张艺谋电影论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国电影出版社

作者:陈墨

出品人:

页数:286

译者:

出版时间:1998-07-01

价格:14.40元

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isbn号码:9787106010362

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书籍名称：《全球电影史：从默片时代到流媒体浪潮》 内容简介 一、绪论：电影的诞生与早期探索 (1895-1927) 本书以宏大的视野，追溯电影艺术自其诞生之日起，穿越百余年风云变幻的完整历程。我们将从卢米埃尔兄弟的首次公开放映开始，深入剖析电影作为一种新兴媒介的早期形态与技术突破。 1.1 技术的萌芽与工业的雏形： 详细考察活动电影机的发明背景、初期技术的局限与进步，如早期胶片对光线的敏感度、放映设备的演变。着重分析爱迪生发明活动电影放映机（Kinetoscope）的商业模式对初期电影产业的奠基作用。 1.2 叙事语言的建立与成熟： 探讨乔治·梅里爱如何将电影从单纯的“记录”提升为“魔术”与“幻想”的载体，分析其对蒙太奇（Montage）概念的无意中启发。随后，聚焦于大卫·格里菲斯，阐释他如何通过《一个国家的诞生》和《残酷的世纪》等巨制，系统性地确立了现代电影的叙事语法——包括特写镜头（Close-up）、平行剪辑和场面调度（Mise-en-scène）的规范化应用，使电影成为一种成熟的艺术语言。 1.3 默片时代的黄金年代： 细致梳理德国表现主义电影（如《卡里加里博士的小屋》）如何利用极端布景和光影对比来表达心理状态，以及其对后世恐怖片和黑色电影的深远影响。同时，分析苏俄蒙太奇学派（爱森斯坦、普多夫金）在理论层面将剪辑提升至哲学和政治高度的贡献，特别是爱森斯坦的“碰撞蒙太奇”理论。最后，回顾查理·卓别林和巴斯特·基顿等喜剧大师如何仅凭肢体语言和面部表情，创造出超越时代和语言障碍的普世情感共鸣。 二、有声电影的革命与好莱坞的黄金时代 (1927-1950) 有声电影的出现是电影史上最剧烈的技术冲击之一。本章将探讨声音的引入如何重塑了电影的制作流程、表演方式和叙事结构。 2.1 声音的挑战与融合： 分析华纳兄弟的《爵士乐之王》如何宣告有声时代的到来，以及初期技术限制（如固定机位、麦克风的隐藏难度）如何迫使电影制作人寻找新的美学平衡点。探讨鲁本·马穆利安等导演如何巧妙地运用声音的缺席与突现，而非仅仅是对话的堆砌，来增强戏剧张力。 2.2 制片厂制度的巅峰： 深入剖析二十世纪三四十年代美国好莱坞的“制片厂体系”（Studio System）的运作机制——从人才培养、合同制度到类型片（Genre）的流水线生产。详细分析米高梅、派拉蒙等八大制片厂的艺术风格差异。重点剖析黑色电影（Film Noir）的兴起，研究其如何通过阴影、都市景观和复杂的女性角色（蛇蝎美人）来反映战后美国社会的焦虑与道德模糊性。 2.3 欧洲的艺术回响： 考察二战前夕和战后欧洲电影的独立发展。研究法国的诗意现实主义（如让·雷诺阿的《游戏的规则》）对环境、阶级和命运的深刻反思。分析意大利新现实主义（如罗西里尼、德·西卡的《偷自行车的人》）如何将镜头推向废墟和普通民众，以未经粉饰的纪实手法，对抗好莱坞的虚假光鲜。 三、新浪潮的冲击与全球电影的多元化 (1950-1970) 冷战背景下，旧有的电影范式遭到质疑，青年一代的电影人开始以更个人化、更具实验性的方式表达对社会和电影本体的反思。 3.1 法国新浪潮的颠覆： 详细梳理以安德烈·巴赞的“现实主义美学”为理论基础，以及《电影手册》杂志如何孵化出特吕弗、戈达尔、夏布洛尔等“作者论”（Auteur Theory）的坚定拥护者。分析他们如何通过即兴表演、跳切（Jump Cut）、打破“第四面墙”等手法，强调导演的主观视角和个人风格。 3.2 国际电影的先锋探索： 考察瑞典英格玛·伯格曼如何将存在主义哲学、宗教困境和人际关系的深刻隔阂，融入到极简主义的视觉风格中，探索人类精神的幽暗角落。同时，分析日本电影在黑泽明、小津安二郎等大师手中达到的古典与现代的完美结合，特别是小津对于家庭结构变迁的内敛观察。 3.3 新好莱坞的萌芽： 探讨欧洲先锋运动对美国电影的渗透，以及二战后成长起来的一代导演（如科波拉、斯皮尔伯格、斯科塞斯）如何利用制片厂的松动，开始创作更具反思性和复杂道德困境的影片，标志着新好莱坞时代的序幕拉开。 四、类型片的新生与商业大片的崛起 (1970-2000) 随着分级制度的完善和全球市场的扩大，电影制作进入了高概念、高风险、高回报的新阶段。 4.1 新好莱坞的成熟与反思： 深度分析“美国三部曲”（《教父》《唐人街》《飞越疯人院》）如何将类型片的商业外壳包裹着对美国梦的深刻质疑，以及它们在叙事复杂性和技术运用上的突破。 4.2 视觉特效的飞跃与商业浪潮： 研究乔治·卢卡斯和史蒂文·斯皮尔伯格如何通过《星球大战》和《大白鲨》开创了现代暑期档大片模式，并推动了工业光魔（ILM）等视觉特效公司的发展。分析数字技术（如CGI）对电影制作的范式转移，以及动作片、科幻片如何成为全球发行的主要驱动力。 4.3 全球化视野下的电影版图扩张： 考察香港电影在八十年代末至九十年代的辉煌，尤其是武侠片和警匪片如何凭借其独特的动作编排和快速剪辑，影响了全球动作片的美学。同时，关注非西方电影（如伊朗、韩国的早期发展）在国际电影节上的影响力逐渐增强的现象。 五、数字时代与流媒体的重塑 (2000至今) 进入二十一世纪，电影制作与发行的双重革新，使得电影的定义和观众的观看习惯都面临前所未有的挑战。 5.1 技术的民主化与视觉奇观的常态化： 探讨高清数字摄影、非线性剪辑软件普及对独立电影制作的促进作用。分析漫威宇宙（MCU）等系列化、跨媒体叙事（Transmedia Storytelling）的成功模式，以及其对叙事连贯性和角色共享空间的构建需求。 5.2 平台的战争与电影的未来形态： 详细剖析流媒体服务（如Netflix, Amazon Prime）的崛起，如何改变了电影的“窗口期”制度、发行策略以及观众的消费习惯。探讨院线体验与家庭观影的冲突与融合，以及艺术电影如何在新兴平台上寻找新的生存空间。 5.3 全球叙事的交汇与融合： 关注如阿方索·卡隆、奉俊昊等导演如何在全球资本和本土文化之间找到平衡点，创作出既具有国际吸引力，又根植于特定社会议题的力作，标志着全球电影工业的权力中心正在加速分散化。 结论：电影作为记忆与媒介的永恒价值 本书最终将总结电影艺术在不断的技术迭代和市场变革中，如何始终保持其作为人类集体记忆载体和视觉情感表达工具的核心价值，并展望未来电影媒介可能出现的新形态。 本书特色： 结构严谨： 按照清晰的年代划分和主题脉络，梳理复杂的历史发展。 跨文化视野： 不局限于好莱坞和西方电影，重点介绍德、法、意、苏、日、中、韩等多个电影中心的贡献。 理论与实践结合： 深入解析关键导演的创作方法论，并结合当时的社会文化背景进行解读。 专业术语注释详尽： 确保非专业读者也能理解蒙太奇、场面调度、作者论等核心电影学概念。

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我得承认，最初我对这种“论述”性质的书籍抱有一定程度的保留，总觉得会陷入学院派的自我循环。然而，这本书以一种近乎散文诗般的流畅度，彻底颠覆了我的预期。它读起来的节奏感极其美妙，仿佛跟随作者的思路在一条精心设计的长廊中行走，每走一步，视野都会被新的光线和角度所吸引。作者对于“意境”的捕捉，达到了令人发指的程度。他不仅仅是在描述画面，更像是在描摹一种氛围，一种只能被特定文化背景下的人才能深刻体会的微妙情绪波动。例如，书中关于“留白”在镜头语言中的运用分析，没有使用任何晦涩的定义，而是通过一系列具体的场景对比，将那种“此时无声胜有声”的东方哲学意蕴，阐释得淋漓尽致。这种化繁为简，直击本质的能力，体现了作者深厚的文学修养和对影像语言的独到见解。它不像教科书，更像是一位充满热情的导师，在你耳边低语，引导你发现那些隐藏在表面之下的情感暗流。读完后，我感到的是一种由内而外的充实感，仿佛又重新学习了如何“观看”这个世界。

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这本书的阅读体验，怎么说呢，像是在进行一场漫长而又引人入胜的辩论。它不提供标准答案，而是不断抛出新的疑问，逼着你跳出固有的框架去重新审视那些耳熟能详的片段。作者的行文风格，尤其是在某些关于叙事结构解构的部分，简直是锋芒毕露，带着一股子批判学派的锐气。他对于叙事节奏的把控，常常出人意料，比如分析某部史诗片时，他竟能从一个极其微小的道具的运用，推导出导演对时间感的独特处理，这种对细节的敏感度，令人叹服。更令人称奇的是，作者似乎拥有一种神奇的能力，能够将理论的冰冷与情感的炽热完美融合。当你以为他要陷入枯燥的术语堆砌时，他会突然插入一段极富画面感的文字描述，瞬间将你拽回情感的核心地带。这本书绝非那种只适合在咖啡馆里翻阅的轻读物，它需要你备好笔记，时不时地停下来，回味那些精妙的论断。对于任何一个真正热爱电影艺术，渴望从“看热闹”跨越到“看门道”的影迷来说，这本书无疑是一份沉甸甸的馈赠，它激发了我重新去挖掘那些被时间稍微遗忘的佳作的热情。

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这部电影评论集，坦白说，初次翻开时，我带着一种审视的态度。它不像那些充斥着空泛赞美或故作高深的学术著作，反而像一位老朋友，带着一股子直率劲儿，一下子把我拉进了光影的世界。作者的笔触极其细腻，尤其是在探讨那些标志性的“第五代”美学符号时，那种对色彩的偏执解读，简直让人仿佛能闻到黄土高原上风干的泥土味，以及宫廷布景中那股厚重的油彩气息。他没有满足于仅仅罗列镜头语言，而是深入挖掘了视觉冲击背后所承载的文化重量与时代情绪。比如，他对某部作品中大开大合的构图如何映照着个体在宏大叙事下的挣扎与渺小，那段分析简直是醍醐灌顶。我尤其欣赏作者在处理争议性作品时的那种冷静与克制，不急于站队，而是将复杂的历史语境和创作初衷并置，让读者自己去思辨。读完后，我感觉自己像是重新看了一遍那些经典影片，但这次，我的“眼睛”被擦亮了，看到的不再仅仅是表面的华丽，而是深藏在每一帧画面底下的那份沉甸甸的民族记忆与艺术野心。这本书的价值在于，它成功地架起了一座桥梁，连接了纯粹的感性体验与理性的分析框架，让非专业人士也能领略到电影艺术的深邃与复杂性。

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这本书真正打动我的地方，在于它所展现出的那种对艺术创作的终极关怀。它并非一部简单的影评集，更像是一部关于“如何成为一个有担当的艺术家”的非正式思考录。作者在探讨创作手法时，总是能够敏锐地捕捉到镜头背后那份创作者必须承担的文化责任与伦理困境。他没有回避那些尖锐的艺术选择背后的妥协与坚持，而是将其置于聚光灯下进行细致的剖析。我尤其喜欢那些穿插在专业分析中的个人反思性段落，它们像是一面面镜子，映照出读者自身的审美趣味和价值判断。作者对光影的运用描述，已经达到了近乎诗歌的境界，他能让你清晰地“看见”那个场景在空气中凝固的状态，感受到光线是如何被导演用来塑造人物的内心世界的。这本书的阅读过程，与其说是学习，不如说是一种精神上的共鸣与洗礼。它让我更加坚信，伟大的艺术作品，永远是技术、情感与时代精神三者激烈碰撞的产物，而这本书，正是解读这场碰撞的绝佳钥匙。

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这本书的结构安排，简直是匠心独运。它没有采用那种简单的时间线叙事，而是将不同的电影作品像宝石一样，根据其主题的共鸣或技法上的相似性进行巧妙的串联。这种非线性的组织方式，极大地增强了阅读的趣味性和思想的延展性。我特别欣赏作者在分析某个特定技术突破时，如何将其置于一个更宏大的社会变革背景下去解读。这使得书中的讨论，超越了纯粹的电影史范畴，触及到了时代变迁对艺术表达的重塑这一深刻命题。作者的语言风格，在不同章节间展现出惊人的弹性，有的段落如同严谨的辩证分析，逻辑链条紧密得无懈可击；而有的段落，则充满了对某些场景瞬间爆发力的感叹，文字极富张力。这种多变的语调，使得整本书读起来丝毫没有单调感，反而像是一场精心编排的交响乐，高低起伏，疏密有致。它迫使读者不断地在宏观的时代脉络和微观的镜头细节之间进行切换和权衡，极大地锻炼了读者的分析综合能力。

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那时，我们还在一起。

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