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出版者:黑龙江美术出版社

作者:远宏

出品人:

页数:572 页

译者:

出版时间:1996年10月

价格:68.0

装帧:精装

isbn号码:9787531803690

丛书系列:

图书标签:

• 陶瓷艺术
• 中国民间艺术
• 传统工艺
• 民俗文化
• 陶瓷史
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《敦煌壁画艺术流变与审美特征研究》 书籍简介 本书聚焦于敦煌莫高窟壁画艺术自十六国至元代的漫长历史进程中的演变轨迹，深入剖析了不同历史时期壁画在题材内容、绘画技法、人物造型、色彩运用以及整体审美风格上所呈现出的显著特征及其背后的文化动因。全书以严谨的学术态度和翔实的图像资料为基础，力求构建一部全面、深入且富有洞察力的敦煌壁画艺术史论著。 第一部分：早期壁画的肇始与奠基（十六国至北魏） 本部分着重考察敦煌艺术的源头活水。十六国时期的壁画，在内容上初显佛教叙事的主体，造型上兼具西域异域风情与中原传统的初步融合。 一、文化交汇的初啼：十六国时期壁画的地域性特征 题材的初步定型： 探讨早期“佛本生故事”和“缘起故事”的绘制特点，分析其在早期洞窟中的布局与功能。 造型语言的探索： 细致比对早期壁画人物（如飞天、供养人）与西域犍陀罗艺术、中原早期雕塑的关联，指出其“瘦骨清像”的初步形态。 色彩与线条： 分析早期颜料的自然矿物属性对画面质感的影响，以及线条的稚拙而有力的表现力。 二、北魏的转折与融合：草原民族的艺术生命力 北魏时期，随着政权对佛教的推崇，敦煌壁画进入第一个高峰期。 “秀骨清像”的极致化： 详细论述北魏晚期壁画中人物面部清瘦、衣纹飘逸的典型风格，探讨其深受中原士人审美趣味的影响。 构图的复杂化： 研究“说法图”、“涅槃变”等大型经变画的构图结构，解析画面叙事逻辑的成熟。 飞天形象的革新： 重点分析北魏飞天从早期较为写实的姿态向“三道弯”式动态转变的过程，及其所蕴含的生命哲学。 第二部分：盛唐气象与审美高峰（隋唐时期） 隋唐时期，敦煌艺术达到了其辉煌的顶峰，充分体现了大唐帝国开放包容、雍容华贵的时代精神。 一、隋代承上启下的过渡：丰腴的酝酿 隋代壁画在继承北周艺术的基础上，开始展现出向盛唐过渡的迹象，体态由清瘦转向健硕。 “圆润”之美的初现： 分析隋代菩萨造像的丰满、服饰的简化趋势，以及色彩的浓重化。 经变画的成熟： 探讨以《弥勒变》为代表的宏大叙事场景的构建，分析对称性与稳定性的完美结合。 二、盛唐：雍容华贵与世俗化 盛唐壁画的成熟标志着中国古典美学的巅峰之一。 人体造型的理想化： 深入解析盛唐壁画中人物面部表情的生动、体态的饱满（“珠圆玉润”），以及对人体结构精准的把握。 色彩的辉煌： 研究唐代高超的设色技艺，特别是对“晕染法”的运用，使画面产生强烈的立体感和光影效果。 世俗生活的渗透： 考察供养人画像和世俗场景（如农耕、宴饮场面）在壁画中占据的比重增加，反映出唐代社会开放与自信的文化心态。 第三部分：多元化与本土化的深化（中晚唐、五代、宋、元） 安史之乱后，敦煌艺术逐渐脱离了长安的中心辐射，转而与周边地方文化及新兴的本土审美进行更深层次的融合。 一、中晚唐的风格转变：精微与内敛 装饰性的增强： 探讨受晚唐审美品位影响，壁画中花卉、建筑细节处理趋向繁复和程式化，但整体气势有所收敛。 密宗色彩的介入： 随着藏传佛教的传入，部分洞窟开始出现密宗题材（如坛城图），造型和手印的规范化加强。 二、五代与宋代：地方风格的勃兴 此时期敦煌受归义军及吐蕃等地方势力的影响加深，形成了鲜明的地域性风格。 造型的程式化与本土化： 分析五代曹氏家族对敦煌艺术的维护与发展，部分地区出现面相偏短、肢体略显僵硬的本土化倾向。 “宋画”影响的体现： 考察宋代壁画中对山水景物的精细描绘，以及对阴影、远近法的尝试性运用。 三、元代：藏传佛教艺术的主导地位 元代壁画是敦煌艺术的最后一个重要阶段，完全被藏传佛教（萨迦派）的审美体系所主导。 “唐卡”风格的引入： 详细对比元代壁画与西藏唐卡在人物比例、色彩对比度、曼陀罗布局上的高度一致性，如“水月观音”形象的定型。 颜料的矿物质化与线条的硬朗： 分析元代壁画中线条的硬挺、色彩的饱和度极高，以及面部表情的趋于程式化和神秘化。 第四部分：审美特征的系统总结与技法研究 本书最后一部分对贯穿敦煌一千多年历史的审美脉络进行梳理，并辅以技术层面的剖析。 一、敦煌壁画的审美流变主线 从“神性”到“人性”的回归： 总结壁画人物造型从早期对神祇的抽象化表现，到盛唐对理想化人体的赞美，再到晚期高度程式化的过程。 空间感的演变： 比较早期线性平面构图与唐代多层次空间布局，以及晚期受“唐卡”影响下的平面化趋势。 色彩的文化内涵： 分析朱红、石绿、石青等主要矿物颜料在不同时期的使用频率和象征意义，揭示其背后对“净土”的哲学构建。 二、材料与技术的专门研究 壁画的基层处理： 详细介绍敦煌壁画泥墙基层、麻刀层、白灰层的制作工艺，以及其对壁画保存的物理作用。 颜料的来源与定性： 通过对颜料残留物的分析，探讨丝绸之路沿线矿物资源的利用情况，以及不同时期颜料纯度的变化对画面艺术效果的影响。 绘画笔触的辨识： 通过对飞天、菩萨衣褶的处理方式，总结不同时期画师群体在笔触运用上的地域性差异与时代特征。 本书旨在为艺术史学者、佛教艺术研究者以及所有对古代中国绘画和文化史感兴趣的读者，提供一个深入理解敦煌壁画艺术复杂性与伟大成就的权威性参考。它不仅是对图像的记录，更是对一个伟大时代精神风貌的艺术解码。

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坦白说，初拿到这本书时，我其实有些担心内容会过于学术化，晦涩难懂。然而，作者的文字功力实在令人佩服，它成功地架设起了一座沟通专业知识与普通爱好者之间的桥梁。那些复杂的工艺术语和专业名词，都被作者用非常生动、贴近生活的比喻进行了解释，即便是对制瓷工艺一窍不通的新手，也能迅速抓住核心概念。例如，书中对“开片”现象的描述，那种细致入微的感性描述，让我这个外行人也能立刻联想到实物，并感受到其中蕴含的随机之美与人为控制的矛盾张力。这种叙述风格，既保持了学术的严谨性，又充满了人文的温度和叙事的魅力，让人阅读起来毫无负担，更像是在听一位饱学之士娓娓道来他钟爱的故事，而不是枯燥的教科书。

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我是一个非常注重实地考察和文献对比的读者，这本书在这方面的表现力远超我的预期。它不仅收录了大量来自国内顶级博物馆的馆藏珍品高清照片，更难得的是，其中穿插了许多关于古代窑址、矿脉的现场考察记录和最新的考古发现资料。作者似乎将自己多年的田野工作成果毫无保留地倾注其中，例如，对于某种特殊颜料的矿物学分析结果，甚至是不同年代泥料含铁量的变化曲线图，这些细节的呈现，极大地增强了本书的权威性和参考价值。这种将文献研究、图像对比与一线考古发现熔于一炉的综合性研究方法，让书中的论断具备了极强的说服力，也为我未来如果想进行深入研究或实地探访提供了绝佳的路线图。

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这本书的叙事逻辑和知识体系构建得极其严谨和深刻，它不是简单地罗列文物图片和年代信息，而是将历史的脉络、地域的差异、乃至不同时期社会文化背景下的审美变迁，都巧妙地编织在一起。作者在探讨某个特定窑口或器型时，会毫不犹豫地追溯到更早期的源头，并将其置于当时制瓷工艺的巅峰状态进行比较分析，这种横向与纵向的立体解构，极大地拓宽了我的认知边界。尤其赞赏的是，作者并未止步于传统的美学评价，而是深入探讨了工匠的技术传承、原料的开采与配方，甚至涉及到了商业贸易路线对风格演变的影响，这种多学科交叉的论证方式，使得全书的论据无比扎实，论证过程环环相扣，逻辑链条清晰有力，读起来酣畅淋漓，每翻过一章，都能感受到知识体系的稳固构建。

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这部作品的装帧设计真是让人眼前一亮，从封面到内页排版，都透露着一股浓厚的古典韵味与现代审美的完美结合。纸张的选择厚实而富有质感，触感温润，翻阅起来是一种享受。特别是那些彩图的印刷质量，色彩的还原度极高，即便是微小的纹理和釉色的变化，都能清晰地呈现在读者眼前，仿佛能透过纸张触摸到那些历史悠久的器物。我尤其欣赏作者在版式设计上的匠心独运，旁边的注释文字和主图之间留白的尺度把握得恰到好处，既保证了阅读的舒适性，又让视觉焦点集中在那些精美的艺术品之上，完全没有那种信息堆砌的压迫感。这种对细节的极致追求，无疑提升了整本书的收藏价值和阅读体验，让人愿意反复摩挲品味，不仅仅是知识的载体，更是一件值得陈列的艺术品。整体来看，无论是送礼还是自藏，这本图书在视觉和触觉上的呈现都达到了一个非常高的水准。

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这本书在文化意蕴的挖掘上，展现出了一种超越物质层面的深刻洞察力。它并非仅仅聚焦于“器物之美”，而是探讨了这些精美陶件如何在古代社会中扮演的文化角色。比如，它详细阐述了某一特定纹饰图案在不同朝代被赋予的吉祥寓意如何演变，以及它如何反映了当时的社会等级制度和民间信仰的变迁。通过对日常使用的碗碟、酒具乃至明器等不同类别的器物进行社会学层面的解读，我得以窥见古人生活的点滴、情感的寄托以及他们对世界秩序的理解。这种由物及人、由表及里的解读方式，让冰冷的陶瓷艺术焕发出了鲜活的生命力，使得每一次的欣赏，都成为一次对逝去文明进行深度对话的过程。

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