天天艺术 小号教学 三片装(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京环球音像出版社

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页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:80.0

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isbn号码:9787880581270

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《音乐启蒙：儿童钢琴入门与基础乐理》 内容简介 本书是为学龄前及小学低年级儿童及其家长量身打造的一套系统、生动、易懂的钢琴入门教材。我们深知，音乐启蒙的最佳时机在于对声音充满好奇和模仿欲望的童年时期。因此，《音乐启蒙》摒弃了传统教材的枯燥和刻板，力求在寓教于乐的氛围中，为小学习员奠定坚实的音乐基础。全书共分三册，内容循序渐进，涵盖了从认识键盘到初步演奏的完整学习路径。 第一册：键盘上的颜色与形状——初识钢琴世界 第一册的目标是消除孩子对钢琴的陌生感，将抽象的音符概念转化为具体的、可感知的视觉和触觉体验。 一、 认识我们的“音乐城堡”：钢琴结构导览 我们用拟人化的方式介绍钢琴的各个组成部分。黑键和白键不再是简单的按键，而是“高音小精灵”和“低音小巨人”的家。通过图画故事，孩子们可以了解到键盘的结构，认识中央C的位置——这是我们音乐旅程的起点。 二、 声音的发现之旅：音高与音名 本册重点讲解音的相对高低。我们不急于介绍复杂的五线谱，而是先通过“听觉游戏”来训练耳朵。例如，使用小动物的叫声（猫咪高，大象低）来比喻音高。随后，引入C、D、E、F、G五个基础音名的认识，并将其与键盘上的位置一一对应。教材中大量使用色彩编码，将特定音符与鲜明的颜色关联，帮助低龄学习者快速记忆。 三、 节奏的初体验：节拍与时值 节奏是音乐的骨骼。本册引入了最简单的“四分音符”和“二分音符”，用拍手、跺脚等身体律动来感受时值的长短。教材设计了“小鼓点练习”，让孩子通过敲击桌面或小鼓来模仿简单的节奏型，培养稳定的拍感。 四、 简易手指练习：手型与姿势的建立 正确的演奏姿势是良好习惯的开端。我们强调“圆形手型”，仿佛手中握着一个鸡蛋。前几课着重于用手指的指尖触键，并严格控制手腕的放松。书中配有大量镜面练习图，方便家长随时纠正孩子的身体姿态。 五、 趣味曲目赏析：单音旋律的简单演绎 第一册的曲目全部基于C大调上的五个音（C-G）。这些乐曲大多是耳熟能详的儿歌或自创的简单旋律，如《小星星》的简化版。要求学生仅用右手演奏，目的是让孩子迅速体验到“我能弹出音乐”的成就感。 第二册：五线谱上的探险家——识谱与双手协调 第二册将学习的重点从单纯的键盘认识转向正式的乐理学习和双手配合。 一、 走入乐谱的殿堂：高音谱号与低音谱号的连接 系统介绍五线谱的基本结构、加线与线间的概念。通过“音符回家”的故事，让孩子理解不同音符在谱表上的位置，并认识八分音符。我们使用“口诀记忆法”，例如“高音谱号的卷尾圈住的线是F，从下往上数，线间是ACEG”等，强化记忆。 二、 节奏的进阶：拍号与小节线 本册正式引入3/4拍和4/4拍，讲解小节线和反复记号的含义。通过“指挥家游戏”，让孩子学习如何准确地打拍子，并理解节拍的强弱规律。 三、 和声的萌芽：基础和弦的初步接触 在学习五线谱的同时，我们会引入C大调的I级和弦（C和弦）和V级和弦（G和弦）的构成。初步让学生用左手弹奏根音，右手弹奏单音旋律，实现简单的双手配合。这为后续学习伴奏打下基础。 四、 技巧的打磨：手指的独立性训练 针对手指的独立性，本册设计了大量的“五指练习曲”。这些练习曲是根据著名音乐教育家（如哈农的初级练习）的理念改编的，但曲式更加活泼，加入了跳跃、连奏（Legato）和断奏（Staccato）的初步概念，要求孩子在保持手型稳定的前提下，让每个手指都能均匀发力。 五、 拓展曲目：双手的简单对话 曲目难度提升至双手交替弹奏，或左手演奏简单的节奏型，右手演奏旋律。曲目选材上更偏向于一些古典小品或改编的民族乐曲片段，注重旋律的美感和节奏的稳定。 第三册：音乐语言的表达者——速度、力度与表现力 第三册的目标是帮助学生从“弹对”向“弹好”过渡，理解音乐标记的内涵，并开始注重音乐的个性化表达。 一、 音乐的“表情符号”：力度与速度标记 详细讲解从ppp到fff的力度变化（p, mp, mf, f），以及从Largo到Presto的速度术语。通过对比听力练习，让学生理解不同力度和速度对音乐情感表达的决定性作用。例如，示范“两个相同的音，一个强奏，一个弱奏”带来的情绪差异。 二、 装饰音与琶音的初探 为提升演奏的华丽感和流畅度，本册引入了基本的倚音（Grace Notes）和小型琶音的演奏方法。这要求学生对手腕和手指的协调性有更高的要求，开始学习快速、清晰地触键。 三、 调性知识的拓宽：大调与小调的初识 在熟悉C大调的基础上，本册引入G大调和F大调的指法概念，让孩子接触到升降号在谱面上的变化，以及大调和小调在听感上的主要区别。通过对比学习，理解音乐中的“明亮”与“忧郁”。 四、 视奏能力的培养 系统性地加入视奏练习片段，这些片段的难度低于正式练习曲，但要求学生在不间断的情况下，根据谱面即时演奏。这极大地锻炼了大脑对乐谱的即时处理能力。 五、 音乐会准备：完整曲目的演奏与分享 第三册的最后部分是引导学生学习一首结构相对完整的简单钢琴小品（如巴赫初级练习曲的简化版、或著名的儿歌改编曲）。重点在于如何处理乐曲中的强弱变化，如何流畅地完成换把位（或跨越）的动作，最终达到能够自信地在家人面前演奏一首完整乐曲的目标。 教学特色总结： 《音乐启蒙》强调“耳、眼、手、脑”的同步协调发展。我们坚持以钢琴演奏为核心，但深度融入了听觉训练和节奏感培养，确保孩子在掌握演奏技巧的同时，真正爱上音乐，理解音乐，而非仅仅成为一个会按键的机器。全书配有大量的图示、鼓励性的文字和趣味练习，确保学习过程充满乐趣与成就感。

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我必须推荐这本《诗歌鉴赏与创作入门：格律与意象的魔法》。如果你也曾被唐诗宋词的优美折服，却苦于无法理解其中蕴含的深层韵味，这本书绝对是你的救星。它没有陷入教条式的格律分析，而是着重于“情感的提炼”和“语言的锤炼”。作者对待诗歌的态度是敬畏而热情的，他将古代诗人看作是语言的炼金术士。 书中对“意象”的剖析尤其精彩。他详细解释了“月亮”在中国古典诗词中承载的思乡、永恒、孤独等复杂情感是如何一步步构建起来的，并辅以大量的例证进行对比赏析。这种深入挖掘词语背后文化符号的解读方式，让人对那些耳熟能详的诗句有了全新的理解。在创作部分，作者的建议非常实用，他鼓励初学者从模仿开始，但强调最终目标是要找到自己独特的“声线”，而不是成为任何人的复制品。读完后，我试着写了几句，虽然还很稚嫩，但至少我知道了如何去打磨一个词，如何去安排一句的节奏，这种收获是无法用金钱衡量的。

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我最近淘到的这本《西方美术史：从洞穴壁画到当代装置》实在是一本让人爱不释手的“视觉盛宴”。与其他枯燥的历史书籍不同，它的重点完全放在“看画”和“理解画”上。作者的视角非常独特，他没有采用传统的年代线性叙事，而是用“光影的魔术”、“色彩的革命”、“人物的变形”等主题切入，每章都像是一次主题展览的导览。阅读过程中，我感觉自己不是在看书，而是在不同历史时期的画廊里穿梭。 尤其对文艺复兴时期达芬奇和米开朗基罗作品的分析，简直是细致入微到了令人发指的地步。书中不仅展示了高清的画作细节图，还引用了大量当时的笔记和信件，让我们得以一窥这些巨匠创作时的心境和技术细节。比如，关于“晕染法”的讲解，作者用非常形象的语言描述了颜料在画布上的叠加效果，使得原本抽象的技法变得具体可感。这本书极大地提升了我欣赏艺术作品的能力，让我明白好的艺术品绝不仅仅是好看而已，背后蕴含的是深厚的哲学思考和高超的工艺技术。

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说实话，刚翻开《现代摄影技术与美学原理》这本书时，我还担心会是一本充斥着各种复杂公式和晦涩术语的“理工男”读物。然而，事实证明我的担忧完全是多余的。这本书的作者显然是一位深谙摄影艺术的实践者，他把技术理论和艺术表达完美地融合在了一起。他没有直接扔给你光圈、快门速度的定义，而是先展示了一组对比强烈的照片——一组是光圈全开的虚化人像，一组是光圈收缩的清晰风光——然后引导你去思考“为什么会有这种效果？” 这种“问题导向”的学习方式极其有效。书中对焦点的控制、景深的运用、不同焦段镜头对空间感的重塑，都有非常直观的图示说明。更妙的是，它还穿插了许多著名摄影大师（比如布列松、安塞尔·亚当斯）的作品案例，用大师的作品来印证理论的有效性。我通过这本书学到的不仅仅是曝光的参数调整，更重要的是如何用镜头去“裁剪”现实，如何通过构图来引导观众的视线，这对我拿起相机时的思考方式产生了根本性的转变。

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一本关于地域文化的考察报告，题为《江南水乡的物质文化与社会变迁》，却读出了一种近乎散文的温柔与细腻。这本书的作者显然是一位扎根于这片土地的学者，他避开了宏大的历史叙事，而是通过对一砖一瓦、一船一桨的深入描写，勾勒出了一个时代的侧影。他花了大量的篇幅去描述传统民居的“天井”结构，分析了天井如何影响了家庭的社交模式和光影的流转。 最令我印象深刻的是他对“船文化”的探讨。他记录了不同河流上船只的形制差异，以及船上的生活习惯如何影响了当地人的性格——比如，常年与水为伴的人似乎更加懂得变通和包容。书中充满了田野调查的鲜活细节，比如某个村落特有的榫卯结构、某种即将失传的竹编工艺，都得到了细致的图解和文字记录。这本书不仅仅是在记录一种即将消逝的生活方式，更是在提醒我们，真正的文化深度往往藏在那些最日常、最不起眼的生活细节之中。它提供了一种慢下来的视角，让人重新审视我们与环境的关系。

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这本《古典音乐入门指南：从巴赫到德彪西》绝对是为音乐初学者量身打造的宝典。作者的叙事方式极其亲切自然，仿佛邻家学识渊博的大哥哥在跟你娓娓道来，而不是高高在上的理论说教。书中对巴洛克时期复杂的对位法，居然能用烤面包和搭积木的比喻来解释，简直是天才般的洞察力。我以前觉得古典音乐晦涩难懂，光是看到“赋格”这个词就头皮发麻，但读了这本书，尤其是关于巴赫《平均律钢琴曲集》的章节，我竟然能大致捕捉到旋律线是如何交织缠绕的，那种豁然开朗的感觉太美妙了。 它并没有仅仅停留在介绍作曲家生平的层面，而是深入剖析了不同历史阶段音乐语言的演变。比如，它详细对比了海顿和莫扎特在交响曲结构上的微妙差异，从主题的展开到配器的选择，都有详尽的图表和清晰的文字解析。更让我惊喜的是，作者竟然花了大篇幅去讲解十九世纪浪漫主义音乐中的“标题音乐”现象，并配上了大量文学作品的引用，让我明白为什么李斯特的钢琴曲听起来会像一幅流动的油画。这本书的排版也十分用心，关键术语都有加粗并附有简洁的解释，阅读体验非常流畅，完全不会让人在知识的海洋里迷失方向。

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