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出版者:人民教育出版社

作者:中国美术馆

出品人:

页数:160 页

译者:

出版时间:2005年11月

价格:320.00元

装帧:精装

isbn号码:9787107191510

丛书系列:

图书标签:

• 吴昌硕
• 篆刻
• 书法
• 绘画
• 中国美术
• 艺术史
• 清末民初
• 海派艺术
• 金石艺术
• 书画大家

《海上艺谭》 这是一部深入探讨二十世纪初上海艺术风貌的书籍，它并非聚焦于某一位名家，而是以宏观的视角，勾勒出那个时代艺术界错综复杂的生态。本书从多个维度解析了“海派”艺术的形成、发展与影响，以及它在中国近现代美术史中扮演的独特角色。 第一部分：时代脉络与艺术土壤 本书的开篇，首先将读者带回那个风云激荡的时代。二十世纪初的上海，作为中国对外开放的重要口岸，经济的繁荣与文化的交融催生了前所未有的艺术活力。这里汇聚了来自全国各地的艺术家，也吸收了西方艺术的新思潮。本书细致描绘了当时上海的社会背景，如租界文化、商业资本的介入、传统文人画与新兴学院派的碰撞，以及新兴媒如报刊、画报对艺术传播的推动作用。这些因素共同构成了孕育“海派”艺术的独特土壤。 第二部分：多元流派的交织与碰撞 “海派”艺术并非单一的风格，而是各种艺术思潮与实践的集合体。本书深入剖析了当时上海艺术界存在的不同流派，例如： 折衷主义画派： 强调融汇中西，在传统笔墨技法上借鉴西方透视、色彩等观念，形成一种既有民族特色又不失时代感的艺术风格。本书将通过对一些代表性画作的分析，展现其特点和创新之处。 写实主义的探索： 伴随西方科学技术和绘画技法的传入，一批艺术家开始致力于更忠实于现实的描绘。本书将探讨他们如何学习和运用西方写实技巧，以及这些作品在当时社会引发的反响。 文人画的转型与延续： 尽管面临新的挑战，“海派”中依然有艺术家在继承和发展传统文人画的基础上，注入新的时代精神和个性表达。本书将关注这些艺术家如何在传统与创新之间找到平衡。 新兴艺术形式的萌芽： 除了传统的绘画，当时上海的艺术领域还涌现出一些新兴的艺术形式，如月份牌广告画、漫画等，它们在商业化浪潮中迅速发展，并对大众审美产生了深远影响。本书将对这些边缘但重要的艺术现象进行梳理。 第三部分：艺术家的群像与互动 本书并非孤立地介绍艺术作品，而是着力描绘一群活跃在上海艺术舞台上的艺术家。虽然不点名具体人物，但会通过对不同艺术群体的研究，展现他们的创作理念、艺术活动以及相互间的交流与竞争。例如，那些在画廊、画会中活跃的画家，那些在报刊上发表评论的批评家，以及那些热心资助艺术的收藏家和商人。本书将揭示他们之间复杂的互动关系，以及这种互动如何塑造了“海派”艺术的面貌。 第四部分：艺术的商业化与大众化 二十世纪初的上海，艺术的商业化是一个不容忽视的现象。本书将探讨艺术品市场是如何在上海形成的，包括画廊、拍卖行、艺术品经纪人的角色。同时，也将分析艺术如何从精英阶层的专属品，逐渐走向大众。印刷技术的进步使得艺术品复制和传播更加便捷，月份牌、年画等艺术形式的流行，标志着艺术与民众生活的距离在拉近。本书将深入分析艺术商业化和大众化对艺术创作、艺术观念以及艺术家生存状态带来的影响。 第五部分：上海艺术在历史长河中的意义 最后，本书将升华到对“海派”艺术在整个中国近现代美术史中的意义进行评价。它不仅是特定历史时期的产物，更是中国艺术走向现代化的重要环节。它打破了地域限制，融合了东西方文化，拓展了艺术的表现形式，为后来的艺术发展奠定了基础。本书将总结“海派”艺术的贡献与局限，并探讨其在中国美术史上的地位和影响。 《海上艺谭》力求为读者呈现一幅全面、深入、生动的二十世纪初上海艺术全景图，理解那个时代艺术的脉动，感受艺术家们在时代洪流中的挣扎与创造。

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这本书的叙事结构着实令人耳目一新，它没有采用那种流水账式的生平记录，而是巧妙地以几个关键的创作转折点作为章节锚点，将人物的一生串联起来。这种叙事策略的妙处在于，它能让读者更深刻地理解艺术家的“心路历程”，而不是简单的“做了什么”。比如，作者如何将某一阶段的个人际遇，与他画风的剧烈转变联系起来，分析得鞭辟入里，读来酣畅淋漓。尤其是在探讨其晚年创作主题的转变时，文本的逻辑推导极具说服力，仿佛作者本人就在你耳边细细剖析创作背后的哲学思辨。我发现自己常常读完一个章节，会放下书本，陷入沉思，回味那段文字所揭示的艺术哲学，这已经超越了一般传记的阅读体验，更像是在进行一场深度的学术对话。这种层层递进、步步为营的写作手法，无疑大大提升了全书的阅读价值和学术深度。

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这本书的装帧设计实在太精美了，光是捧在手里摩挲那封面，就觉得是一件艺术品。纸张的质感细腻得不可思议，油墨的印刷更是讲究，每一笔线条的过渡都清晰可见，仿佛能触摸到作者创作时的笔触力度。我尤其欣赏其中对图版排版的用心，留白的处理恰到好处，既不会让画面显得拥挤，又能突出主体，让人在阅读时感到一种宁静和专注。作为一名对传统艺术抱有敬意的读者，我深知一本好的画册或传记，不仅仅是内容的堆砌，更是对艺术家精神世界的致敬。这本书在视觉上传达出的那种沉稳、厚重的历史感，以及现代印刷技术所能达到的细腻度，完美地结合在了一起。即便是那些黑白照片和早期作品的复制件，也经过了精心校色，力求还原其历史原貌，这种对细节的执着，让每一次翻阅都成为一种享受。它不仅仅是一本供人阅读的书籍，更像是一件值得收藏的珍品，放在书架上，本身就是一种品味的象征，让人忍不住想要向朋友们炫耀一下这份发现。

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这本书最打动我的地方，在于它成功地捕捉到了一种时代精神和个人命运交织的宏大叙事感。它不仅仅是关于一个艺术家的故事，更是关于那个特定历史时期文化风貌的侧影。通过对人物周遭环境、合作者、甚至竞争者的细致描绘，读者仿佛被带入了一个鲜活的历史场景之中。我感受到了那个时代艺术圈的勃勃生机与激烈的思想碰撞，也体会到个体在时代洪流面前的挣扎与坚守。这种宏观视野与微观叙事的完美融合，让这本书的格局一下子打开了，它不再局限于个体传记的范畴，而是上升到了对一个文化时代的深度解读。读完之后，合上书本，心中久久不能平息的，是对那个逝去时代的向往，以及对文化传承力量的敬畏。

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老实说，我原本以为这类题材的书籍，内容会偏向于学术论文的枯燥说教，充满了晦涩难懂的术语。然而，这本书的语言风格却出乎意料地亲切和富有感染力。作者似乎非常懂得如何与普通读者沟通，他擅长使用生动的比喻和生活化的场景来解释那些深奥的艺术理论和技法要点。比如，他描述某种笔触的力度时，会引用一个日常生活中大家都能理解的动作来做类比，瞬间就将抽象的感受具象化了。这种“化繁为简”的能力，极大地降低了阅读门槛，让像我这样并非科班出身的爱好者，也能毫无压力地吸收其中的精髓。行文间流淌着一种对艺术人物由衷的热爱与尊重，使得那些严肃的分析也变得有温度、有情感，读起来让人感到轻松愉快，完全没有阅读压力，是一本可以随时翻开，随时沉浸其中的佳作。

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我必须特别指出这本书在资料搜集和考据方面所下的苦功，那简直是令人乍舌。从那些附录中引用的各种私人信件、日记片段，到那些罕见的早期展览目录的记录，都显示出作者团队进行了地毯式的挖掘工作。这种近乎“考古”的精神，为全书提供了无可辩驳的真实性支撑。我尤其欣赏其中对一些历史公案的重新审视，作者没有简单地采信既有定论，而是引入了新的史料进行交叉比对，提出了令人信服的旁证，让人对过去某些既定印象产生了新的认识。这种严谨的态度，使得全书不仅具有可读性，更具备了极高的参考价值。对于任何想深入研究该领域的人来说，这本书无疑提供了一个坚实可靠的信息基石，很多过去困扰我的细节问题，都在这里得到了令人满意的解答。

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