立体构成

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出版者:辽宁美术出版社
作者:杨浩峰
出品人:
页数:127 页
译者:
出版时间:2005年8月1日
价格:35.0
装帧:平装
isbn号码:9787531433286
丛书系列:
图书标签:
  • 设计
  • 艺术
  • 构成
  • 立体
  • 造型
  • 空间
  • 建筑
  • 绘画
  • 工艺
  • 视觉艺术
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具体描述

立体构成是一门涉及数学、物理、化学、生物学、仿生学、视觉心理学、美学、材料学及材料加工工艺等相关学科理论的多学科交叉的艺术设计基础造型课,是研究空间立体造型的学科。理论系统庞大,实践性强,是所有艺术设计类院校形态造型基础的必修课。 立体构成是利用各种基本材料按照美的原则创造出具有设计感的新形态的过程,它揭示了立体空间的设计规律,表现了立体形态的基本变化。随着科学的进步,各种新型材料已被用到各个领域,包括艺术创作。而我们的学生在做立体构成作业时,缺乏对新材料的挖掘,仍停留在一般材料的适用上,不愿意对新材料多加研究;能恰当地运用新材料做立体构成作业,是取得好效果的关键。 本书主要讲述立体构成的要素及构成应用等方面,供大专美术院校的艺术设计系学生参考。

《光影塑形:三维空间的视觉语言》 内容简介: 《光影塑形:三维空间的视觉语言》是一部深度探索物质与空间之间关系的艺术理论著作。本书并非一本关于具体造型技法或材料应用的实用指南,而是一次对塑造三维世界本质的哲学性追问,以及对人类感知和理解空间方式的艺术性剖析。作者以审慎而富有洞察力的笔触,引导读者穿越二维平面的限制,进入一个更为丰富、动态且充满潜能的立体维度。 本书的核心在于揭示“立体”作为一种视觉语言,其独特的构成要素、表达方式及其在艺术史、设计实践乃至人类思维模式中的深远影响。我们所身处的现实世界,本质上是立体的。从微生物的微观结构到浩瀚宇宙的宏伟尺度,一切皆以三维形态存在。而人类的感知系统,也演化出了一套能够解析和辨识三维信息的能力。然而,当我们试图在二维媒介(如画布、屏幕)上重现或表达三维世界时,便面临着一系列挑战,也由此催生了对“立体构成”的深刻思考。 《光影塑形》并非从工具或材料的层面出发,而是从更宏观的视角,探讨“体”与“空间”之间的辩证统一。它认为,任何一个“体”的存在,都离不开其所处的“空间”,而“空间”本身也因为“体”的存在而获得了定义和形态。这种关系是相互依存、相互塑造的。作者通过梳理不同艺术流派和文化语境下的“立体”观念,展现了这一概念的演变历程。从古代雕塑对实体体积的纯粹表现,到文艺复兴时期对透视法的精妙运用,再到现代艺术中对空间本身的解构与重塑,每一个阶段都体现了人类对立体世界的理解深度和表达技巧的飞跃。 本书尤其关注“光影”在塑造立体感中所扮演的关键角色。光与影是定义体积、区分表面的最直接、最有效的视觉工具。作者深入分析了光线的方向、强度、色彩以及物体本身的材质如何共同作用,在三维空间中投下变化的阴影,勾勒出微妙的轮廓,赋予静态的物体以生命力与深度。这种对光影的细腻观察和艺术化处理,是任何试图在视觉上呈现立体感的创作都必须掌握的核心原理。然而,《光影塑形》所探讨的光影,并非仅仅是技术层面的照明与阴影,更是蕴含着情感、象征意义和哲学思考的光影。它是引导观众视线、营造氛围、暗示内在精神世界的无形力量。 此外,本书还将“空间”的理解拓展至更为广阔的范畴。它探讨了“积极空间”(由物体占据的部分)与“消极空间”(物体之间的空白区域)之间的相互关系,以及它们如何共同构成一个完整的视觉场域。作者认为,成功的立体构成,不仅仅是安排好“物体”,更在于对“空白”的智慧运用。空白并非虚无,而是承载着可能性、暗示着关联、引导着想象的活跃元素。在本书的论述中,消极空间同样具有雕塑般的质感,能够被赋予能量和意义。 《光影塑形》还触及了艺术家如何通过对“体”与“空间”的感知与创造,来影响观众的体验和理解。立体作品不仅仅是被观看的对象,它们更是能够引导观众在物理空间中移动、在心理空间中想象的催化剂。本书会分析不同形式的立体作品,如雕塑、建筑、装置艺术,甚至包括一些抽象绘画和设计品,它们是如何通过对体积、比例、材质、纹理以及空间关系的巧妙运用,来激活观众的身体感知和情感共鸣。这是一种超越单纯视觉的“空间叙事”,一种让观者“进入”作品,与作品一同呼吸的体验。 本书的理论框架建立在跨学科的视野之上,借鉴了哲学、心理学、建筑学、设计学以及艺术史等多个领域的洞见。作者力图构建一个既具学术深度,又富于启发的理论体系,帮助读者: 理解“体”的本质: 剥离具体材料的限制,探究作为纯粹视觉元素,“体”所蕴含的体积感、质量感、方向性和动态潜力。 解析空间维度: 深入理解三维空间的构成要素,包括边界、尺度、深度、透视,以及不同尺度的空间对感知的影响。 掌握光影的语言: 学习如何通过对光线的运用,来塑造形体、烘托氛围、营造视觉焦点,甚至传达情感和象征意义。 认识空间关系: 探索物体与空间、积极空间与消极空间之间的微妙平衡,以及它们如何共同构建视觉的整体性。 洞察观众体验: 理解艺术家如何通过立体构成,引导观众的视线、触发观众的想象,并最终影响观众的情感和认知。 《光影塑形:三维空间的视觉语言》是一场关于如何“看见”并“塑造”我们所生存的立体世界的思想之旅。它鼓励读者从全新的角度审视周围的环境,激发对空间、体和光影的无限遐想,并为任何致力于在三维领域进行创作和思考的艺术家、设计师、学生以及艺术爱好者提供深刻的理论启迪和视觉引导。本书并非教会你如何“做”某件具体的立体作品,而是让你“理解”构成这一切背后的深层逻辑与美学原理,从而在你的创作中拥有更为宏阔的视野和更为深刻的洞察力。它是一次关于“无形”之物的探讨,一次关于“空间”之美的颂歌,一次关于“立体”这一视觉语言的深度解读。

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读后感

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用户评价

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这本书,说实话,拿到手里的时候,我有点懵。封面设计得挺现代,线条感很强,一看就知道跟“设计”沾点边,但具体是讲什么的,心里也没底。翻开目录,那一堆“形体分析”、“空间渗透”、“动态平衡”之类的术语,让我这个纯外行人感觉像是掉进了一个迷宫。我本来是想找点轻松的阅读材料,比如小说或者散文,结果买了个“硬核”的工具书。一开始我打算退掉的,但又好奇,这玩意儿到底能教给我什么。于是,我硬着头皮开始啃。最开始那几章,真是折磨,各种几何体的切割、组合、旋转,看得我头晕眼花,感觉自己像回到了高中上立体几何课,只不过这次要复杂得多,还夹杂着各种艺术的阐述。我花了整整一个周末,才勉强理解了作者关于“体块的张力”那一节。那种感觉就像是,你面前放着一堆积木,但作者却告诉你,它们之间的关系远比你想象的要复杂和微妙。我开始尝试跟着书里的步骤,用纸板和胶水做一些简单的模型,结果发现,自己的手和脑子完全不协调,做出来的东西歪七扭八,简直是灾难现场。这本书对实践能力的要求非常高,光看不练,绝对是纸上谈兵。

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阅读体验上,我必须承认,这是一本需要“沉浸式”阅读的书籍。它不适合在通勤的地铁上或者睡前翻阅。你需要一个安静的下午,一张足够大的桌子,最好旁边还有一些可以动手操作的材料,比如铅笔、尺子和一些简单的几何体模型。这本书的挑战性在于,它不断地在测试你的专注力和逻辑思维的连贯性。你不能跳着读,因为后文的每一个论断几乎都建立在前文的结论之上,链条一旦断裂,后面的理解就会变得非常困难。我个人采取的策略是,每读完一个章节,我会强制自己合上书本,尝试用自己的语言复述一遍核心观点,并画出几个相关的草图。这个过程虽然缓慢,但有效巩固了知识。这本书的价值在于,它提供了一种看待世界的方式,一种将日常生活中遇到的所有物体和空间,都拆解还原成基本形体、分析其内在结构的能力。读完之后,即便是走在街上,我也会不自觉地去分析那些建筑立面的凹凸变化和体块之间的咬合关系,这算不算一种“后遗症”呢?

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说实话,这本书的适用范围比我想象的要窄得多。它显然是为那些已经有一定艺术或建筑基础,并希望向更抽象、更理论化的方向深耕的人准备的。我尝试把它推荐给一个刚开始学室内设计的朋友,结果他看了几页就把它扔在了书架的最底层,表示“太玄乎,一点用没有”。我理解他的感受,因为这本书几乎没有涉及任何当前流行的材料应用或者市场趋势。它探讨的是永恒的、普适性的空间关系,那些无论时代如何变迁都不会过时的基本法则。比如,关于“韵律”和“节奏”的探讨,作者将其归结为一系列数学比例在视觉上的重复与变化,而不是简单地堆砌装饰元素。这种对“本源”的追溯,使得这本书显得有些“脱离实际”,但反过来看,也正因为它不追逐潮流,才具有了穿越时间的价值。它更像是一部关于“空间哲学的入门”,而不是一本“快速致富的实践手册”。

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我对这本书的插图和图解部分印象特别深刻,尽管整体排版略显陈旧,但那些剖面图和透视图的精准度,绝对达到了教科书级别。它们不是那种花里胡哨、为了好看而存在的图片,而是纯粹的教学工具。我尤其喜欢作者如何通过不同线条的粗细和虚实来表现“穿透感”和“遮挡关系”。在我尝试用电脑软件进行三维建模时,这本书里的二维手绘图反而成了最好的参照。它教会了我如何用最简洁的视觉语言,去表达一个复杂三维结构中最核心的关系。很多现代设计软件提供了自动生成效果的功能,但这本书告诉你,在没有软件辅助的情况下,你的眼睛和大脑如何去“构建”空间。这是一种非常基础、但又极其核心的训练。我发现,当我理解了书中对光影和体积表达的细微之处后,即便是用最简单的方块和圆柱体,我都能感受到它们之间微妙的互动和能量的流动,这比单纯依赖软件渲染出来的完美效果要来得有“生命力”。

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这本书的叙述方式,怎么说呢,非常像一位严谨的学院派教授在给你上研讨课,节奏缓慢,逻辑严密到让人喘不过气。它不像市面上那些快餐式的设计指南,恨不得两小时让你学会所有秘诀。作者似乎更关注的是“为什么是这样”,而不是“怎么做”。比如,讲到某种特定的空间划分手法时,他会追溯到古希腊的建筑哲学,然后引用康德的美学理论,最后才落到具体的造型原则上。这种深厚的理论根基,对于想深入了解设计本质的人来说,无疑是宝藏,但对我这种只想快速上手、做点漂亮东西的“实用主义者”来说,简直是煎熬。我常常需要停下来,去查阅那些被频繁引用的哲学和艺术史名词,才能跟上作者的思路。有那么几次,我真的想直接跳到后面的“案例分析”,看看别人是怎么应用的,结果发现,那些案例本身又是建立在前面积累的、晦涩难懂的理论之上的。这本书迫使你慢下来,去思考每一个决策背后的深层含义,它要求的不只是技巧,更是一种思维框架的重塑,这一点非常耗费心神。

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