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出版者:四川美术出版社

作者:刘葵,陈源

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2011-1

价格:10.00元

装帧:

isbn号码:9787541026874

丛书系列:

图书标签:

• 初学美术
• 美术入门
• 绘画基础
• 儿童美术
• 素描
• 色彩
• 线条
• 造型
• 艺术启蒙
• 绘画技巧
• 初学者

《艺海拾遗：从线条到色彩的奇妙旅程》 这并非一本教授您如何在画布上挥洒自如的速成指南，也不是枯燥的艺术史年表。相反，《艺海拾遗》是一次邀请，邀请您放下浮躁，用全新的视角去感知周遭的世界，去唤醒沉睡的艺术细胞。我们将一同踏上一段充满惊喜的探索之旅，从最基本的“线”出发，理解它的力量与韵律，如何勾勒出万物的基础形态；再到“形”，如何在二维平面上赋予三维空间的错觉，让二维的线条跃然纸上；继而深入“光影”的奥秘，感受光线如何在物体表面流转，塑造出体积感与层次感，让画面栩栩如生；最后，我们将在“色彩”的斑斓世界中徜徉，探索色彩的情感表达，理解色彩的和谐与对比，学会运用色彩来叙述故事，传递情绪。 本书的独特之处在于，它并非局限于某个特定的艺术流派或技法，而是着眼于艺术最根本的语言——视觉元素。我们相信，真正的艺术理解始于对这些基本元素的敏锐捕捉与深刻体会。您将学到如何“看”，不只是用眼睛，更是用心去观察，去发现日常生活中被我们忽略的美。例如，一片落叶的纹理，雨滴在窗玻璃上形成的独特轨迹，甚至是街角一家老店门上斑驳的漆色，都蕴含着丰富的视觉信息和创作灵感。 我们将运用大量生动形象的比喻和贴近生活的实例，为您拆解艺术创作背后的逻辑。比如，当我们谈论“线条”时，不会仅仅停留在“直线”、“曲线”的定义上，而是会去感受粗犷线条的力量与细腻线条的柔美，理解它们各自所能传达的不同情感；当我们讨论“色彩”时，我们会探讨冷暖色调如何影响观者的情绪，而互补色又如何能产生强烈的视觉冲击力，让画面更具生命力。 本书的语言风格力求平实、亲切，仿佛一位经验丰富的画友在您身边，耐心细致地分享他的心得体会。没有晦涩难懂的专业术语，只有对艺术直观的感受和感悟。您会发现，原来艺术并非遥不可及，它就蕴藏在生活的每一个角落，等待着您去发掘。 《艺海拾遗》更像是一本“引路书”，它旨在点燃您对艺术的兴趣，为您打开一扇通往更广阔艺术世界的大门。它不会告诉您“必须画成什么样”，而是鼓励您去尝试，去探索，去找到属于自己的表达方式。我们相信，每个人心中都住着一个艺术家，而这本书，正是为了帮助您找到这位艺术家，并让他/她有机会闪耀。 本书的结构设计也充分考虑了初学者的接受习惯。从最易理解的视觉元素入手，循序渐进，让您在轻松愉快的阅读中，逐步建立起对艺术的认知体系。每一章节都辅以精选的经典艺术作品赏析，但并非简单罗列，而是从中提炼出与本章主题相关的视觉语言，引导您进行独立的思考和解读。我们鼓励您在阅读的同时，拿起手中的笔，尝试去画，去感受，去实践。即使只是简单的涂鸦，也是一次宝贵的创作体验。 《艺海拾遗》更注重培养您的“观察力”和“感受力”。在信息爆炸的时代，我们常常被海量的信息所裹挟，而忽略了对事物本质的洞察。本书将引导您放慢脚步，用心去感受光影的变化，去体会色彩的微妙之处，去理解线条所蕴含的情感力量。这些能力的提升，不仅能帮助您在艺术创作上有所突破，更能丰富您对生活的感知，让您的生活也因此变得更加多姿多彩。 这是一本关于“看见”的书。看见那些别人匆匆掠过却未曾留意的美丽；看见那些隐藏在平淡事物中的不凡；看见那些艺术大师们是如何运用最简单的视觉语言，创造出令人惊叹的作品。通过本书的学习，您将不再只是一个被动接受者，而会成为一个主动的发现者，一个有自己独特视角和感受力的观察者。 《艺海拾遗》是一场关于艺术的奇妙旅程，它没有终点，只有不断前行的每一步。愿这本书能成为您探索艺术海洋的起点，陪伴您在视觉的海洋中，乘风破浪，收获属于自己的无限风景。

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整本书的后半部分，侧重于构图和场景的整合，这部分的内容显得尤为成熟和老练。作者在这里强调了“故事性”在绘画中的重要地位，他提出的“引导线”和“视觉焦点”理论非常实用。他用了很多经典的绘画作品作为案例，分析了艺术家是如何通过景物的高低错落、明暗对比来自然地将观者的目光引向画面的核心主题。这不再是单纯的绘画技巧讲解，更像是艺术审美的入门课。我印象最深的是关于“留白”和“呼吸感”的讨论，在画面元素众多的情况下，如何通过“不画”来增强画面的张力和意境，这一点是我以前完全忽略的。这种平衡感和整体布局的把控能力，是区别业余和专业的关键。通过学习书中的范例，我开始尝试自己为画面设计一个“剧本”，而不是简单地把看到的东西复制下来。阅读这本书，就像是获得了一套完整的、从基础功到艺术表达的思维框架，让人受益匪浅。

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这本书的排版布局非常清晰，每一课的内容都像一个独立的模块，非常适合我这种碎片化时间学习的人。我尤其欣赏它在色彩理论部分的处理方式，它没有直接堆砌复杂的色轮图表，而是从“观察色彩”这个最本源的问题入手。作者鼓励读者带着问题去看世界，比如路边的一片叶子，在不同光照下的确切颜色是什么？阴影部分是简单的灰色，还是包含了环境色的微妙变化？这种引导式的学习方法，极大地激发了我主动探索的欲望。书中穿插了很多不同媒介的色彩小练习，比如水彩的晕染效果、彩铅的叠加层次，虽然篇幅有限，但每一个示例都精准地展示了那种媒介的特性。我试着模仿了其中关于“冷暖对比”的练习，用简单的三原色调配出不同情绪的色块，那种从混乱到和谐的转变过程，让我对色彩的掌控力有了信心。它没有强求读者记住大量的色彩术语，而是让你用“感觉”去理解色彩的“温度”和“重量”，这种非学院派的亲切感，正是我需要的。

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我一直对人体结构感到头疼，总觉得人体比例是个难以逾越的鸿沟，但这本册子在人体速写导引这块的处理，简直是化繁为简的大师手笔。它没有一开始就让你去啃复杂的骨骼和肌肉图谱，而是巧妙地运用了“火柴人”和“几何形体组合”的简化方法来建立动态和结构。书中将人体的动态分解为几个核心的“重心线”和“动作轴”，通过夸张这些线条来捕捉人物的神韵和力量感，这一点对我帮助太大了。我过去总是陷入细节的泥沼里，画出来的人像僵硬无比，现在我学会了先用几根线定下整体的气势，再在骨架上“填充”形体。书中提供的很多姿势参考图，角度非常刁钻但又极具表现力，而且每张图的旁边都标注了作者是如何通过结构简化来快速捕捉瞬间动态的思考过程。这种“先整体后局部”的策略，让原本庞大的人体结构学习变得可操作性强了很多，感觉自己离画出有生命力的人体形象又近了一步。

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关于材质表现的章节，是这本书中最让我感到惊喜的部分。我之前尝试画金属、玻璃或者布料时，总是觉得“不亮”或者“没有质感”。这本书的作者显然在观察入微上做足了功课。他不是简单地告诉你金属要画高光，而是细致地分析了不同金属表面的反射特性——抛光的不锈钢和磨砂的铜，反射光的形状和强度是完全不同的。对于透明物体，比如玻璃，它不仅仅关注透射和折射，还细致地讲解了边缘光和环境色的捕捉。我尤其喜欢其中关于“皮革质感”的讲解，通过细小的纹理刻画和光影的微妙变化，成功地表现出了皮鞋的那种厚重和柔韧感。作者在每一种材质的讲解中，都反复强调要观察“环境光对材质的影响”，这使得所画出的物体不再是孤立的，而是融入了周围空间。通过模仿书中的示范，我第一次成功地画出了一个看起来“湿漉漉”的表面，那种从平面到立体的飞跃感，让人无比满足。

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这本书的装帧设计实在是太吸引人了，封面那几幅素描练习的线条感和光影处理，让我这个刚入门的新手看了就心生向往。翻开内页，首先映入眼帘的是对基础透视原理的讲解，作者似乎非常注重理论与实践相结合，用了很多生动的图例来辅助说明那些原本枯燥的几何概念。我特别喜欢它对“消失点”的解释，不像教科书那样死板，而是结合了现实生活中的建筑场景，比如一个长长的走廊或者街道的景象，一下子就明白了透视是如何构建空间感的。而且，书中对于不同景深的处理也有独到的见解，如何用线条的疏密和清晰度来区分远近，这对我这种只会画“平面”的初学者来说，简直是醍醐灌顶。更值得称赞的是，它并没有急于教你画复杂的风景或人物，而是花费了大量的篇幅来打磨最基础的几何体素描，立方体、圆柱体、球体的光影变化被分解得极其细致，每一步的下笔力度和排线方向都有明确的指导，简直像是一位耐心十足的老师在手把手地教你。读完这部分，我感觉自己对“光”和“形体”的关系有了前所未有的清晰认识，为后续的深入学习打下了坚实的地基。

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