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出版者:人民音乐出版社

作者:李嘉禄 编

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-01-01

价格:23.70元

装帧:

isbn号码:9787103014608

丛书系列:

图书标签:

• 钢琴
• 技术练习
• 基本功
• 指法
• 音阶
• 琶音
• 乐理
• 入门
• 练习曲
• 技巧

好的，为您准备了一份关于《钢琴基本技术练习》之外的其他音乐书籍的详细简介。 --- 乐理与和声的殿堂：从入门到精深的音乐理论导览 一、 基础乐理的基石：《音乐的语言：初学者和声指南》 作者： 约翰·M·费舍尔 (John M. Fischer) 出版社： 环球音乐出版社 出版年份： 2018年 内容梗概： 本书是为所有渴望系统性理解音乐构建的初学者、爱好音乐的业余人士以及准备进入专业音乐学习阶段的学生量身打造的权威入门读物。它摒弃了枯燥的学术腔调，以清晰、直观的方式，将复杂的乐理概念分解为易于吸收的知识模块。 全书结构严谨，从最基础的音高、节奏和拍号的定义入手，逐步深入到音程、调性与调式的构建。费舍尔博士强调“在实践中学习”，因此书中穿插了大量取自巴洛克、古典及浪漫主义时期经典作品的实例片段，帮助读者建立起听觉与视觉概念之间的直接联系。 重点章节详述了大小调的构成、音级功能（主、属、下属）以及基础的和弦分析。特别值得称道的是，本书在讲解三和弦的转位及其在旋律进行中的作用时，提供了大量可供弹奏和听辨的练习材料，使得抽象的和声概念变得触手可及。此外，本书还涵盖了终止式的分类与听觉识别，为读者打下了坚实的和声分析基础。 这本书的独特之处在于其“反向工程”的学习方法——它不仅教你“如何写”和声，更着重训练读者“如何听”和声，帮助他们迅速捕捉音乐织体中的功能变化和色彩对比。它避免了过于繁复的对位法或复杂的二十世纪和声理论，精准地聚焦于西方音乐体系中最核心、最通用的语法规则。 适合读者： 零基础音乐爱好者、希望为学习演奏打下理论基础的器乐学习者、音乐教师的辅助教材。 --- 二、 深入和声的迷宫：《十九世纪浪漫主义和声进阶》 作者： 伊丽莎白·R·汉森 (Elizabeth R. Hanson) 出版社： 艺术与学术联合出版社 出版年份： 2021年 内容梗概： 如果说基础乐理是地图，那么本书就是深入探索特定地理区域（浪漫主义时期）的专业探险指南。本书聚焦于19世纪音乐，这是一个和声语言极大扩展和个性化的时代。汉森教授以肖邦、李斯特、瓦格纳等大师的作品为主要分析样本，揭示了传统功能和声如何被推向极限。 本书假定读者已掌握了基本的三和弦、七和弦的结构与功能。在此基础上，它系统地探讨了副属和弦（Secondary Dominants）的广泛应用，以及如何利用它们增加色彩和推动调性色彩的变化。 核心内容围绕着半音化和弦（Chromatic Harmony）的运用展开，包括：增六度和弦（Augmented Sixth Chords）的精确构建、听觉识别及其在导向属和弦中的戏剧性作用。书中对和声小调的应用进行了细致的辨析。 更具挑战性的是，本书深入剖析了瓦格纳歌剧中的“模糊和声”现象，尤其是著名的“特里斯坦和弦”。汉森通过详细的语境分析，解释了这些和弦如何挑战了传统的调性框架，预示了20世纪音乐的来临。本书的分析极其细致，每一组和弦的进行都配有乐谱原文和教授的听觉提示，要求读者具备扎实的和弦内音与外音（Non-Chord Tones）的辨别能力。 本书的价值在于其深度和专业性，它不仅解释了和弦的“是什么”，更深入探究了作曲家在特定情感表达下“为什么”选择这种和声。 适合读者： 已有扎实和声基础的音乐专业学生、作曲与编曲爱好者、需要进行高级曲目分析的演奏者。 --- 三、 探寻节奏的脉动：《复调音乐的律动与时间组织》 作者： 维克多·K·史密斯 (Victor K. Smith) 出版社： 经典音乐研究学会出版部 出版年份： 2015年 内容梗概： 节奏是音乐的骨架，而复调音乐则要求这个骨架在多个维度上同时运作。《复调音乐的律动与时间组织》是一部专注于跨越不同声部时间组织复杂性的专著。本书的重点远超于单一旋律的节拍划分，而是聚焦于不同声部之间节奏的独立性、交织性与相互作用。 全书从巴赫赋格曲的严谨结构开始，系统梳理了对位（Counterpoint）中对节奏处理的基本原则，例如如何保持主旋律的清晰度，同时确保伴随声部的流动性。史密斯教授详尽阐述了错位（Hocket）、节奏型变异（Rhythmic Variation）以及复节奏（Polyrhythm）在不同历史时期的演变。 书中尤其关注16世纪晚期至18世纪初的音乐实践，通过对大量卡农、赋格和三重奏的案例分析，揭示了作曲家如何巧妙地利用附点节奏、切分音以及持续音（Pedal Point）来制造听觉上的张力与释放。 对于复杂的节奏型，本书引入了现代的“节奏网格分析法”，帮助读者在视觉上解构如三对二（3:2）或四对三（4:3）的复节奏，并指导读者如何通过精确的节拍器训练来内化这些复杂的律动关系。本书要求读者对基础拍号有深刻的理解，并能清晰地识别出音乐中同时发生的多种时间感知。 适合读者： 对位法学习者、室内乐演奏者、需要理解复杂配器中节奏层次的作曲家。 --- 四、 音乐形态与结构分析：《从主题到宏大结构：曲式学导论》 作者： 艾米丽·陈 (Emily Chen) 出版社： 音乐结构解析中心 出版年份： 2020年 内容梗概： 理解一首曲子是如何“搭建”起来的，是超越技术演奏的最终目标。陈博士的《从主题到宏大结构》是一本侧重于曲式（Form）分析的实用手册。它专注于分析西方古典音乐中常见的主要结构模式，帮助读者理解音乐的逻辑流向。 本书首先界定了动机（Motive）、乐句（Phrase）、段落（Period）的概念，并详细讲解了二部曲式（Binary Form）和三部曲式（Ternary Form）的内在平衡。随后，重点转向了古典主义时期最核心的结构——奏鸣曲式（Sonata Form）。陈博士将奏鸣曲式解构为呈示部、展开部和再现部的每一个关键功能（如主部主题、副部主题、结束部，以及连接部的转调功能），并提供了大量海顿、莫扎特和贝多芬的作品作为范例。 书中还系统介绍了回旋曲式（Rondo Form）的A-B-A-C-A结构，以及变奏曲式（Variation Form）中各种主题变形的手法（如节奏化、和声化、对位化）。 本书的创新之处在于，它不仅停留在形式的标签化，更强调“功能形态学”——即分析每一结构如何服务于作品的整体戏剧性、情感对比和调性规划。阅读本书，读者将学会如何“阅读”音乐的蓝图，从而在演奏时更具目的性和表现力。 适合读者： 音乐会评论撰写人、高级器乐演奏家、希望精通古典主义时期作品结构的音乐学生。 ---

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翻开《钢琴基本技术练习》这本书，我心中涌动的是对精进琴技、提升演奏表现力的渴望。我一直认为，娴熟的钢琴技术是音乐表达的基石，而如何在这个基础上更上一层楼，是我一直在思考的问题。我期待这本书能为我带来一些切实可行的练习方法，能够帮助我解决目前在速度、力度控制、手指灵活性等方面遇到的挑战。我特别希望书中能提供一些关于如何更有效地处理快速乐句、复杂的和弦以及需要精确指法的段落的指导。此外，我也对如何将技术练习与音乐的审美体验相结合充满兴趣。是否有一些练习方法能够帮助我在追求技术完美的同时，也能更深刻地理解和传达音乐的情感和意境？我一直在寻找能够帮助我突破现有技术瓶颈，让我的演奏更加流畅、富有表现力的途径。这本书的名字虽然朴实，却让我对它在挖掘钢琴演奏潜力方面的作用充满了期待，我渴望从中找到一些能够帮助我实现音乐梦想的宝贵资源。

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拿到《钢琴基本技术练习》这本书，我心里涌起的是对能够找到一套系统化、科学化的练习体系的期待。我一直认为，无论是对于初学者还是有一定基础的演奏者，一个清晰、有条理的练习方法都是至关重要的。我希望这本书能为我提供一些突破当下技术瓶颈的有效途径，尤其是在手指的独立性、速度和耐力方面。我一直对如何在高难度曲目中保持清晰的音色和流畅的乐句感到困惑，所以如果书中能提供一些针对性的解决方案，比如如何通过特定的练习来解决手指交叉、快速跑动中的卡顿问题，或者如何训练手指的爆发力和控制力，那将是巨大的收获。此外，我也对如何科学地安排练习时间，以及如何提高练习效率非常感兴趣。是否会有一些关于如何制定个人化练习计划，如何针对性地解决技术弱点的建议？我希望能从中找到一些能够帮助我更深入地理解音乐，并将其转化为手指上的完美演奏的指导。这本书的“基本技术练习”这几个字，让我对它在构建稳固演奏基础方面的作用充满了想象，我期待它能提供一些实用的、能够直接应用于我日常练习中的方法。

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拿到《钢琴基本技术练习》这本书，我立刻联想到的是如何能更深入地理解和掌握钢琴演奏的精髓。我一直认为，扎实的技术基础是通往更高艺术境界的必经之路，而如何建立这样一个稳固的基础，是我一直在探索的课题。我希望这本书能为我提供一些具有启发性的练习方法，或者一些能够帮助我突破瓶颈，提升演奏水平的独到见解。我尤其对如何培养手指的独立性、灵活性和速度感到好奇，同时也想了解如何在高难度技巧中保持清晰的音色和流畅的乐句。如果书中能提供一些关于如何科学地分配练习时间，以及如何更有效地进行自我评估和调整的建议，那将是非常有益的。我一直想知道，除了传统的音阶和琶音练习，是否还有其他更具创新性和针对性的方法，能够帮助我更快地提升技术，同时也能培养出更具音乐性的演奏风格。这本书的命名让我对它在夯实演奏根基方面的潜力充满了信心，我期待它能为我的钢琴学习之路带来更清晰的方向和更有效的指导。

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这本书的名字是《钢琴基本技术练习》，读起来感觉更像是一本为初学者准备的入门指南，充满了对指法、音阶、琶音等基础训练的细致讲解。我原以为会找到一些关于如何建立扎实演奏基础的独特方法，或者一些能让我跳出常规练习模式，以更具创造性和音乐性的方式来提升技巧的建议。我特别期待能读到一些关于如何有效利用碎片时间进行练习，或者如何克服练习瓶颈的实用策略。如果书中能包含一些关于如何培养良好演奏习惯，例如坐姿、手型、放松技巧的深入剖析，那就更好了。我一直对如何在练习中融入更多音乐情感表达感到困惑，所以如果书中能提供一些将技术训练与音乐感受联系起来的思路，我会非常惊喜。例如，书中是否会讲解如何通过练习音阶来体会不同的音乐情绪，或者如何通过琶音的流动性来塑造乐句的呼吸感？我非常想了解一些能帮助我突破技术瓶颈，让我的手指更灵活、更有力量，同时也能更好地理解和诠释音乐的作品。这本书的命名确实容易让人产生这样的联想，它似乎预示着一场关于钢琴演奏根基的深度探索。

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我拿到《钢琴基本技术练习》这本书的时候，脑海中浮现的是一些关于如何将枯燥的技术练习变得更有趣、更富有音乐性的想法。我一直认为，虽然基础技术训练必不可少，但如果能让这些练习充满艺术性，或者能帮助演奏者更好地理解音乐的本质，那将是更具价值的。我希望这本书能提供一些能够激发我练习动力的创新方法，或者一些能帮助我将技术训练与音乐情感的表达更紧密结合的指导。例如，书中是否会分享一些将音阶练习与情感色彩联系起来的技巧，或者如何通过琶音的练习来塑造音乐的呼吸感和动态变化？我一直在寻找能够帮助我克服练习瓶颈，让我的手指更加灵活、有力，同时也能更好地理解和诠释音乐的作品。如果书中能提供一些关于如何更有效地识别和解决技术弱点，或者如何通过练习来培养更具表现力的演奏风格的建议，那就太棒了。这本书的名字虽然简洁，但却让我对它在挖掘音乐演奏潜能方面的作用充满了期待，我渴望从中找到一些能让我的钢琴学习之旅更加丰富多彩的启示。

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