海上十五家中国画集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海书画出版社

作者:韩碧池 编

出品人:

页数:325

译者:

出版时间:1993-05-01

价格:160.00元

装帧:Unknown Binding

isbn号码:9787805127057

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 海上十五家
• 艺术史
• 绘画史
• 传统艺术
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• 艺术作品
• 名家画集

好的，为您撰写一本与《海上十五家中国画集》内容无关的、详细的图书简介。 《敦煌壁画艺术撷英：莫高窟的千年辉光与时代变迁》 一、引言：丝路瑰宝，文明的交汇点 本书旨在深入探讨敦煌莫高窟的壁画艺术及其背后的历史、宗教与社会文化脉络。敦煌，这座位于古丝绸之路咽喉要道的重镇，以其规模宏大的石窟群和精美绝伦的壁画闻名于世。这些壁画不仅是中国佛教艺术的巅峰之作，更是中华民族与世界文明交流互鉴的生动见证。 本书并非仅仅停留在对壁画进行图像学的罗列与描述，而是试图从艺术史、宗教史、社会史等多维度的视角，构建起一个立体的、有机的敦煌艺术体系。我们聚焦于壁画的创作技法、时代风格的演变，以及其所承载的时代精神与信仰变迁，力求展现莫高窟艺术的深邃内涵与不朽魅力。 二、敦煌艺术的时代脉络与风格流变 敦煌石窟的开凿与壁画的绘制横跨了十六国、北朝、隋、唐、五代、宋、西夏、元等十余个世纪。在漫长的时间跨度中，壁画的风格经历了显著的“本土化”与“融合化”的演变过程。 1. 初创与融合期（十六国至北周）：异域之风与本土意识的萌芽 在十六国时期，受中亚及犍陀罗艺术风格的影响，壁画的造型多显得粗犷有力，线条简练，色彩浓重。如早期供养人画像的服饰、面部特征，都带有明显的西域色彩。进入北周，随着佛教思想的不断深入人心，壁画开始出现向中国传统绘画语言过渡的迹象。飞天形象逐渐摆脱了早期略显僵硬的姿态，开始展现出飘逸的动感，但整体上仍保留着强烈的宗教叙事功能。 2. 盛唐气象：写实主义与世俗化的巅峰 唐代是敦煌壁画艺术的黄金时代。随着国力强盛和佛教的鼎盛，壁画在技法和内容上都达到了前所未有的高度。 “唐风”的確立： 盛唐时期的壁画，如广为流传的经变画（如《弥勒经变》），人物造型丰满圆润，体态优美，衣纹流畅，体现了盛唐审美中雍容华贵的气度。色彩运用达到了炉火纯青的地步，对光影的处理也日益成熟，使得画面具有极强的立体感和生命力。 世俗化的渗透： 在这一时期，供养人画像的比例和精细度大幅增加，反映了当时上层社会的风貌、服饰和生活细节。同时，世俗题材，如狩猎、宴饮、乐舞的元素开始巧妙地融入佛教故事中，显示出艺术对现实生活的关照。 3. 转型与重塑（五代至宋）：地方特色的彰显 五代时期，敦煌地区政权更迭频繁，艺术风格也呈现出多元化的面貌。在某些洞窟中，我们能看到对唐代风格的继承与模仿，但整体上线条略显纤细，色彩趋于平面化。宋代壁画则展现出更浓郁的本土风格，笔法更为细腻，构图也趋于扁平化，尤其在西夏时期的洞窟中，其强烈的地区性特征尤为突出。 三、技法探微：颜料的秘密与“矿物之诗” 敦煌壁画的耐久性令人惊叹，这与其精湛的颜料制作与应用技术密不可分。本书将详细剖析壁画的基层处理、底稿绘制与着色工艺。 基层处理： 介绍敦煌工匠如何利用当地特有的夯土、草泥、石灰、白芨等材料，构建出坚实且适宜着色的壁面。 矿物与植物颜料： 重点分析壁画中使用的核心色彩——如朱砂（红色）、石青/石绿（蓝色/绿色，主要源自孔雀石和青金石）、铅白（白色）以及土红、土黄等。这些天然矿物颜料的来源、研磨工艺及其在不同时期色泽的变化，构成了敦煌艺术独特的“矿物之诗”。 线描与晕染： 探讨中国传统“十八描”技法在敦煌壁画中的运用，以及唐代壁画中对墨线起稿的强调，如何在色彩层层罩染之下，依然保持了骨力与神韵。 四、经变画的叙事艺术：图像学的解读 经变画是敦煌壁画中最为宏大和重要的组成部分，它将佛经中抽象、冗长的文字叙事，转化为生动、可视化的图像故事。 本书将选取数个典型洞窟的经变画进行专题研究： 1. 故事的转译： 分析佛本生故事、缘起故事（如佛陀的生平、修行、成道）如何被地方化的民间叙事所吸收和改造。 2. 构图的逻辑： 探讨经变画中“散点透视”或“多中心叙事”的布局方式，如何巧妙地在有限的空间内组织起宏大的时间序列和空间场景。 3. 符号的意义： 深入解读飞天、力士、菩萨、佛陀的服饰、手印（Mudra）及背景元素（如楼阁、山水）所蕴含的宗教象征意义和世俗寄托。 五、文化遗产的保护与当代启示 在全书的最后部分，我们将目光投向现代。莫高窟的壁画保护是一项艰巨的系统工程，涉及气候学、材料科学和文物保护的尖端技术。本书将简要介绍现代修复工作中的关键技术，如数字采集、微环境控制等，以确保这批人类文明的瑰宝得以永续流传。 敦煌艺术所体现的“开放包容”精神，在当今全球化时代具有深刻的现实意义。它昭示着中华文化在吸收外来文明精华后，能够进行创造性转化和创新性发展的强大能力。阅读本书，读者将不仅领略到艺术的审美价值，更能体会到历史长河中文化生命力的不息。 （本书适合艺术史研究者、佛教文化爱好者、历史地理学者，以及所有对中国传统文化抱有深厚兴趣的读者。）

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说实话，我对于当代艺术画册的期望值通常不高，大多是走马观花式的印刷品。然而，这本画册彻底颠覆了我的固有印象。它在细节处理上的考究，让我觉得每一笔成本都花在了刀刃上。比如，在表现那些水墨人物的衣袂飘飘时，画册的成像技术极好地捕捉到了纸张的吸墨性，那种由深到浅的过渡自然得像是水墨在宣纸上晕开的原始状态，丝毫没有现代印刷品的“僵硬感”。特别是那些需要通过细微的线条变化来区分层次的场景，比如竹林的稀疏与茂密，都处理得极其到位，我甚至可以分辨出画家是用了侧锋还是中锋来完成特定的线条。这种对原作质感的忠实再现，是衡量一本优秀画册的重要标准，而这本画集无疑是达到了行业内的顶尖水平。它不仅是知识的载体，更像是一场精妙的“触觉模拟”，让人忍不住想要用手去触摸那些跃然纸上的墨迹。

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这本画册带给我的整体感受，可以用“静谧的力量”来形容。它不像那些追求视觉冲击力的作品那样喧哗，而是以一种近乎禅意的姿态，邀请观者走入其中，慢慢品味。我特别留意了它对“留白”的处理，很多大师的作品，其精髓往往在于“未画之处”，而这本画册在排版时，巧妙地利用了页面的空白区域，使那些留白的部分获得了生命力，它们不再是空白，而是云雾、是虚空、是无尽的意境。这种虚实相生的艺术理念，贯穿了整部作品的编排。在阅读过程中，我发现自己的心跳都慢了下来，仿佛被画中的山水所感染，进入了一种悠然自得的状态。它不急于让你看清每一个细节，而是引导你感受到整体的气韵和作者的胸襟，非常适合在清晨或深夜，沏上一壶清茶后，独自静心翻阅，享受那份独属于中国传统艺术的宁静与深远。

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我曾花费了好几个下午的时间，沉浸在这本画册所呈现的艺术世界里，它就像是一扇通往古代文人精神世界的窗户。最让我震撼的是其中几幅山水巨制，它们不仅仅是风景的再现，更是画家胸中块垒的抒发。你看那几处用焦墨刻画的嶙峋怪石，笔法刚劲有力，仿佛能感受到岩石的坚硬和岁月的沧桑，与周围清淡的水墨形成鲜明的对比，这种“一浓一淡，一刚一柔”的处理，极具张力。与市面上那些色彩斑斓的画册不同，这本画册的色调是克制而内敛的，即便是使用了赭石或花青，也都是恰到好处地烘托主题，绝不喧宾夺主。我发现，每一幅画作的标题和题跋，都像是与画面本身进行的对话，寥寥数语，却点出了画面的神韵和作者的心境。这种对意境的追求，远超出了单纯的技法展示，它引导着我们去思考“何为美”、“何为道”，让人在欣赏之余，获得一种精神上的洗礼和沉淀。

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作为一名业余的书法爱好者，我对这本画册中装裱的书法部分也给予极高的评价。那些题在画作旁的文字，行书、楷书、隶书交替出现，风格迥异，却又完美地契合了画面的气质。有些行书洒脱奔放，墨迹淋漓，与激流飞瀑的场景相得益彰；而另一些则用笔端庄秀逸，如同工笔花鸟画一般精致，体现了书家深厚的功底。更难得的是，画册在印刷这些文字时，对墨色的还原度非常高，甚至能看出笔锋的提按顿挫，那一点干枯的飞白，那一片浓重的润墨，都清晰可见，这对于研究古代书画的装裱和拓印技术来说，提供了极具价值的参考资料。相比于那些只注重图像清晰度的简单复制品，这本画集显然投入了更多的精力在“神韵”的捕捉上，成功地将二维的画纸变成了三维的艺术体验。

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这本画册的装帧设计真是别出心裁，那种略带粗粝感的纸张纹理，配合着深沉的靛蓝色封面，初见便给人一种沉静而厚重的历史感。我尤其欣赏它在版式处理上的用心，每一幅画作的留白都恰到好处，仿佛是在为观者的思绪预留呼吸的空间。翻开扉页，扑面而来的是一种工笔与写意的微妙平衡，那些笔触的细腻，展现了画家对自然万物的深刻洞察。我记得其中有一幅描绘江南水乡的画作，墨色的晕染层次极其丰富，近景的芦苇轻盈得仿佛能随风摇曳，而远处的黛色山峦则用淡墨勾勒出朦胧的烟雨之气，这种空间的深邃感和空气的湿润感，简直让人身临其境。而且，装帧上所用的烫金字体，没有丝毫的俗气，反而增添了一份古典的韵味，即便只是放在书架上，也像是一件值得珍藏的艺术品。从阅读体验上来说，它非常友好，装订结实，展开平整，即便是对着光线欣赏那些细节丰富的局部，也不会有反光或折痕的困扰，这无疑是对艺术家心血的最好尊重。

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现在读作者的名字总觉得怪怪的。我承认是我的错误联想和偏见

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