浩如烟海的壁画和彩塑，构筑了一部跨越千年的恢弘史诗。本书并非聚焦于民间艺术的表层繁盛，而是深入敦煌艺术的肌理与精神内核，旨在剖析这些珍贵的文化遗存如何成为解读古代社会信仰、审美变迁以及跨文化交流的独特密码。我们立足于历史语境与艺术本体，试图揭示壁画背后的宗教哲学、世俗生活以及技艺传承的深层逻辑。 第一部分：历史的坐标与艺术的勃兴 敦煌石窟的开凿与发展，与古代丝绸之路的兴衰紧密相连。本书的第一部分将详尽梳理自十六国至元代，敦煌艺术在不同历史时期的演变轨迹。我们不满足于简单的年代罗列，而是结合当时的政治格局、佛教宗派的兴衰，分析艺术风格如何随之“呼吸”。 1.1 早期（十六国至北魏）：异域元素的涌入与本土化初探 重点考察早期壁画中犍陀罗艺术、笈多艺术等印度次大陆和中亚风格的明显特征，如人物造型的立体感、晕染技法的运用。通过对比分析榆林窟早期和莫高窟早期洞窟的壁画，阐述“胡风”如何逐渐被中国化的叙事方式所吸收和改造。这一阶段的艺术，是多元文化激烈碰撞、寻求文化认同的生动写照。 1.2 盛唐时期：辉煌的巅峰与世俗精神的升华 盛唐，是敦煌艺术的黄金时代。本章将深入剖析这一时期壁画的“盛唐气象”——恢弘的布局、饱满的人物形象、精湛的“湿画法”以及对环境光影的精妙处理。重点分析供养人画像的社会地位变迁，以及以《弥勒变》《法华经变》为代表的巨幅经变画，如何将深奥的佛教教义，转化为普通信众可以理解和感知的视觉故事。我们尤其关注唐代飞天形象的“健美”与“动感”，探讨其背后所蕴含的时代精神。 1.3 中晚唐至五代：地方政权的色彩与艺术的转型 安史之乱后，敦煌艺术进入一个相对独立和内敛的阶段。本部分关注归义军、晚唐地方藩镇等统治下的壁画风格。此时期的作品在构图上趋于繁密，笔触趋向于“线描化”，色彩运用上更加注重装饰性和对比性。例如，五代曹氏归义军时期的壁画，其世俗化倾向更为明显，大量描绘了当时的服饰、建筑和社会风俗，为我们研究中古社会生活提供了不可多得的图像资料。 第二部分：图像的语义与叙事的结构 壁画并非单纯的装饰，它们是凝固的“图像图书馆”。第二部分将聚焦于壁画内容本身，解析其符号系统和叙事结构。 2.1 佛教图像的类型学研究 系统梳理佛、菩萨、罗汉、天王等核心人物的“相”与“仪轨”。重点探讨菩萨形象的演变，从早期略显粗犷的威严，到唐代雍容华贵的气质，再到晚期趋于内敛的慈悲。分析“本生故事”与“因缘故事”的叙事手法，探讨如何通过连续画格或全景式构图，阐释轮回、业报等核心佛教观念。 2.2 经变画的视觉剧场 经变画是敦煌壁画中最具创新性和艺术张力的部分。本书将选取几例重要的经变画（如《阿弥陀经变》《维摩诘经变》）进行深度个案分析，研究其如何打破传统佛教造像的界限，将佛国世界描绘成一个充满人间烟火气和宫殿气象的“理想社会”。分析画面中“楼阁、园林、水陆”等元素的象征意义及其在空间处理上的突破。 2.3 世俗生活的“镜像” 敦煌艺术的价值不仅在于宗教，更在于它所折射的世俗生活。本章将专门梳理壁画中反映的古代科技、服饰、乐器、建筑和饮食文化。通过对供养人画像的服饰细节、飞天所持乐器的考证，以及描绘的农耕、狩猎、宴饮场景，重建一个鲜活的、具有可操作性的中古社会生活图景。这部分内容旨在将艺术从纯粹的宗教殿堂中解放出来，回归到其作为历史文献的本质。 第三部分：技法、颜料与物质的传承 艺术的生命力，离不开物质基础的支撑。第三部分将运用现代分析手段，探讨敦煌壁画的材料科学与工艺流程。 3.1 壁画的“肌理”：基底层与着色技法 详述敦煌壁画从岩壁处理、泥皮打磨到底层起稿的全套工序。对比不同时期（如土质条件不同导致的）底层厚度的差异。深入分析“平涂”、“晕染”、“勾勒填色”等主要着色技法的运用，并探讨“沥粉”、“贴金”等装饰技法的历史发展脉络。 3.2 色彩的密码：矿物颜料的生命周期 敦煌壁画的色彩持久力令人惊叹，这得益于古代工匠对天然矿物颜料的精湛掌握。本书将系统介绍朱砂、石青、石绿、铅丹等主要颜料的来源、提纯方法以及在壁画中的应用比例。通过分析特定洞窟中颜料的损耗和变化，反推环境因素（如湿度、光照）对壁画保存的影响，从而探讨艺术保存的物质哲学。 结论：永恒的对话 本书最后将总结敦煌艺术作为“世界性艺术”的独特地位，它不仅是中国佛教艺术的集大成者，更是古代中西文化交融、融合与创新的典范。敦煌壁画的艺术价值，在于其史诗般的叙事能力和对人类精神世界的深刻洞察，它至今仍在向每一位驻足凝视的观者，讲述着那些关于信仰、美丽与历史的古老低语。 本书特点： 图像导向的文本： 理论阐述紧密结合高清壁画细节图例，确保学术性和可读性并重。 跨学科视野： 融合了艺术史、宗教学、材料科学及中外交通史的研究成果。 精微的考证： 对壁画中的特定元素，如服饰、建筑结构和乐器，进行了细致的图像学考证。 目标读者： 艺术史、美术史、宗教史、考古学专业研究者及对中国古代文化有浓厚兴趣的普通读者。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，厚重的封面仿佛承载着岁月的沉淀，那种古朴的纹理和略带粗粝的触感，让人立刻能感受到它所蕴含的文化重量。打开书页，印刷的质量超出我的预期，色彩的还原度极高，那些传统年画中标志性的朱红、翠绿和靛蓝，在现代纸张上依然显得那么鲜活有力，仿佛时间在这一刻凝固了。我特别注意到，内页的排版非常讲究，每一幅画作都有足够的留白，使得观者的视线能够完全聚焦于作品本身，而不是被周围的文字信息干扰。装帧细节上，比如锁线的工艺处理，看得出是经过精心考量的，即便是反复翻阅，也不会轻易松散。这种对细节的极致追求，无疑提升了整本书的收藏价值。我不是科班出身的美学研究者，但作为一个长期的艺术爱好者，我能清晰地感受到设计者在“保护”与“展示”之间的微妙平衡上所下的苦功。这本书与其说是一本图册，不如说是一件精美的工艺品，它让传统艺术的魅力得以通过现代出版技术，进行了一次优雅而庄重的“转世”。它不仅仅是内容的载体，其本身就是对那份民间艺术精神的一种致敬。

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我是在一个偶然的机会下接触到这本画集的，最初只是抱着对民间艺术的好奇心随便翻阅，没想到却被它内在讲述的叙事逻辑深深吸引住了。它不仅仅罗列了一堆精美的图像，更像是一部无声的史诗，通过这些色彩斑斓的符号和形象，勾勒出特定历史时期，北方民众的精神图景和生活哲学。那些夸张的造型、饱满的构图，无不透露出一种对美好生活的淳朴向往与强烈的生命力。我花了很长时间去研究其中一幅关于“五谷丰登”的画面，从麦穗的穗头到人物的表情，每一处都似乎藏着一个关于劳作、感恩与期盼的故事。这本书的编排很有层次感，它没有按照严格的年代顺序来划分，而是通过主题的内在联系进行串联，比如“吉祥纳福”、“驱邪避害”、“节令风俗”等板块的划分，非常有利于初入门者理解年画在社会生活中的多重功能。阅读它，就像是走进了一场跨越数百年的民间庙会，热闹、喧嚣，却又充满了人情味和烟火气。

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这本书的装帧和内容布局，给我的最大感受是“尊重”——对艺术的尊重，对历史的尊重，以及对读者的尊重。每一幅作品的展示都采用了大开本的高清印刷，很多细节，比如木刻的刀痕、油墨渗透纸张的边缘效果，都能清晰可见，这极大地弥补了原作在空间上带来的距离感。更让我赞赏的是，它在收录作品时的取舍和广度。它似乎并不满足于展示那些最耳熟能详的经典之作，而是努力挖掘了许多具有地方特色、风格迥异的稀有版本。这使得整本书的阅读体验充满了“探秘”的乐趣，你永远不知道下一页会跳出何种奇特的想象力构造。它不是一本教科书式的堆砌，更像是一次精心策划的私人艺术之旅。对我而言，拥有它不仅仅是增加了一个阅读材料，更像是为我的书架增添了一个可以随时沉浸其中的“微型博物馆”，每一次翻阅，都能带来新的发现和深思。

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从一个纯粹的“视觉享受者”角度来看，这本书提供的色彩体验简直是一场盛宴。我过去对年画的印象还停留在一些粗糙的复制品上，色彩往往显得干涩而失真。但翻开这本画集，我立刻被那种富有生命力的“平面”色彩所震撼。这种色彩的处理不是写实的，而是高度程式化和象征化的，红得热烈而不俗气，黄得醇厚却不油腻。特别是那些用于勾勒轮廓的线条，遒劲有力，如同书法一般，展现了画师极高的笔墨功底。我甚至尝试去辨认不同时期或不同地域画派在用色上的细微差异，比如某些区域更偏爱深沉的藏蓝，而另一些则偏爱明亮的柠檬黄。这本书清晰地展示了，即使是同一种艺术形式，在不同的地理环境中，也会开出多么绚烂多姿的文化之花。它激活了我对色彩的感知力，让我意识到，在最简单的材料和最直白的表达中，往往蕴藏着最复杂、最纯粹的美学张力。

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坦率地说，这本书的学术价值和普及意义是并存的，但真正打动我的是它在文化传承方面的努力。如今的许多艺术出版物，往往过度依赖于复杂的理论阐释，将欣赏的门槛抬得过高，让人望而却步。然而，这本画集做到了难得的平衡——它在关键的图例旁附上了简明扼要的背景介绍，这些注释精准地解释了特定纹样（比如蝙蝠、石榴、鹿等）在传统文化中的寓意，但又绝不冗余，绝不会抢了画作本身的风头。这种恰到好处的信息量，使得即便是完全没有文化背景的读者，也能快速领会到这些图像背后的文化密码。对于我个人而言，它提供了一个绝佳的“文化拐杖”，让我得以在欣赏其视觉冲击力的同时，也能理解其深层含义。它让这些原本“民间”的、可能面临消逝的艺术形式，重新获得了与现代观众对话的能力，功德无量。

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