基础图案

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出版者:湖南美术出版社
作者:梁昭华
出品人:
页数:120
译者:
出版时间:2005-9
价格:45.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787535623485
丛书系列:
图书标签:
  • 基础图案
  • 图案设计
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具体描述

二十一世纪中国高等院校美术与设计教育教材。本书共分七章,主要内容包括概述、中国装饰图案的发展历程、图案设计造型方法、图案形式美的基本法则、图案设计表现技法、图案设计构成形式、典型设计案例分析。

《世界建筑史纲:从古至今的结构与美学》 一部宏大而精微的建筑之旅,追溯人类文明的物质载体 【图书核心内容概述】 本书并非传统意义上的枯燥编年史,而是一场跨越数千年、深入五大洲的建筑哲学与技术演进的深度探索。我们聚焦于建筑如何作为人类社会、宗教、权力、生活方式最直接的物质投射,探究那些矗立至今的宏伟结构背后的思维逻辑与工程智慧。 第一部分:文明的萌芽与初现(史前至古典时期) 本部分首先考察史前巨石阵群落的神秘秩序感,分析早期聚落如何适应环境并发展出初步的集体建造模式。随后,我们将目光投向美索不达米亚的空中花园与苏美尔的阶梯金字形神塔(Ziggurat),探讨泥砖作为主要材料如何塑造了早期王权的形象。 重点章节将详细剖析古埃及金字塔群(吉萨高原)的几何精度与宗教内涵,不仅仅是尺寸的罗列,更深入探讨了其内部空间序列对来世观的体现。继而,本书引领读者进入古希腊的黄金时代,分析多立克、爱奥尼克、科林斯三大柱式的演变与功能差异,阐释帕特农神庙如何通过“视错觉修正”体现其对完美比例的极致追求。最后,本部分以罗马帝国为终章,重点解析罗马人对混凝土(Opus Caementicium)的革命性应用,以及万神殿(Pantheon)穹顶的结构奇迹如何体现帝国对空间和永恒的掌控欲。 第二部分:信仰的塑造与技术的沉寂(中世纪) 中世纪的建筑被深刻地定义于两大信仰体系之下:基督教的崛起与伊斯兰教的扩张。 在欧洲,本书详细梳理了罗马式(Romanesque)建筑的厚重与防御性特征,特别是其在修道院系统中的普及。随后,笔锋转向哥特式建筑的“光之革命”。我们将解构飞扶壁(Flying Buttress)、肋拱(Rib Vault)和尖拱(Pointed Arch)这三大技术支柱,如何协同作用,将建筑的实体墙体转化为支撑光线和彩色玻璃的骨架,实现对垂直高度和神圣光感的追求,例如沙特尔大教堂和科隆大教堂的结构逻辑。 与此同时,本书将目光投向东方,深入探究拜占庭建筑的巅峰——圣索菲亚大教堂(Hagia Sophia)。重点分析其巨大的中央穹顶如何巧妙地通过半穹顶和拱廊结构过渡到方形基座上,实现“天堂之光”的视觉效果。在伊斯兰世界,我们将解析几何藩篱(Tessellation)、穆卡纳斯(Muqarnas,钟乳石拱)的复杂美学,以及清真寺对“内向性空间”的强调,例如西班牙阿尔罕布拉宫的精巧庭院设计。 第三部分:文艺复兴的理性回归与巴洛克的戏剧性(15世纪至18世纪) 文艺复兴标志着建筑学对古典原则的回归与再创造。本书详细分析了布鲁内莱斯基对透视法的重新发现如何影响了建筑平面和立面的设计,以及阿尔贝蒂如何系统化地将人文主义思想融入建筑理论。我们考察了圣彼得大教堂的漫长建造过程,展示了文艺复兴盛期建筑师们在理想与现实中的拉锯。 随后,我们将进入巴洛克时期,探讨其如何通过动态的曲面、强烈的明暗对比和夸张的装饰,服务于宗教反改革和绝对君主制的权力表达。意大利的贝尔尼尼(Bernini)和博罗米尼(Borromini)的作品成为研究对象,分析他们如何通过雕塑感极强的立面和流动的内部空间来调动观者的情感。在法国,凡尔赛宫的宏大轴线布局则展示了宫廷建筑对秩序与控制的终极表达。 第四部分:工业革命与现代主义的诞生(19世纪至20世纪初) 工业革命带来的新材料——钢铁、玻璃和钢筋混凝土——彻底颠覆了传统的承重逻辑。本部分分析了新古典主义的复兴如何试图在古典形式中融入新材料,以及早期的结构创新,如水晶宫和埃菲尔铁塔,如何首次将“纯粹结构”本身作为美学表达。 现代主义的兴起是本书的另一个高潮。我们将深入剖析勒·柯布西耶的“新建筑五点”如何系统性地解放建筑,从对历史符号的束缚中解脱。我们探究包豪斯(Bauhaus)的功能至上原则,密斯·凡德罗“少即是多”的哲学,以及弗兰克·劳埃德·赖特有机建筑理论如何寻求建筑与场地的和谐共生。本书不回避对这些大师理论的批判性审视,分析了现代主义在不同文化背景下遭遇的挑战与适应。 第五部分:后现代的多元探索与当代语境(20世纪中后期至今) 随着现代主义的僵化,后现代主义的出现带来了对历史的戏仿、对装饰的回归以及对地方文脉的重新关注。本书将分析罗伯特·文丘里(Robert Venturi)对“装饰的复杂与矛盾”的倡导。 最后,本部分聚焦于当代建筑的复杂性与全球化趋势。我们将探讨高技派(High-Tech)结构外露的趋势,解构主义对不稳定和破碎形态的追求,以及可持续性设计和参数化设计(Parametricism)如何重塑我们对“形式产生于功能”的理解。从扎哈·哈迪德的流线型结构到伦佐·皮亚诺的轻盈通透,本书旨在提供一个框架,帮助读者理解当前建筑景观的多样性和未来发展的可能性。 本书特色: 结构驱动叙事: 强调技术突破(如混凝土、钢架)如何直接推动美学和空间表达的变革。 全球视野: 平衡欧美的建筑发展,重点纳入了中国、印度、南美洲等地区的独特建筑现象。 图文并茂的深度解析: 包含大量精确的手绘剖面图、平面图与三维示意图,辅助读者理解复杂的结构逻辑和空间流线。 适合读者: 建筑学专业学生、城市规划师、艺术史爱好者,以及任何对人类文明如何通过物质形式进行自我表达感兴趣的读者。阅读本书,即是完成一次对人类集体想象力的时空漫游。

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读后感

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用户评价

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这本书的装帧设计本身就是一种极佳的示范!触感极佳的纸张,配合恰到好处的油墨密度,使得书中的案例图清晰而富有质感。对于任何一个视觉传达工作者来说,阅读体验和内容本身同等重要,而这本书在这方面做得非常出色。我注意到作者在排版上极具匠心,内容区域与空白区域之间的比例拿捏得非常精准,完美地诠释了其所阐述的许多原则。这种“言传身教”的方式,比单纯的文字描述要有力得多。它不仅仅是一本关于如何“看”的书,它本身就是一个成功的视觉作品。我甚至将它放在我的工作台上,时不时地翻阅一下,它对我工作环境的审美提升都有潜移默化的影响。它教会我,每一个细节,从字体选择到边距设置,都承载着重要的信息和情感。

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我是一个动手能力强,但理论基础薄弱的设计新人,很多时候我做的东西看起来“还行”,但就是说不出个所以然来。这本书的出现,简直是及时雨。它将复杂的视觉原理拆解成了非常易于理解的小模块,每一个章节都像是一个微型的工具箱。我最喜欢它在“节奏与韵律”部分的处理,作者用音乐术语来类比视觉元素在画面中的组织方式,这一下子就让我抓住了关键。我不再是盲目地堆砌元素,而是开始思考:这里的留白是否像一个休止符?那条线段是否像一段上扬的旋律?通过这本书的学习,我感觉自己终于有了一套属于自己的“设计词汇表”,能够清晰地向别人阐述我的创作意图,这在以往是难以想象的。它给予的不是标准答案,而是思考问题的框架,这种赋予学习者的主体性,非常宝贵。

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这本书简直是艺术创作的宝藏!我一直对色彩搭配和构图有浓厚的兴趣,但总觉得自己的作品缺乏一些视觉上的冲击力。直到我发现了这本书,它就像一位经验丰富的导师,用极其直观的方式为我揭示了如何将简单的线条和色块转化为引人入胜的视觉语言。作者对空间感的把握简直出神入化,随便翻开一页,就能看到各种巧妙的处理手法,比如如何利用负空间来强调主体,如何通过不同肌理的并置来增加层次感。我尤其欣赏它那种鼓励尝试和打破常规的理念,而不是拘泥于刻板的规则。我试着用书中的一些小技巧来修改我正在进行的一个项目,效果立竿见影,朋友们都夸我这次的作品更有“故事感”了。对于任何想要提升自己设计美学,或者仅仅是想让自己的生活空间看起来更舒服的人来说,这本书提供的洞察力是无价的。它不仅仅是教你“怎么做”,更重要的是让你理解“为什么这么做会更有效”。

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说实话,我本来对这类理论性很强的书籍持保留态度,总担心内容会过于抽象晦涩,读起来昏昏欲睡。然而,这本书完全打破了我的刻板印象。它的叙事方式极其流畅且富有逻辑性,仿佛作者正在与你面对面进行一场深入的哲学探讨,但讨论的核心却是如何将那些形而上的美学概念落地到实际的创作中。它没有过多地纠缠于晦涩的艺术史术语,而是将重点放在了观察世界本身,教你如何用设计师的眼睛去看待日常生活中的一切——从一片树叶的脉络到城市建筑的几何形态。我发现自己走路时都会不自觉地留意光影的变化和物体的边缘处理。这本书的价值在于它拓宽了我的思维边界,让我明白“好的设计”绝不是凭空产生的灵感,而是建立在一套深刻理解人与环境互动的基础之上的。对于那些渴望从“匠人”蜕变为“思想者”的创作者来说,这本书是绝佳的催化剂。

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我尝试过市面上很多关于“美学基础”的书籍,它们大多要么过于学院派,充斥着枯燥的术语,要么就是过于肤浅,只是简单罗列一些漂亮的图片。这本书奇妙地找到了一个完美的平衡点。它用一种近乎诗意却又无比精确的语言,探讨了形式背后的情感力量。我个人对“平衡的张力”那一章印象最深,作者没有简单地教你对称或不对称,而是深入分析了为什么某些看似失衡的布局反而能带给人更强烈的动态美感。这让我开始重新审视我过去作品中那些“安全”的选择,并勇于在最新的项目中引入一些“不完美”的元素来追求更高的艺术价值。这本书的深度让人值得反复品读,每一次重读都会有新的领悟,它就像一个多棱镜,从不同的角度折射出光芒,每一次观察都能发现新的色彩和结构。

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