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出版者:山东友谊出版社

作者:邵云

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页数:0

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价格:78.00元

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isbn号码:9787806423998

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铸就辉煌：中国古代青铜器的铸造技术与审美流变 内容简介： 本书深入探讨了中国古代青铜器自夏商至秦汉时期在技术、艺术和文化层面所经历的非凡发展历程。我们不再聚焦于青铜器本身作为“陶瓷”的对立面，而是将其视为中华文明早期物质文化与精神信仰的载体，展开一场关于“火与土”之外，由“铜与锡”构筑的金属文明的细致考察。 本书的叙事线索紧密围绕青铜器的铸造工艺的演进、纹饰与造型的象征意义，以及不同历史阶段的礼制功能展开，旨在揭示青铜器如何成为维系早期国家权力结构与社会等级秩序的关键要素。 --- 第一部分：技术的奠基与突破——从范铸到失蜡法的探索 青铜器的制造，是一场对自然材料的精妙驯服。本书首先系统梳理了中国青铜冶铸技术从萌芽到成熟的艰辛历程。 夏商时期的范铸法精进： 我们详细分析了陶范的制作过程，包括选土、泥条盘筑、外范雕刻与合范的严苛标准。重点剖析了二里头文化晚期至商代中期的技术飞跃，如何使得饕餮纹、夔龙纹等复杂、高浮雕的图案得以精确地从模具转移到青铜器表面。书中通过对殷墟出土的司母戊鼎（后母戊鼎）等重器的微观结构分析，展示了当时合范技术的极致水平，探讨了如何通过分铸法解决超大型器物浇注时的受力平衡问题。 西周的标准化与程式化： 西周时期，青铜器的铸造工艺趋于稳定，模具的标准化程度显著提高。本书着重考察了“铭文”的铸刻技术，区别于商代流行的先铸后刻或阴刻填金，西周后期出现了将文字内容预先雕刻于内范之上，使铭文与器身一次性铸成的技术，这极大地提高了铭文的书写流畅度和准确性，也为后世的冶金技术留下了宝贵的实物证据。 春秋战国的技术革新与挑战： 这一时期是青铜技术向更精细化发展的关键节点。本书投入大量篇幅介绍“失蜡法”在某些领域的应用尝试（尽管大规模应用多见于汉代以后，但技术萌芽和实验性应用已现）。更重要的是，深入分析了错金、镶嵌工艺的广泛应用。通过对燕下都、中山国遗址出土器物的研究，揭示了工匠如何通过精细的凿槽和打磨技术，将金银、红铜嵌入青铜基体，以达到绚丽夺目的视觉效果，这标志着金属加工技术的复杂性达到了一个新的高峰。 --- 第二部分：形制的语汇与礼乐的秩序 青铜器绝非单纯的实用器皿，它们是政治话语的载体，是区分贵贱尊卑的“硬通货”。 礼器的谱系与功能分类： 本书严格按照古代“六器”（鼎、鬲、甗、簋、盌、爵）的分类法，解析了它们在祭祀、宴飨、战争中的具体功能和身份象征。例如，鼎的数量与规格直接对应着持有者的政治地位，从天子的九鼎到诸侯的七鼎、卿大夫的五鼎，构成了一套严密的“礼器使用规范”。 纹饰的符号学解读： 纹饰是青铜器最直观的精神表达。本书系统梳理了商代繁复狞厉的“饕餮纹”（或称兽面纹）的演变，探讨了其可能源自原始图腾崇拜的心理根源。随后对比了西周时期纹饰的“去神化”倾向，如云雷纹、重环纹的出现，标志着宗教审美向更强调秩序与和谐的哲学思辨过渡。战国时期的“宴乐渔猎攻战纹”则标志着世俗生活主题对神性主题的强势取代，反映了社会结构的松动和个人英雄主义的兴起。 铭文：历史的直接见证： 青铜器铭文，尤其是长篇的史书性铭文（如毛公鼎、散氏盘），被视为研究西周历史的第一手资料。本书不仅关注铭文的书法风格变化，更重要的是解析铭文背后的“契约精神”——谁授予权力？为谁铸器？记载了何种功勋或赏赐？这揭示了青铜器在国家信誉体系中的核心作用。 --- 第三部分：从神权到王权——青铜器的文化转型 青铜文明的更迭，映射着中国早期王朝的权力转移与意识形态的转变。 商代：沟通天地的媒介： 商代青铜器以其巨大的体量和神秘的装饰，体现了“神权至上”的统治理念。工匠们制造的重器，其目的在于通过与祖先神灵的沟通，巩固现世君主的合法性。这一时期的技术投入，主要服务于宗教仪式对威慑力的需求。 西周：德行与分封的固化： 西周青铜器转向“礼乐文明”。“礼”强调等级秩序，“乐”强调和谐统一。青铜器不再只是与神交流，更多是用来记录和确认人与人之间的分封、盟约和道德义务。这种从“畏天命”到“敬德保民”的转向，深刻地影响了后世的儒家思想基础。 春秋战国：技术的解放与审美的大众化： 随着“礼崩乐坏”，青铜器铸造的焦点从维护中央集权转向地方诸侯和新兴贵族的个性化需求。技术的进步使得更轻便、更具装饰性的器物成为可能，例如带盖的熏炉、精巧的铜灯。此时，青铜器的使用不再被严格的礼制所禁锢，艺术的自觉性开始萌芽，为秦汉以后更成熟的金属工艺铺平了道路。 --- 总结： 本书通过对中国古代青铜铸造史的全面梳理，力求还原一个由火焰、泥土和金属交织而成的宏大技术与艺术史诗。它不仅是对古代冶金学的一次回顾，更是对早期国家意识形态、社会结构和审美取向的一次深入剖析，展示了青铜这一物质载体在中国文明早期所承载的无可替代的历史厚重感。

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说实话，一开始我以为这是一本偏向学术鉴赏类的书籍，可能会充斥着晦涩的术语和枯燥的断代史。然而，这本书却以一种极其轻盈和生活化的笔触，将那些原本高高在上的艺术品拉下了神坛，还原了它们作为日常用品的本质。作者巧妙地将那些复杂的烧制温度曲线、釉料配方，转化为一个个生动的生活场景：比如清晨第一缕阳光洒在茶盏上的光影，或者雨夜里炉火映照在瓶身上的温暖。这种“烟火气”的注入，极大地拉近了读者与艺术品的距离。它探讨的不是“值多少钱”，而是“它如何参与了生活”。书中的章节过渡自然流畅，像一壶温热的茶，每一口都回甘悠长，让人感到一种久违的宁静与满足感。

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这本书的叙事视角相当独特，它似乎采用了一种拟人化的手法，让“器物本身”成为了讲述者。这种尝试非常大胆，也极具挑战性，但作者完成得相当漂亮。通过一件件不同历史时期的作品的“自述”，我们得以窥见它们经历的朝代更迭、主人的悲欢离合。这种“物我两忘”的叙事，使得历史不再是冰冷的年代线索，而是与我们呼吸与共的、有温度的陪伴。书中对不同时期审美倾向的对比分析也十分犀利，从汉代的古朴雄浑到宋代的清雅内敛，再到明清的繁缛华丽，作者没有简单地进行罗列，而是深入剖析了社会背景如何塑造了这些器皿的“个性”。阅读体验如同进行了一场穿越时空的对话，让人对时间的厚重感有了更直观的认识。

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读完这本书，我有一种被拉回到古老作坊的错觉，空气中似乎弥漫着干燥的陶土味和燃烧木柴的烟火气。作者的文笔极为精炼，像刻刀一样精准地勾勒出工匠们世代相传的专注与执着。这本书最吸引我的是它对“传承”这一主题的处理，它没有采用宏大的历史叙事，而是通过几个具体的家族故事，展现了技艺在岁月洪流中的流动与变迁。那些关于选土、和泥、拉坯的细节描写，写得既专业又充满诗意，即便是对陶瓷艺术一无所知的人，也能从中感受到那种将泥巴变成艺术品的魔力。特别是对匠人精神的刻画，那种近乎固执的对精度的追求，与现代社会追求效率的浮躁形成了鲜明的对比。它不是一本教你如何制作的指南，而是一部关于专注、耐心与时间艺术的赞歌，读来令人肃然起敬，也让人开始反思自己生活中的匆忙与缺失。

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这本书的装帧设计本身就极具巧思，纸张的选择和排版布局都透露出一种克制的优雅，这本身就是对主题的一种呼应。但内容上的亮点更在于其对“意境”的捕捉能力。作者对于光线、空间以及材料之间相互作用的描述，达到了近乎“绘画”的层次。读到描写某个特定釉色在特定光照下呈现的微妙变化时，我不得不停下来，想象着那种视觉效果，甚至有些想去触摸书页的纹理。它不是在描述一件死物，而是在捕捉一瞬间的生命状态。全书的语言充满了象征意义，每一个词语的选择都经过了反复的掂量，避免了任何多余的赘述。读完后，你会发现自己看待身边寻常之物的眼光都变得更加细致和有耐心了。

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这部作品着实令人耳目一新，它没有沉湎于那些老生常谈的技巧展示，反而将笔触深入到一种近乎哲学的层面去探讨“器”与“人”之间的微妙关联。作者的叙事节奏把握得极其老练，时而舒缓如溪水潺潺，描摹着泥土在指尖被塑形的每一个细腻瞬间，让人仿佛能感受到那份沉静的力量；时而又陡然加快，聚焦于窑火中变幻莫测的色彩与质地，那种对不确定性的敬畏与接受，读来让人心潮澎湃。我尤其欣赏它对“不完美”的颂扬，那些烧制过程中留下的釉斑、开片，不再是瑕疵，而是时间与自然的签名，是生命力的体现。整本书的结构如同一个精心烧制的陶罐，外表质朴，内里却蕴含着对生活本质的深刻洞察。它引导读者去思考，我们所珍视的，究竟是器物的完美无缺，还是它所承载的故事与温度？这种对传统手工艺的重新定义，使得这本书的厚度远超其物理体积。

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