米芾苕溪诗基本笔画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:上海书画

作者:徐方震 编

出品人:

页数:30

译者:

出版时间:2002-1

价格:7.80元

装帧:

isbn号码:9787806720349

丛书系列:

图书标签:

• 书法
• 米芾
• 苕溪诗
• 宋代书法
• 书法技法
• 笔画
• 书法临摹
• 艺术史
• 中国书法
• 书法学习

《宋代文人画论及其审美旨趣》 导言：宋画的黄金时代 宋代，在中国艺术史上占据着至高无上的地位，尤其在绘画领域，达到了一个前所未有的高峰。这一时期，绘画不再仅仅是宫廷的装饰品，或文人士大夫的闲暇之娱，而逐渐发展成为一种独立的、具有深刻哲学内涵的艺术门类。与唐代尚意、追求宏大叙事和炫技的风格不同，宋代绘画更注重内在精神的表达、对自然的细致观察以及个体情感的融入。这种转变的背后，是一整套成熟的理论体系和独特的审美情趣的支撑。本书旨在深入剖析宋代文人画论的核心思想，考察这些理论如何影响了当时的绘画实践，并最终塑造了我们今天所理解的宋画的“格调”。 第一章：从“画为形似”到“以形写神”——理论的嬗变 宋代的绘画理论经历了从早期对唐代“形似论”的继承与修正，到最终确立“写意”核心地位的深刻转变。 1. 早期：承袭与过渡 北宋初期的绘画仍带有浓厚的学院派气息，如郭若虚在《图画见闻志》中对前人技法的记录与评价，尚停留在对画作“工拙”和“设色”的技法层面。然而，随着理性精神的抬头，对于绘画价值的探讨开始超越纯粹的技巧层面。 2. 范宽与郭熙：山水画的哲学转向 郭熙的《林泉高致》是宋代山水画理论的里程碑。他提出了著名的“神韵说”和“可行、可望、可游、可居”的审美体验框架。 “可行、可望、可游、可居”： 这不仅是对山水画题材的分类，更是对观者与画作之间关系的确立。它要求画家不仅要“师法自然”，更要通过笔墨将自然中的“气”与“理”提炼出来，使观者在视觉体验之外获得精神的栖居。 “论画以形似，见与鄙人”： 郭熙明确指出，追求纯粹的形似是低级的趣味，真正的画作必须捕捉到自然万物的内在生命力——“气韵生动”。这种对“气韵”的强调，直接为后世文人画的写意精神奠定了基调。 3. 苏轼与文人画的理论自觉 苏轼是确立宋代文人画理论的集大成者。他将绘画与诗歌、书法并列，主张“论画以诗”，认为绘画的价值在于抒发画家的胸臆和学识，而非单纯的描摹。 “论画以诗”与“不着色”： 苏轼推崇“不着色”（水墨）的画法，认为色彩的斑斓容易使人陷入对表象的迷恋，而纯粹的水墨更能凸显线条的力度和墨色的层次感，从而更好地表达“意”。他评价文同（文与可）的竹画时，强调“与可画竹，胸中有成竹”，这标志着创作主体的主观能动性和内在修养被置于核心地位。 士气与俗气： 苏轼将绘画划分为“士气”与“俗气”。士人作画，贵在天然、淡远，追求“拙中寓巧”；而工匠作画，则容易落入精细堆砌的俗套。这种划分，直接确立了文人画的社会地位与审美标准。 第二章：格物致知与天人合一——理学对艺术的影响 宋代是中国哲学思想，特别是理学（程朱理学）高度发展的时期。理学强调“格物致知”，即通过对万事万物的探究，最终领悟宇宙的普遍真理——“理”。这种哲学思辨深刻地渗透到绘画创作中，使得宋画具有了内敛而深刻的思辨色彩。 1. 墨分五色与“理”的体现 理学家认为，世界万物皆有其内在的“理”。画家不再满足于描绘事物的表象，而是力图在画面中表现出这一“理”的运行规律。 水墨的哲学运用： 水墨画，尤其是竹石花鸟画，成为最能体现“格物致知”的艺术形式。通过对墨的浓、淡、干、湿的精妙控制（即“墨分五色”），画家能够表现出物体的内在质感、生命力和空间深度，而这种层次的变化，被视为对“理”的模拟。 对局部与整体关系的把握： 这种对“理”的追求，要求画家在局部细节（如竹节的转折、石头的皴法）中体现出整体的结构与韵律，体现了“一即是多，多即是一”的哲学观。 2. “平淡天真”的审美理想 理学崇尚中和之美，反对过度的情感流露和形式夸张。这种审美倾向体现在画论中，便是对“平淡天真”的推崇。 去雕饰的追求： 与唐代绚烂的色彩和饱满的构图相比，宋代绘画更倾向于简淡、含蓄。即使是宏大的山水画，如范宽的《溪山行旅图》，其气势的磅礴也是通过严谨的结构和深邃的层次感而非单纯的视觉冲击力来达到的。 “诗中有画，画中有诗”的意境融合： 这种平淡，并非指内容上的贫乏，而是指笔墨技法上达到一种不露痕迹的化境，使得诗歌中的意境和哲理自然而然地流淌于画面之中。 第三章：绘画的题材转向与审美趣味的深化 宋代理论的成熟，也直接引发了绘画题材的细微转向，特别是花鸟画和院体画的成熟，展现了宋人对日常世界的全新观察视角。 1. 院体画的规范与精微 宋徽宗时期，翰林图画院的专业化达到了顶峰。虽然徽宗本人更偏爱技艺精湛、注重写实的画作，但这些作品的背后，同样遵循着一套严谨的“格物”方法。 “察微”与“穷理”： 院体画的精微之处，在于对客观物象的细致入微的描摹。这并非简单的照搬，而是通过极端的观察（察微）来理解事物的内在构造（穷理）。例如，对飞鸟动态的捕捉，要求画家必须了如指掌其肌肉的运动轨迹和羽毛的生长方向。 “应制”与“格调”的平衡： 尽管院体画有迎合皇帝审美的倾向，但优秀的院体画家（如崔白、李公麟）的作品，依然能达到理论家所推崇的“格调”高度，区别于纯粹的匠人制作。 2. 文人花鸟画的兴起与抒情 相对于院体的“精微”，文人则更侧重于借花鸟来寄托情操，这与苏轼的理论一脉相承。 梅兰竹菊的象征意义： 四君子题材在宋代得到了极大的发展，它们成为文人借以表达高洁品格、不与世俗同流合污的载体。理论上，这种绘画强调的是画家对梅花“傲骨”的理解，而非仅仅描绘梅花的形态。 笔墨的自我指涉性： 在文人画论中，笔墨本身被赋予了极高的审美价值，它不再仅仅是描绘物体的工具，而是画家自身学养、性情与精神的直接投射。线条的抑扬顿挫，便是心绪的起伏跌宕。 结论：宋画理论对后世的深远影响 宋代的绘画理论体系，成功地将艺术创作从单纯的工匠技艺提升到了哲学思辨和人文修养的层面。它确立了中国绘画“写意”的审美主导地位，强调了作者的内在修养（士气）高于外在的技法（匠气）。这种以“理”为根基、以“意”为目标的审美追求，不仅定义了宋画的伟大，也为后来的元、明、清各代文人画的发展提供了坚实的理论基础和永恒的探讨母题。宋画的价值，便在于它成功地将观察世界的方法，转化为了表达生命真谛的艺术语言。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这次偶然间在书店看到了《米芾苕溪诗基本笔画》，这本书的书名虽然朴实，但内容却让我眼前一亮，感触颇深。我一直对米芾的行书情有独钟，他那“风樯阵马”般的书写速度和“刷”字而就的豪放风格，总是让我心生向往。然而，真正想要临摹并领会其中精髓，却往往苦于无从下手。很多关于米芾的书法集，虽然精美，但大多是直接呈现作品，对于初学者而言，理解起来难度较大。这本书的“基本笔画”定位，恰恰击中了我的痛点。它仿佛一位循循善诱的老师，将米芾那看似奔放的笔墨，拆解还原成最基本的构成元素。我猜想，这本书会细致地分析米芾行书中的点、横、竖、撇、捺、折、钩等各种笔画的形态特征，例如，一个“横”如何通过提按而产生粗细变化，一个“竖”又如何通过速度和力度写出挺拔之感。更重要的是，如果书中能提供一些关于如何将这些基本笔画组合成字，以及字与字之间如何安排呼应的指导，那将是极其宝贵的。我期望这本书能够帮助我理解米芾书法之所以“活”起来的根本原因，不仅仅是技巧的展现，更是情感的流淌。我希望通过这本书的学习，能够慢慢地掌握米芾书法的“内功”，而不是仅仅停留在“外形”的模仿上。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期沉迷于书法艺术的读者，我对各类书法理论书籍和字帖都有着相当的接触。然而，真正能够让我眼前一亮、并对之产生深度探究欲望的，往往是那些能够揭示书法“内在逻辑”的作品。当我看到《米芾苕溪诗基本笔画》这本书时，心中涌现出一种莫名的期待。米芾，他的书法风格变化多端，既有“刷”出来的迅疾，又有“点”出来的精巧，其用笔的丰富性和变化性，一直是学习者心中的一座高峰。而这本书的“基本笔画”这个角度，让我看到了攻克这座高峰的希望。我期待这本书能够像一个细致入微的解剖学家，将米芾的行书作品化繁为简，从最细小的笔画入手，逐一剖析其形态、动态、以及在不同情境下的变化。例如，书中是否会详细讲解米芾的“横”画，如何做到“蚕头燕尾”？他的“竖”画，又如何写出“如锥画沙”的力度？更进一步，我希望这本书能帮助我理解，这些基本笔画是如何在米芾的笔下，巧妙地组合成一个个生动而富有表现力的字，并最终汇聚成一篇篇充满个性的篇章。这本书，对我而言，将不仅仅是一本临帖的辅助工具，更是理解米芾书法哲学的一把钥匙，我希望它能引领我穿越米芾那令人眼花缭乱的笔墨世界，触及到其艺术灵魂最深处。

评分☆☆☆☆☆

作为一名书法爱好者，尤其是对宋代书法情有独钟的我，听到《米芾苕溪诗基本笔画》这本书的出版，真是欣喜若狂。米芾，这位“宋四家”之一，其书法的艺术魅力至今仍让人津津乐道。他的字，既有雄浑奔放之气，又不失严谨的法度，尤其是在行书方面，更是达到了出神入化的境界。这本书的名字一听就吸引了我，《苕溪诗》本身就是米芾诗歌中的名篇，蕴含着他丰富的情感和高超的艺术造诣。而“基本笔画”这个关键词，则预示着这本书将深入剖析米芾书法的精髓，从最基础的笔画入手，层层递进，让读者能够清晰地理解和模仿。我非常期待这本书能够提供详细的笔画示范，解析每一笔的起笔、运笔、收笔，以及笔画之间的连接和呼应。如果能附带一些关于笔画在整体字形中所起到的作用的讲解，那就更妙了。比如，一个简单的横画，在米芾的书法中是如何通过粗细、长短、曲直的变化来表达不同的情感和力量感的？同样，一个捺画，如何才能写出那种“掠地而过”的轻盈感，同时又不失力度？这本书的出现，无疑为我们提供了一个绝佳的学习平台，让我们能够更贴近米芾的书法世界，感受这位古代大师的艺术魅力。我迫不及待地想翻开这本书，跟随米芾的笔墨，一起探索书法的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，学习任何一门艺术，都需要从最基础的元素开始。《米芾苕溪诗基本笔画》这个书名，瞬间就抓住了我。米芾的书法，以其独特的个性和艺术造诣，深深吸引着我，尤其是他那在动态中蕴含着静态美、在奔放中又不失法度的行书。然而，如何才能真正掌握他的笔法精髓，往往是初学者最感到困惑的地方。很多时候，我们看到的是成品，却忽略了构成这个成品最基本的“砖瓦”。这本书的“基本笔画”的视角，正是我一直在寻找的。我希望它能够深入浅出地解析米芾在《苕溪诗》中，是如何处理每一个笔画的。比如，他的“点”是如何落笔、如何收笔，才能形成不同的神韵？他的“勾”又是如何做到既有穿透力又不失优雅？更重要的是，我希望这本书能告诉我，这些看似独立的笔画，在米芾的书法中是如何相互连接、相互呼应，从而构建出字的整体结构和生命力。我想通过这本书，不仅能学会如何模仿米芾的笔画，更能理解他为何如此下笔，他想要通过这些笔画传达什么样的情感和意境。这本书，就像一位循循善诱的导师，将引领我一步步走进米芾的书法世界，领略其艺术的魅力，并最终能将其融入到我自己的创作之中。

评分☆☆☆☆☆

我对书法一直抱有浓厚的兴趣，尤其是对于那些独具个性的大家，总想一探究竟。米芾，这位在书法史上留下浓墨重彩一笔的人物，他的作品总是能带给我极大的震撼。这次偶然发现了《米芾苕溪诗基本笔画》这本书，书名本身就吸引了我，因为“苕溪诗”本身就是米芾创作中重要的组成部分，而“基本笔画”的阐述，则透露出作者对米芾书法理解的深入和对读者学习需求的体贴。我设想，这本书不仅仅是简单地展示米芾的笔画，而是会深入剖析每一笔的“生命力”。比如说，米芾的“点”，是轻盈洒落，还是沉着有力？他的“撇”，是舒展飘逸，还是内敛锋芒？书中是否会对比同一笔画在不同字中的细微变化，并解释其原因？更重要的是，我希望这本书能引导我理解笔画之间的“关系”，如何通过笔画的连接形成自然的墨迹，如何通过笔画的组合构建出字的结构和神韵。这本书，对我来说，不仅仅是学习米芾书法的一本工具书，更像是一次与米芾“对话”的契机。我希望能从这本书中，窥见米芾创作时的心绪，感受他笔下的情感律动。它是否能教会我，如何用自己的情感去注入笔画，从而写出有灵魂的书法作品，这是我最大的期待。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆