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出版者:天津人民美术出版社

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页数:0

译者:

出版时间:2000-06-01

价格:5.8

装帧:

isbn号码:9787530506691

丛书系列:

图书标签:

• 素描
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• 绘画
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• 速写

现代建筑设计中的结构美学与可持续性实践 图书简介 本书深入探讨了当代建筑设计领域中，结构系统如何从单纯的功能性支撑，升华为美学表达的核心要素，并与可持续发展理念深度融合的复杂议题。我们聚焦于二十一世纪以来涌现的标志性建筑案例，剖析其在结构创新、材料科学应用以及生态友好策略上的前沿实践。 第一部分：结构逻辑与空间叙事 本部分将建筑结构视为一种视觉语言和叙事载体。传统的结构概念强调稳固与隐藏，而现代设计则倾向于将结构暴露、解构甚至戏剧化。我们首先回顾了从包豪斯到高技派（High-Tech Architecture）的演变脉络，考察结构理性主义如何影响空间布局和用户体验。 一、 从承重到表现：结构的视觉权重 张拉整体结构（Tensile Structures）的张力美学： 以梅赛德斯-奔驰博物馆或某些大型交通枢纽为例，分析悬索、膜结构如何利用几何形态创造出轻盈、动态的视觉感受。重点研究结构受力分析在形式生成中的决定性作用。 巨型结构与尺度感： 探讨巨型柱、桁架系统如何在摩天大楼和大型公共建筑中，不仅满足抗震和抗风要求，更通过其宏伟的比例和重复的韵律，定义建筑的身份和公众认知。 “裸露的骨骼”：结构清晰性原则： 深入剖析结构元件的清晰表达如何增强建筑的可读性。这不仅是技术展示，更是对工程智慧的尊重。我们将比较清水混凝土（Béton Brut）结构与钢结构在表达诚实性（Honesty of Materials）方面的异同。 二、 混合结构体系的创新与挑战 现代建筑越来越依赖于不同材料和体系的组合。本书详细分析了钢-混凝土混合结构、木材-钢材混合结构在超高层和复杂曲面建筑中的应用。 参数化设计与非线性结构： 探讨参数化工具如何协助设计师优化传统上难以计算和建造的复杂曲面和自由形态结构，例如扭转或双曲面结构，并讨论这些结构在施工精度上的严格要求。 节点设计的艺术与工程： 节点是结构信息最集中的地方。本章通过案例研究，展示定制化节点（如球形节点、三维焊接节点）如何解决多轴荷载传递问题，同时成为建筑表皮设计的重要组成部分。 第二部分：可持续性驱动下的结构再定义 当代结构设计无法脱离对环境影响的考量。本部分侧重于如何通过结构创新，实现能源效率最大化和资源消耗最小化。 一、 低碳足迹结构材料的革命 传统钢筋混凝土是碳排放的主要来源之一。本书探讨了替代方案的性能、经济性与美学潜力。 工程木材（Mass Timber）的复兴： 重点分析胶合木（Glulam）、正交胶合木（CLT）在多层和高层建筑中的应用。讨论木结构在防火、声学、以及固碳方面的优势，并展示其温暖的自然纹理如何影响室内环境品质。 再生与低能耗材料： 研究使用回收钢材、地质聚合物混凝土（Geopolymer Concrete）等新型低能耗材料对结构整体生命周期评估（LCA）的影响，以及设计师如何将这些材料的特性转化为设计语言。 二、 适应性与韧性结构设计 韧性（Resilience）是应对气候变化和不确定性事件的关键。结构设计必须超越静态的安全系数，转向动态的适应性。 被动式韧性策略： 探讨如何通过优化结构布局（如设置冗余路径、分散关键承重元件）来提高建筑在极端荷载下的生存能力，减少灾后重建的复杂性。 主动与半主动结构控制系统： 介绍粘滞阻尼器、调谐质量阻尼器（TMD）在控制结构振动、提高舒适度方面的最新进展，以及这些系统如何与建筑的能源管理系统协同工作。 第三部分：结构与表皮的交互作用 在现代建筑中，结构不再是隐藏在表皮之下的骨架，而是与外围护系统深度交织的界面。 一、 表皮作为结构支撑：轻量化策略 结构性幕墙系统： 分析玻璃幕墙、点支撑玻璃系统如何承担部分水平荷载，实现“无柱”空间的扩展。研究结构性玻璃面板的应力分布和安全冗余设计。 外部支撑系统： 探讨斜撑、外部框架（Exoskeleton）如何分担核心筒的荷载，从而释放内部空间，并创造出独特的建筑轮廓。 二、 结构元素的环境性能 结构元件必须参与到建筑的环境调节中。 热质量与热惯性： 深入分析厚重结构（如混凝土楼板）如何通过其热质量，平抑室内温度波动，与低质量围护结构形成互补，实现更稳定的内部微气候。 自然采光与结构遮挡的平衡： 研究如何设计梁、柱、桁架的截面和间距，使其在提供结构支撑的同时，最大限度地导引自然光进入深层空间，避免不必要的眩光和热量增益。 本书旨在为建筑师、结构工程师以及城市规划师提供一个跨学科的视角，理解和掌握如何将复杂的结构工程转化为富有洞察力、兼具美学价值和环境责任感的现代建筑实践。内容侧重于技术分析、案例剖析和未来趋势研判，内容深度足以支撑专业研究和高阶设计工作。

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这本厚厚的画册拿到手里，沉甸甸的，光是看封面那几张精美的素描头像就已经让人心神荡漾。我原本以为这会是一本枯燥的、纯粹讲解线条和阴影的书，但翻开后才发现，作者的讲解方式实在是太有人情味了。他不是那种高高在上的大师，更像是一位愿意和你并肩坐在画架前，耐心拉着你手的良师益友。书中对“神态捕捉”的讨论简直是醍醐灌顶。过去我画人像总觉得少了点“灵魂”，总是停留在五官的堆砌上，但这本书深入浅出地剖析了如何通过眼角眉梢、嘴角弧度的微小变化来传达人物的内心世界。比如，他用了很多篇幅去解析“疲惫”和“沉思”这两种状态下，额头肌肉的微妙松弛与紧张，配上的示范图，寥寥几笔却入木三分。我尝试着按照书中的建议，对着镜子练习捕捉自己不同情绪下的面部结构变化，效果立竿见影。尤其是关于头部骨骼结构的讲解部分，虽然涉及到解剖学知识，但作者巧妙地融入了绘画的实际应用中，让你明白，掌握了骨架，才能让你的线条“长”对地方，而不是僵硬地贴在纸面上。这本书的价值，不在于教你如何复制一张照片，而在于培养你“看”人的能力，去看穿皮相，直达本质。

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坦白说，初拿到这本书时，我对其中介绍的几位“古典大师”的素描作品分析部分持保留态度，总觉得那些作品太遥远，与我日常练习的写生可能关系不大。然而，随着阅读的深入，我发现作者的眼光非常独到。他并非简单地赞美那些大师的作品，而是如同一个福尔摩斯般，拆解他们是如何解决那些我们在写生中经常遇到的“世纪难题”的。比如，如何处理侧面或四分之三侧面的人像中，耳朵和脖子连接处的空间关系，古典大师们是如何用最简洁的轮廓线来“暗示”结构而非“描绘”结构的。作者还特别加入了一章关于“动态速写”与“慢速精雕”的衔接策略。他强调，速写是为了抓住神韵，而精雕则是为了赋予其重量感和真实感。这本书的论述逻辑非常清晰，它并不要求你一蹴而就，而是告诉你，绘画是一个不断累积、不断修正的过程，它尊重了不同阶段学习者的需求。这让我对接下来的练习有了更清晰的路线图，不再是东一榔头西一棒子地乱试，而是有章法地去攻克每一个技术难点。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“材料特性”的讨论深度，这远远超出了我对于一本“技法书”的预期。作者用了相当大的篇幅来比较不同硬度的石墨铅笔、木炭条、以及软性炭笔在表现皮肤纹理和毛发时的差异。他详细记录了在不同磅数（厚度）的素描纸上，使用同一支2B铅笔所产生的视觉效果对比，这种细致入微的对比图表，对于初学者来说简直是无价之宝，能大大缩短他们试错的时间。我过去总是随便抓起一支笔就开始画，现在我明白了，选择正确的工具，就像给匠人配好了趁手的兵器。更妙的是，作者在讲解如何表现“老年人皮肤的松弛感”时，建议使用略带粗糙纹理的纸张，并配合使用硬度较高的炭笔，通过故意留白纸张的纹理来模拟皱纹的凹陷感，这种“借力打力”的技巧，让我大开眼界。这本书不仅仅是教你怎么画，它更像是在教你如何与你的工具进行一场高效的对话。

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我对这本书的整体感受，可以用“温和的颠覆”来形容。它没有采用那种激进的、批判过去一切技法的论调，但它确实在潜移默化中纠正了我很多根深蒂固的错误观念。比如，我一直坚信“轮廓线是决定形体准确性的基础”，但书中反复强调，对于真正有体积感的人像，轮廓线应当是“犹豫”和“断裂”的，它应该服务于内部的光影结构，而不是凌驾其上。作者通过大量的案例分析，展示了如何用“结构线”来替代僵硬的“描边”。在处理人物的头发时，他强调要先画出头皮的“体积块”，再用流动的线条去表现发丝的走向，而不是像画一条条面条一样去堆叠头发。这种从整体到局部，从结构到表皮的思考路径，让我从一个“描摹者”逐渐转变为一个“构建者”。阅读这本书的过程，不仅是学习绘画技巧，更是一次对自身观察世界和表达世界方式的深刻反思与重塑，它的内容密度非常高，每一页都值得反复咀嚼和实践。

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这本书的装帧设计实在令人赞叹，纸张的质感非常适合铅笔和炭条的发挥，即便是用最普通的HB铅笔，在书上尝试作者的笔触练习时，也能感受到那种细腻的摩擦感和层次的过渡。我尤其欣赏作者在讲解“光影处理”时所采用的对比教学法。他并没有简单地罗列光照的类型，而是选取了侧光、顶光、散射光三种极端情境，分别展示了如何利用排线（Hatching）、交叉排线（Cross-hatching）乃至晕染（Smudging）来建立体积感。最让我感到实用的是他对于“环境光反射”的论述。以往我总是不理解为什么有些阴影部分看起来还是亮的，这本书解释了这与周围环境色彩的微弱反弹有关，并提供了一套即便使用单色铅笔，也能通过调整排线密度和方向来暗示色彩变化的技巧。这对于我们这些习惯于传统素描训练的人来说，无疑是一次视野的拓宽。阅读过程中，我仿佛在跟随一位经验丰富的导师进行高强度的实战训练，每完成一页的练习，都会有种肌肉被拉伸、眼力被强化的感觉。它迫使你走出舒适区，去观察那些你过去习惯性忽略的、藏在阴影深处的细节。

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