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出版者:上海人民美术出版社

作者:程惠琴

出品人:

页数:109

译者:

出版时间:2005-8

价格:33.00元

装帧:

isbn号码:9787532244942

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《空间形体：雕塑语言的探索与实践》 一、 序言：打开三维世界的钥匙 本书并非关于某个特定学科的教条式讲解，也不是对既有艺术形式的简单复述。它是一次深入探索物质世界固有属性——“立体”——的邀请，是一场关于如何以形体、空间和材料进行对话的实践引导。我们置身于一个三维的宇宙，周围的一切，从最小的尘埃到浩瀚的星辰，都拥有体积、占据空间，并与其他物体发生着错综复杂的关系。然而，在日常生活中，我们往往习惯于二维的感知模式，即便是面对立体事物，也常常将其简化为轮廓、表面和光影。 《空间形体：雕塑语言的探索与实践》的目的，正是要唤醒我们对立体世界的敏感度，教会我们如何“阅读”和“创造”三维语境下的意义。本书将带领读者穿越纯粹的几何抽象，走向对自然形态的解构与重塑，最终回归到表达个人情感与思想的艺术实践。它旨在为每一个对塑造、构建、搭建，以及理解空间关系充满好奇的人提供一套方法论和启发性的视角。无论您是初涉艺术创作的学子，还是经验丰富的艺术家寻求新的灵感，亦或是对设计、建筑、乃至更广泛的空间艺术领域感兴趣的探索者，都将在这本书中找到属于自己的收获。 二、 第一章：立体思维的基石——理解与感知 在真正开始动手创作之前，我们需要为自己的思维打下坚实的基础。本章将聚焦于“立体思维”的核心要素，帮助读者建立一套全新的感知与理解三维世界的方式。 1.1 什么是“体”？从点、线到面、体： 我们将从最基础的几何概念出发，回顾点、线、面如何构筑起三维世界的骨架。理解点作为空间中的基本位置，线作为连接和引导的路径，面作为二维的边界，而“体”则是这些元素最终凝聚而成的、具有真实存在感的实体。我们将通过视觉化练习，体会不同维度之间的转化与依赖。 1.2 视觉错觉与立体感知： 人类大脑如何处理三维信息？本节将探讨视觉错觉，例如透视、明暗、纹理等如何欺骗或引导我们的眼睛，从而在二维平面上产生立体感。反过来，理解这些原理，将帮助我们更精准地在三维空间中布置形体，以及通过观察，更深刻地洞察物体的真实体积。我们将学习如何分析日常物体，理解其体积、比例和空间关系。 1.3 空间的主观性与客观性： 空间并非一个空洞的容器，它充满了信息。本节将区分客观的物理空间（长度、宽度、高度）和主观的心理空间（大小、远近、亲疏、包裹感、开放感）。我们将探讨艺术家如何利用形体的布置来操纵观众的空间体验，创造出或压抑、或舒缓、或激昂的情感氛围。 1.4 形体与负空间的对话： 雕塑作品不仅仅是“有”的部分，同样重要的是“无”的部分——即形体所占据和围合的空间，也就是“负空间”。本节将深入探讨正形体与负空间之间的相互依存关系。理解负空间的形状、大小和延伸，对于完成一个完整的、有说服力的立体作品至关重要。我们将通过实例分析，展示负空间在作品整体构图和艺术表达上的作用。 1.5 比例、尺度与动态平衡： 比例是形体之间相互关系的和谐体现，尺度则决定了作品与观看者和环境的互动方式。本节将讲解黄金分割、斐波那契数列等在构图中的应用，以及如何通过调整形体的大小、粗细、长短来创造视觉上的韵律感和动感。动态平衡并非总是对称，它可以是重量感、张力或方向性的巧妙组合，从而使作品在静止中蕴含生命的活力。 三、 第二章：材料的语言——触感、质感与物质性 材料是立体构成最直接的媒介。不同的材料拥有其独特的物理属性、触感、视觉质感，甚至历史与文化内涵。本章将引导读者去认识和理解材料的语言，并学会如何让材料自身的特性为作品服务。 2.1 认识常见的立体构成材料： 我们将系统介绍雕塑与立体构成领域常用的材料，包括但不限于： 粘土类： 陶土、橡皮泥、油泥等，它们的塑性、可塑性，以及烧制后的变化。 纸张类： 纸板、瓦楞纸、手工纸等，它们的轻盈、可裁剪性、折叠性和结构性。 木材类： 原木、胶合板、木块等，它们的纹理、硬度、可切割性与连接方式。 石膏类： 石膏粉、模型石膏等，它们的快速凝固性、可雕刻性和易脆性。 金属类： 铁丝、锡纸、铝箔、废旧金属等，它们的延展性、可塑性、焊接性及工业感。 塑料与合成材料： 泡沫板、亚克力、PVC等，它们的轻便、易加工性及现代感。 自然物： 石头、树枝、叶片、贝壳等，它们的天然形态和生命力。 2.2 材料的触感与情绪： 触摸是理解立体最直接的方式之一。本节将探讨不同材料的表面纹理（光滑、粗糙、柔软、坚硬）如何唤起观众不同的情感反应（舒适、不安、温暖、冰冷）。我们将学习如何通过对材料表面进行处理（打磨、抛光、刮擦、压印）来赋予其特定的触感和视觉质感。 2.3 材料的物质性与结构： 每种材料都有其固有的物质属性，例如密度、重量、强度、延展性、脆性等。理解这些属性，是进行结构设计的基础。本节将讨论如何根据材料的特性来选择合适的连接方式、支撑结构，以及如何利用材料的“倾向性”（如木材的纹理方向、金属的可弯曲度）来创造作品。 2.4 材料的组合与对比： 将不同性质的材料并置或组合，能产生丰富的视觉对比和象征意义。例如，硬与软、透明与不透明、粗糙与光滑的对比，往往能极大地增强作品的表现力。本节将指导读者如何巧妙地运用材料的差异性，制造出令人耳目一新的视觉效果。 2.5 材料的象征意义与文化语境： 材料并非总是中性的，它们常常承载着特定的文化、历史或象征意义。例如，金属可能代表工业与科技，木材可能代表自然与传统。本节将鼓励读者思考材料背后的含义，以及如何将其融入到作品的思想表达中。 四、 第三章：形态的语言——从具象到抽象的转化 形体是立体构成的基本元素，它们可以是现实世界的模仿，也可以是纯粹的几何创造。本章将引导读者探索形态的多样性，并学习如何将具象的观察转化为抽象的艺术语言。 3.1 观察与解构：自然形态的分析： 我们将从分析自然界中的各种形态入手，例如植物的枝干、花朵的结构、岩石的纹理、人体的比例等。通过细致的观察，理解这些形态背后的生长逻辑、结构支撑以及生命律动。然后，学习如何将这些复杂的自然形态进行简化、提炼和抽象，提取出最具代表性的特征。 3.2 几何形体的构成： 几何形体（球体、立方体、圆柱体、锥体等）是构建抽象立体作品的基础。本节将探讨如何通过组合、切割、并置、旋转等方式，创造出无限多样的几何形态。我们将研究不同几何体之间的关系，以及它们如何相互影响，形成新的空间结构。 3.3 有机形体的构成： 与几何形体的理性与规整不同，有机形体往往具有更强的生命力和流动感。本节将讲解如何模仿自然界的生长模式，运用曲线、柔和的转折、不规则的起伏来塑造富有生命力的形态。我们将探讨如何通过对材料的塑形、连接或组合，来模拟生物体或自然现象的形态特征。 3.4 形态的变形与夸张： 为了达到特定的艺术效果，艺术家常常会对现实形态进行变形和夸张。本节将探讨如何通过拉伸、压缩、扭曲、叠加等手法，改变形体的比例和结构，从而突出某种情感、状态或观点。我们将研究变形的尺度和方向如何影响作品的整体张力和表达力。 3.5 动态的形态：运动与时间感： 立体作品并非总是静态的。本节将探讨如何通过形体的设计，暗示运动或时间的流逝。例如，通过倾斜的、延展的、或者具有风动感的形态，营造出作品的动势。甚至可以引入可动部件，让作品在物理上展现出运动的状态。 五、 第四章：空间的语言——填充、穿透与围合 形体存在于空间之中，而空间也由形体来定义。本章将深入探讨形体与空间之间的互动关系，以及如何通过对空间的塑造来传递艺术信息。 4.1 空间的限定与创造： 空间可以通过形体来界定，也可以通过形体的排布来创造。本节将研究如何利用实体块面、穿孔结构、倾斜的平面等方式，限定和划分空间，从而影响观众在作品中的移动和感知。 4.2 穿透与连接： 形体之间的穿透关系，可以创造出视觉上的深度和趣味。本节将探讨如何设计形体，使其相互交织、贯穿，形成镂空或连接的效果。这种穿透性不仅打破了形体的封闭性，也模糊了内外空间界限。 4.3 围合与包裹： 形体可以通过包裹、围合的方式，创造出内部空间。本节将分析不同程度的围合所带来的感受，例如，完全封闭的空间可能带来压抑或私密感，而半开放的围合则可能提供一种安全感和探索的欲望。 4.4 叙事性的空间： 空间本身也可以成为故事的一部分。通过形体的排列、高低错落、曲折回廊等设计，可以引导观众的视线，触发联想，构建出叙事性的空间体验。 4.5 尺度与环境的互动： 作品所处的空间环境，与作品本身的尺度关系至关重要。本节将讨论如何根据环境的大小、采光、动线等因素，来确定作品的合适尺度，以及如何让作品在环境中“呼吸”，形成和谐统一的整体。 六、 第五章：构成的方法与技法 本章将回归到具体的实践层面，介绍立体构成中常用的方法和技法，为读者的动手实践提供具体指导。 5.1 雕刻与减法构成： 从实体材料中去除部分，以形成所需形态。本节将介绍不同的雕刻工具和技法，以及如何处理材料的去除过程，避免意外损坏。 5.2 塑造与加法构成： 从无到有，逐步增加材料，堆叠、连接，以形成形体。本节将讲解如何使用粘土、石膏等材料进行塑造，以及如何通过层层叠加和组合来构建复杂的形体。 5.3 拼贴与组合构成： 将预先制作好的或现成的形体，通过粘贴、铆接、焊接等方式组合起来。本节将强调形体之间的关系和衔接方式，以及如何通过组合来创造出全新的视觉效果。 5.4 折叠与裁剪构成： 利用纸张、薄板等材料的可塑性，通过折叠、裁剪、弯曲来形成空间结构。本节将讲解如何进行精确的测量和折叠，以及如何利用材料的折痕和切割线来塑造形体。 5.5 编织与缠绕构成： 利用线、绳、丝带等柔性材料，通过编织、缠绕等方式构成具有网状或缠绕结构的立体作品。本节将探讨不同编织方式的肌理和空间效果。 5.6 结构稳定性的考量： 任何立体作品都需要考虑其结构稳定性，以确保其能够独立存在。本节将介绍基本的结构支撑原理，例如重心、受力点、连接强度等，并结合不同材料的特性进行讲解。 七、 第六章：创作的理念与表达 立体构成不仅仅是技巧的堆砌，更重要的是思想和情感的载体。本章将引导读者思考创作的内在逻辑，以及如何通过立体语言来表达个人观点。 6.1 从概念到形体： 任何一件好的作品都源于一个清晰的概念或想法。本节将引导读者如何将抽象的概念、情感或故事，转化为具体的立体形态。例如，如何用形体来表达“孤独”、“连接”、“生长”等主题。 6.2 象征与隐喻： 形体和材料可以被赋予象征意义，从而在作品中传递更深层次的信息。本节将探讨如何运用象征手法，通过对特定形态或材料的选择，来唤起观众的联想和共鸣。 6.3 风格的探索与形成： 艺术家的风格是其个人思考、情感特质与技法特点的综合体现。本节将鼓励读者在实践中不断尝试，找到最适合自己的创作语言和表现方式，逐渐形成独特的个人风格。 6.4 作品的呈现与解读： 如何摆放作品、作品的光照、作品所处的环境，都对作品的呈现效果产生影响。本节将讨论作品的最终呈现方式，以及观众如何解读作品，并鼓励读者思考作品与观众之间的互动关系。 八、 结语：立体世界的无限可能 《空间形体：雕塑语言的探索与实践》的旅程并非终点，而是关于立体构成无限可能的起点。我们希望这本书能够成为您手中那把开启三维世界奥秘的钥匙，激发您对空间、形态、材料和表达的持续探索。愿您在未来的创作实践中，能够自由地运用本书所学，构建出属于您自己独一无二的立体世界。 附录： 常用工具与安全须知 材料选购指南 推荐阅读与艺术家参考 练习项目示例

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我花了很长时间才读完这本书，并不是因为内容晦涩难懂，而是因为每一页都值得我反复咀嚼，做笔记。这本书最让我感到震撼的一点，在于它对“体量感”与“重量感”的区分探讨。很多设计者常常混淆这两个概念，觉得体量大的就一定重。但作者通过对比轻盈的网格结构与密实的块状结构，清晰地论证了视觉感知上的“重”与物理上的“重量”之间的微妙张力。他甚至引入了心理学层面的“视觉锚定”理论来解释为什么某些视觉效果会让人产生额外的压迫感。这种跨学科的融会贯通，让这本书的视野一下子拔高了不止一个层次。书中那些关于对称与非对称构图的章节，也颠覆了我以往对平衡的认知，它不再是简单的左右对等，而是探讨了一种动态的、围绕核心能量点进行的力的平衡。总而言之，这本书的阅读过程是一场关于空间、感知和结构哲学的沉浸式体验，它不仅教会我如何构建三维空间，更重要的是，它让我学会了如何更审慎、更有目的地去观察和定义我周围的一切“形体”。

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这本书的阅读过程，更像是一场与一位经验丰富的大师进行的深度对谈，那种感觉既有条理又充满启发性，绝对不是那种流水账式的知识堆砌。它的结构组织堪称一绝，我发现作者非常注重逻辑的递进和知识点的衔接，每一章的收尾都像是为下一章埋下的一个引子。比如，在讲完基础的“模数与韵律”后，紧接着就引入了“动态平衡与不稳定结构”的讨论，这种安排使得读者能够自然而然地接受从静态到动态的思维跨越。尤其让我印象深刻的是，书中对不同材料特性的分析，简直是教科书级别的细致。他没有简单地说“木头有纹理”，而是深入分析了木材的纤维方向如何影响光线的折射与吸收，进而影响最终形成的体积感和重量感。这种对细节的执着，使得书中的案例分析具有极强的说服力。我甚至可以想象，如果把书中的某些实验模型实际制作出来，它们本身就是极具美感的艺术品。对于那些在设计领域摸索已久，开始遇到瓶颈期的人来说，这本书就像是一剂强心针，它提醒你，回归基础，用最原始的几何语言去重新审视你所创造的一切，往往能突破那些自我设限的藩篱。

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收到您的要求，我将以一个普通读者的视角，为您构思五段关于《立体构成》这本书的详细、风格迥异的图书评价。 --- 这本书的装帧设计本身就透露出一种严谨又充满探索欲的调性，拿到手上的时候，首先吸引我的是封面上那些微妙的光影处理，仿佛在引导你进入一个三维思维的空间。我本来以为这会是一本偏向理论推导，或者充斥着晦涩几何学符号的教科书，毕竟“构成”这个词听起来就带着一丝学院派的严肃。然而，阅读体验远超预期。作者在开篇部分就非常巧妙地用一系列生活中的视觉错觉案例来热身，比如巴拉金-普拉特错觉或者赫尔曼网格，这让人立刻感到亲切，意识到立体思维并非高不可攀的数学难题，而是日常观察的一部分。书中对“体块的生成与消解”那一章节的阐述尤为精妙，它没有直接给出规则，而是通过分解和重组最基础的形体——立方体、球体和圆柱体——展示了如何通过增减、穿插、咬合等基础动作，构建出复杂且富有张力的空间关系。我特别喜欢他提到“负空间的作用”，讲解了如何通过精心设计的空隙来定义实体，这种由虚入实的思考路径，对我个人在处理空间布局和产品设计时，提供了极其宝贵的底层逻辑支撑。它不像某些同类书籍那样只停留在“好看”的层面，而是深入剖析了为什么“好看”，背后的空间语法是什么，读完后感觉自己的眼睛都被重新校准了一遍，看世界的角度都变得更立体、更深邃了。

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坦率地说，我抱着有点怀疑的态度翻开了这本书，因为市面上关于“构成”的图书实在太多了，大多只是展示一些精美的效果图，缺乏实质性的内涵。但《立体构成》这本书的叙事风格非常独特，它没有采用那种冰冷的学术腔调，反而带有一种近乎哲学思辨的探讨意味。作者在探讨“渗透与边界”时，引用了许多古代建筑和雕塑的例子，去对比现代主义和后现代主义在处理空间穿透性上的差异。让我感到耳目一新的是，他居然将“时间”这个维度也纳入了立体的考量范畴，讨论了物体在不同光照条件和季节变化下，其构成关系会如何被感知和改变。这彻底拓宽了我对“立体”的理解，它不再是静止的三个维度，而是包含了感知和时间的动态系统。这本书的文字密度非常高，我不得不经常停下来，泡杯茶，去思考作者提出的那些开放性问题，比如“一个由虚空构成的实体，其边界在哪里？”这种引导式提问，迫使读者必须参与到思考的过程中去，而不是被动接受。阅读它，与其说是获取知识，不如说是一次深度的认知升级训练。

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这本书的排版和图文关系处理得简直是出神入化，这对于一本探讨“构成”的书来说，本身就是一种高难度的实践展示。我观察到，作者非常克制地使用色彩，大部分插图都是以高对比度的黑白线条图或灰度模型为主，这极大地增强了对结构本身纯粹性的关注。我特别欣赏书中对“扭转与形变”那一章的讲解方式，作者没有直接展示复杂的参数化模型，而是通过一系列极其简洁的二维剖面图的演变过程，清晰地勾勒出了三维形体是如何在力的作用下发生连续性形变的。这个过程的逻辑推导严密到让人叹服，即使是没有深厚的数学背景的读者，也能大致跟上思路。它成功地将那些原本抽象的、需要空间想象力才能把握的概念，转化成了清晰可见的图示序列。这本书的好处在于，它教会的不是“如何画出某种立体”，而是“如何思考立体的生成逻辑”。它更像是一套严谨的思维工具箱，而不是一本现成的图谱集。对于提升自我表达的准确性和深度来说，这本书的价值无可估量。

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