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出版者:上海书店出版社

作者:孔超 编著

出品人:

页数:232

译者:

出版时间:2006-5

价格:180.00元

装帧:精装

isbn号码:9787806785393

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
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画苑集珍 书籍简介 导言 “画苑集珍”并非仅是一本书名，它更是一次穿越时空的艺术之旅，一场对人类文明精粹的深度凝视。本书旨在汇集并呈现那些在艺术史长河中熠熠生辉、具有里程碑意义的绘画作品。我们并非简单地罗列名家名作，而是试图从多角度、深层次地解读每一件作品的艺术价值、历史背景、文化内涵及其对后世艺术发展的深远影响。本书将带领读者跨越地域的界限，领略东方水墨的写意与意境，感受西方油画的写实与光影，探寻不同文化语境下，艺术家们如何用色彩、线条与构图，诉说人类共同的情感、哲思与想象。 艺术的曙光：早期绘画的探索与奠基 本书的开篇，我们将追溯人类最早的艺术痕迹。从史前洞穴壁画中那些粗犷而充满生命力的动物形象，到古埃及壁画中严谨而象征性的宗教叙事，再到古希腊雕塑的严谨比例与和谐之美所映射出的绘画雏形，我们将看到艺术家们如何从最初对自然的模仿，逐渐发展出对形式、空间和情感的表达。 史前壁画： 聚焦于拉斯科洞穴、阿尔塔米拉洞穴等地的壁画，解析其原始的象征意义、对动物形态的精准捕捉，以及当时人类的生存状态与精神世界。分析这些壁画在技术上的局限性，但更强调其作为人类最早艺术语言的价值，它们是人类文明的基因图谱。 古埃及绘画： 深入研究古埃及墓葬壁画和神庙壁画。分析其独特的“正面律”构图、线描的平面化处理、以及鲜艳的色彩运用。探讨这些绘画在宗教信仰、社会等级、来世观念中的功能性，以及它们如何构建了一个稳定而永恒的古埃及文明形象。 古希腊绘画： 虽然古希腊绘画的真迹留存不多，但通过陶瓶上的绘画、以及古罗马时期对希腊绘画的模仿（如庞贝古城的壁画），我们可以窥见其对人体解剖的精妙掌握、对透视法则的初步探索，以及对叙事性和情感表达的追求。本书将重点分析其对古典美的定义和对西方艺术产生的源头性影响。 文明的熔炉：古典与中世纪的艺术嬗变 进入古典时期，艺术的发展呈现出更加成熟和多元的面貌。从古罗马帝国宏伟的公共建筑中的壁画，到基督教艺术在欧洲的兴起与发展，艺术在不同文明的碰撞与融合中，不断演化，孕育着新的生命力。 古罗马壁画： 分析庞贝和赫库兰尼姆遗址出土的壁画，如“第二风格”的建筑幻觉、“第三风格”的装饰性和“第四风格”的混合风格。探讨其对空间、光影的模拟，以及日常生活场景的描绘，展现了古罗马时期现实主义的倾向和对室内装饰艺术的贡献。 拜占庭艺术： 重点介绍拜占庭圣像画的特点，如其平面化的构图、程式化的程式、以及高度精神化的表现。分析其作为基督教艺术重要组成部分的宗教功能、以及其在色彩运用和象征意义上的独特性。 中世纪欧洲艺术（罗马式与哥特式）： 详细阐述修道院中的壁画、手抄本插图，以及教堂的彩色玻璃和雕塑如何与绘画相互辉映，共同构建了一个充满宗教色彩的艺术世界。分析罗马式艺术的厚重与朴实，以及哥特式艺术的纤细、高耸与对光线的追求。重点关注其叙事性、象征性以及为传播宗教教义的功能。 东方画卷：写意与写实的双重奏 与此同时，在遥远的东方，中国绘画以其独特的哲学思想和审美情趣，形成了独树一帜的艺术体系。从先秦的帛画到宋元的山水、花鸟，再到明清的文人画，东方绘画的魅力在于其对意境的追求、对笔墨的精湛运用，以及与自然精神的深度契合。 中国早期绘画： 追溯汉唐时期壁画和墓葬绘画的风格，如《女史箴图》等卷轴画的精细勾勒和人物描绘。分析其严谨的线条、丰富的色彩以及对人物内心世界的刻画。 宋元山水与花鸟： 深入探讨中国山水画的巅峰时期。分析北宋全景式山水的壮丽，南宋文人画的写意与抒情。解析范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》等作品中“气韵生动”、“外师造化，中得心源”的艺术理念。同时，关注黄荃、徐熙等花鸟画家的创新，以及元代文人画的兴起，如赵孟頫的艺术主张。 明清绘画： 梳理明清时期绘画的多样化发展，包括浙派、吴门画派、松江画派等。重点介绍沈周、文徵明、唐寅、仇英等大家的作品，分析其在继承传统基础上的创新，以及文人画“逸笔草草”的写意精神。探讨明清时期商品经济发展对绘画市场和题材的影响，如陈洪绶、八大山人、石涛等人的个性化风格。 文艺复兴的辉煌：人性的觉醒与艺术的再生 文艺复兴是西方艺术史上一个极其重要的转折点。艺术家们在继承古典艺术遗产的基础上，重新审视人与自然、人与宇宙的关系，将目光投向现实世界，对人体、透视、光影进行了深入的研究和革新，由此开启了西方绘画的新纪元。 早期文艺复兴： 介绍乔托的叙事性与空间感，马萨乔的现实主义和透视法则的应用，以及波提切利的优雅与象征。 盛期文艺复兴： 重点聚焦达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔三位巨匠。深入解读达·芬奇《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》中“晕涂法”的运用、心理刻画的深度。分析米开朗琪罗西斯廷教堂壁画中英雄主义的人体表现。阐释拉斐尔《雅典学院》中理想化的和谐与秩序。 北方文艺复兴： 关注扬·凡·艾克等尼德兰画家在油画材料和技法上的革新，以及他们对细节的精准描绘和对现实生活的关注。 巴洛克与洛可可：情感的张扬与装饰的精致 文艺复兴之后，欧洲艺术进入了巴洛克和洛可可时期。这两个时期在风格上既有联系又有区别，前者追求宏伟、戏剧性和情感的张扬，后者则偏爱轻盈、优雅与精致的装饰。 巴洛克艺术： 介绍卡拉瓦乔的“明暗对比法”对戏剧性光影的运用，伦勃朗对人物内心世界的深刻洞察，鲁本斯奔放热烈的色彩与动感。同时，关注西班牙和法国的巴洛克艺术，如委拉斯开兹的现实主义以及普桑的古典主义倾向。 洛可可艺术： 分析其在色彩上的柔和、构图上的不对称、以及题材上对贵族生活、爱情故事的描绘。介绍华托、布歇、弗拉戈纳尔等艺术家的作品，展现其轻快、华丽、充满感性的风格。 启蒙时代的回响：新古典主义与浪漫主义的交锋 18世纪末至19世纪初，启蒙运动的思想深刻影响了艺术创作。新古典主义复兴古希腊罗马的理想，强调理性、秩序和崇高；而浪漫主义则强调情感、个性与想象，对异域风情、历史事件和内心世界进行探索。 新古典主义： 重点介绍大卫的作品，如《马拉之死》、《拿破仑越过阿尔卑斯山》，分析其简洁的构图、严谨的线条和宏大的叙事。 浪漫主义： 展现德拉克洛瓦《自由引导人民》的激情与象征，戈雅《1808年5月3日夜枪杀起义者》的悲怆与批判。同时，介绍英国的风景画，如透纳和康斯太勃尔对自然光影和气息的捕捉。 现代艺术的黎明：印象派及其革新 19世纪下半叶，印象派的出现标志着现代艺术的开端。艺术家们走出画室，将目光投向变幻莫测的自然光线和瞬间的视觉感受，对传统的绘画观念和技法进行了颠覆性的革命。 印象派的诞生与发展： 详细介绍莫奈、雷诺阿、德加、毕沙罗等艺术家的创作理念和代表作品。分析他们如何运用点彩、短促的笔触来表现光影的微妙变化，以及对日常生活的关注。 印象派之后的探索： 简要提及后印象派如梵高、高更、塞尚等人的贡献，他们继承了印象派对色彩和笔触的探索，并在此基础上走向了更加主观和形式化的表达。 结语 “画苑集珍”的旅程并非终点，而是引导读者深入了解艺术世界的起点。我们希望通过对这些经典作品的呈现与解读，能够激发读者对美的感悟，对历史的思考，以及对人类创造力的赞叹。艺术是人类情感与智慧的结晶，是连接过去、现在与未来的桥梁。本书愿成为读者探索这浩瀚艺术海洋的一盏明灯。

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这本书最让我印象深刻的地方，在于它对于艺术的时代背景和社会功能的探讨。它没有孤立地看待艺术作品本身，而是将其置于特定的历史洪流中进行考察。作者花了相当大的篇幅去分析某一时期艺术风格的形成，与当时的政治气候、经济结构以及社会思潮之间的复杂互动关系。例如，书中详细剖析了某个特定时期文人画的兴起，如何反映了士大夫阶层对主流价值的反思与逃离，这种深度的文化解读，极大地提升了作品的价值。它让我明白，艺术从来都不是高悬于空的装饰品，而是特定时代精神最直观的载体。读完之后，我再去看那些古代的画作，目光不再仅仅停留在“好看不好看”的层面，而是开始思考“它为什么是这样的”、“它想告诉我们那个时代什么”。这本书培养的，不仅仅是审美的能力，更是一种洞察历史、理解文化的深度思维模式，其价值是长远且深远的。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那古朴典雅的封面，仿佛带着时光的沉淀，初翻开时，那种带着淡淡墨香的纸张触感，就让人心生敬意。我原以为这会是一本晦涩难懂的古籍解读，但翻阅下来，发现它更像是一位博学多才的前辈，耐心地引领着初学者走进一个充满奇趣的领域。书中对不同流派艺术家的介绍详略得当，即有深入的理论剖析，又不失生动的轶闻趣事。尤其让我惊喜的是，它对一些失传技艺的重现与探讨，那种严谨的考证和细致的图解，让人感觉自己仿佛亲历了那个辉煌的时代。比如，其中关于某一种特定颜料的配制方法，作者不仅给出了详细的步骤，还配上了清晰的现代化学分析图谱作为佐证，这种跨学科的融合，极大地拓宽了我的视野。它不是那种堆砌辞藻的空洞赞美，而是实实在在的知识干货，让人读完后，不仅心悦诚服，更有一种“原来如此”的豁然开朗之感。对于任何一个对传统艺术抱有热忱的探索者来说，这绝对是一本值得反复品读、时常翻阅的案头宝典。

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说实话，当我第一次抱起这本书时，我有点担心它的内容会过于学院派，难以消化。毕竟，艺术理论的名词总是让人望而却步。然而，这本书的语言风格却是出乎意料的平易近人，它成功地搭建了一座沟通专业知识与普通爱好者之间的桥梁。作者的文字流畅、生动，充满了感染力，没有故作高深的术语堆砌。他擅长用日常的观察和生动的比喻来解释复杂的艺术现象，比如他将某种构图技巧比作音乐中的和弦进行，一下子就让人明白了其中的平衡与张力。我发现，即便是那些晦涩难懂的流派分歧，在作者的笔下也变得清晰明了，像剥洋葱一样层层深入，但每剥开一层，都能获得新的理解。这种教学相长的感觉，让我在阅读中充满了乐趣和自信。它不像一本冰冷的教科书，更像是一位充满激情的老师在跟你娓娓道来，让你在轻松愉快的氛围中，不知不觉地提升了自己的鉴赏水平。

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读完这套书，我最大的感受是震撼，它像一把钥匙，开启了我对艺术史宏大叙事结构的一种全新的认知。作者的叙事手法极为高明，他没有采用传统的编年史写法，而是以“意境”为轴心，将看似分散的艺术作品串联成一条条清晰的脉络。例如，书中对于“留白”这一概念的阐释，从哲学思辨一直延伸到具体的笔墨运用，层层递进，逻辑严密得令人拍案叫绝。我特别欣赏作者那种批判性的眼光，他敢于挑战一些流传已久的定论，并拿出令人信服的证据来支撑自己的观点，这使得整本书的论述充满了活力和思辨性，绝非那种人云亦云的二手资料汇编。其中关于某位隐逸画家的生平考据部分，作者付出了常人难以想象的心血，那些零散的碑文、残页中的信息被巧妙地拼凑起来，勾勒出一个丰满而立体的形象。这种探寻真相的求知欲和严谨的治学态度，深深地感染了我。这本书不仅是艺术鉴赏的指南，更是一堂生动的历史与文化研究课。

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这本书的排版和印刷质量，简直可以用“匠心独运”来形容。首先，纸张的选择非常考究，不同章节使用了略带纹理或光泽度不同的纸张，这种细微的变化，巧妙地烘托了文字内容的情感基调。在视觉呈现上，作者对图文的排布达到了近乎完美的平衡。他深知，在讨论视觉艺术时，图片本身就是语言。书中大量的细节图，分辨率极高，即便是原作中那些难以察觉的笔触肌理，都能在书中得到清晰的再现。而且，那些图版的注释不是简单地标注名称和年代，而是配合正文进行深入的解读，告诉你“为什么这个细节是重要的”。我尤其喜欢那种跨页的大幅印刷效果，气势磅礴，将原作的感染力最大程度地保留了下来。阅读过程中，我的眼睛得到了极大的享受，这已经超越了一般书籍的范畴，更像是在欣赏一本精美的画册，只是这画册里还藏着深厚的学问。对于那些注重阅读体验的读者来说，这本书的物理形态本身就是一种艺术享受。

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