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出版者:中央音乐学院出版社

作者:苏夏

出品人:

页数:294

译者:

出版时间:2006-5

价格:26.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787810960489

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《乐音织梦：洞悉旋律与和声的艺术》 引言 音乐，是人类最古老、最普世的情感表达方式之一。从原始部落的吟唱到现代交响乐的宏伟，旋律与和声编织着我们共同的文化脉络，触动着我们内心最深处的情感。然而，是什么让一段旋律如此动人心魄？又是什么使得和弦的交织能引发如此丰富的情感共鸣？《乐音织梦：洞悉旋律与和声的艺术》将带领你踏上一段深入音乐本质的探索之旅，解开那些构成迷人乐章的奥秘。本书并非仅仅罗列乐理规则，而是以一种更具启发性、更贴近创作实践的方式，揭示旋律与和声如何在人类的感知中发挥作用，以及如何被有意识地运用以创造出打动人心的音乐。 第一章：旋律的灵魂——线条与弧度 旋律，是音乐的血脉，是情感的流动。本章将从最基本的音高序列入手，探讨构成旋律的内在逻辑。我们将深入分析音程的心理感受，理解大小二度、三度、五度等不同音程组合所带来的色彩和张力。通过研究经典的旋律线条，如上升、下降、波浪形、跳跃形等，我们会发现它们如何引导听众的情绪，创造出期待、满足、紧张或舒缓的感觉。 音程的语言： 探索大小调中基本音程的心理效果，例如为什么大三度带来明亮感，而小三度则显得忧郁。我们将审视旋律进行中，各种音程组合的实际应用，以及作曲家如何利用这些组合来塑造旋律的性格。 旋律轮廓的塑造： 分析不同旋律走向（如级进、跳进、重复音）对音乐情绪的影响。我们将学习如何通过控制旋律的起伏、密度和节奏，来营造出特定的戏剧性或抒情性。 动机与发展： 探讨一个简短的旋律动机如何成为一个完整乐章的基础。本书将展示作曲家如何通过重复、变化、倒影、逆行等手法，将一个简单的动机发展成复杂而富有逻辑的旋律结构。 调性与旋律： 理解旋律如何在特定的调性框架内运作。我们将分析如何利用调性中心来确立旋律的方向感，以及如何通过离调、转调等手法来增加旋律的新鲜感和表现力。 第二章：和声的骨骼——结构与色彩 如果旋律是音乐的灵魂，那么和声便是音乐的骨骼，它为旋律提供了坚实的支撑，并赋予音乐丰富的色彩和深度。本章将深入剖析和声的基本原理，从最简单的三和弦到复杂的七和弦、变化和弦，理解它们在不同语境下的功能和情感指向。 和弦的构建与功能： 深入理解三和弦（大、小、减、增）的构成方式及其在调性体系中的基本功能（主、属、下属）。我们将学习如何识别和弦的性质，并理解它们之间如何相互作用，形成流畅的和声进行。 七和弦的魅力： 探索七和弦（大七、小七、属七、半减七、减七）的独特音响和功能。特别是属七和弦在解决到主和弦时的强大驱动力，以及减七和弦在制造紧张感和推动转调方面的作用。 连接与转折：和声进行的逻辑： 分析经典和声进行的模式，例如“主-下属-属-主”的四和弦进行。我们将学习如何通过这些基础模式来构建逻辑清晰、情感连贯的和声乐句，并理解如何通过非功能性和弦、转位和弦等手法来增加和声的趣味性和复杂性。 色彩与情绪： 探讨和弦的色彩属性。我们将分析不同和弦组合所带来的情绪感受，例如“小调的忧郁”是如何通过特定的和弦进行来体现的，以及如何利用变化和弦（如增六和弦、减五和弦）来创造出戏剧性的色彩变化。 第三章：旋律与和声的对话——共生与张力 音乐的真正魅力，在于旋律与和声之间精妙的对话。本章将重点探讨旋律与和声如何相互影响、相互支持，以及它们之间的张力如何驱动音乐的能量。 旋律对和声的影响： 分析旋律音如何与伴随的和弦音发生关系，区分协和与不协和音程。我们将学习如何通过旋律线的流动来“引导”和声的走向，以及如何利用旋律中的“非和弦音”（如经过音、挂留音、倚音）来增加和声的色彩和动态。 和声对旋律的塑造： 理解和声背景如何决定旋律音的情感色彩。例如，同一个旋律音在不同的和弦伴奏下，可能产生截然不同的感受。我们将探讨作曲家如何利用和声的“预示”作用，来增强旋律的吸引力。 协奏与对抗： 探索旋律与和声之间既有合作又有冲突的动态关系。我们将分析如何利用和声的“悬置”和旋律的“解决”来制造音乐的张力，以及这种张力如何最终得到释放，带来聆听上的满足感。 调性内的自由与约束： 在固定的调性框架内，旋律与和声如何同时保持稳定性和新鲜感。我们将研究作曲家如何在遵循基本规则的同时，巧妙地运用变化和弦、平行和弦、离调等手法，为音乐增添惊喜。 第四章：情感的调色板——旋律与和声的心理学 音乐之所以能触动人心，是因为它能够唤起我们内心深处的情感。本章将从心理学的角度，探讨旋律与和声是如何与我们的感知机制相互作用，从而产生丰富的情感体验。 音高感知与情感联结： 探索不同音高、音程和旋律模式如何与我们的情绪状态产生关联。例如，高亢的音高通常与兴奋、快乐相关，而低沉的音高则可能引发悲伤或严肃。 节奏与情绪的共振： 分析节奏模式如何影响音乐的情绪表达。快节奏的音乐可能带来活力和兴奋，慢节奏则可能营造出宁静或忧郁的氛围。我们将探讨节奏与旋律、和声的配合，如何共同塑造音乐的整体情感。 和声的功能性与情感预测： 理解我们大脑如何通过和声的进行模式来预测音乐的走向，以及这种预测的实现或打破如何影响我们的情感体验。例如，属七和弦强大的解决倾向，似乎预示着某种“归来”或“稳定”，当这种预示得以实现时，会带来一种满足感。 音乐的叙事性： 探讨旋律与和声如何共同构建音乐的叙事。即使没有歌词，一段精心编排的音乐也能讲述一个故事，引发听众的想象。我们将分析作曲家如何利用旋律的起伏、和声的色彩变化、节奏的推进等手段，来营造出音乐的戏剧性，引导听众的情感体验。 第五章：创作的实践——从灵感到乐谱 理论知识的最终目的是服务于创作。本章将结合前几章的理论，提供一些切实可行的创作思路和方法，帮助音乐爱好者将抽象的乐理转化为生动的音乐作品。 灵感的捕捉与激活： 提供多种激发创作灵感的方式，例如从生活片段、画面、故事出发，或通过即兴演奏来寻找旋律动机。 旋律的生成与打磨： 介绍不同的旋律创作技巧，包括如何基于和弦进行创作旋律，如何发展和优化一个初步的旋律动机，以及如何运用各种节奏和音程变化来丰富旋律。 和声的配置与变化： 学习如何为现有的旋律配置合适的和声，以及如何通过加入属七、变化和弦、离调等手法来增强和声的色彩和表现力。 结构与形式的构建： 探讨简单的歌曲结构（如主歌-副歌）以及更复杂的器乐曲形式。我们将学习如何组织音乐材料，形成有逻辑、有吸引力的整体。 工具与技巧： 介绍一些有用的创作工具和技巧，包括使用乐器进行创作、利用音乐软件辅助编排、以及如何从优秀作品中汲取养分。 结语 《乐音织梦：洞悉旋律与和声的艺术》旨在为读者提供一个深入理解音乐创作核心的视角。我们相信，掌握了旋律与和声的内在规律，便如同掌握了打开音乐之门的关键。本书希望激发更多人对音乐创作的热情，无论你是初学者还是有一定基础的音乐爱好者，都能从中获得启发，用音符编织出属于自己的音乐梦想。音乐的旅程永无止境，愿本书成为你探索这段奇妙旅程中的得力助手。

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这是一本真正能帮助你跨越“写出能听的旋律”到“写出有灵魂的歌曲”鸿沟的著作。它的视角非常现代，没有过度拘泥于僵硬的传统规则，而是将重点放在了如何在当下的音乐环境中保持个性和创新性上。我特别关注了其中关于“声音设计与歌曲的融合”的章节，这在许多传统的乐理书中是极少触及的深度。作者强调了音色选择、混响处理等制作层面的决策如何反过来影响到旋律和和声的感知，这是一个非常高级的视角。它让我意识到，一首歌的“好坏”往往是作曲、编曲和制作三者相互交织的结果。对于那些已经掌握了基础，但作品听起来总感觉“干巴巴”的创作者来说，这本书提供了打通任督二脉的思路。它鼓励我们像对待雕塑一样对待音乐的每一个元素，确保它们在整体结构中都发挥着不可替代的作用。

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这本书的语言风格简直是教科书级的典范，行文流畅，逻辑严密到让人惊叹。它给人的感觉就像是跟随一位经验丰富、知识渊博的导师在进行一对一的私教课。最让我印象深刻的是它在讨论“节奏型与律动感”时的细腻笔触。它没有用冰冷的数学公式来定义重音和切分，而是用生动的比喻来解释“摇摆感”（Swing）和“推进力”（Groove）是如何在听众的潜意识中建立联系的。很多时候，我们感觉一首歌“对味”，但说不出来原因，这本书就给出了清晰的答案。它将听觉的体验转化为可以分析、可以复制的步骤，这对于希望提升自己作品“感觉”的制作人来说，价值无可估量。此外，书中还穿插了一些关于“听力训练”的建议，鼓励读者多去模仿和拆解那些公认的经典作品，这种“学中做、做中学”的理念，极大地激发了我的学习热情。

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这本乐理入门书真是让我大开眼界，尤其是它对基础和弦进行逻辑的阐述，简直是把原本枯燥的理论知识点变成了一张清晰的导航图。我一直以为作曲是一门玄学，需要天赋，但这本书让我明白，这其中蕴含着严密的逻辑和可以学习的规律。它不是简单地罗列各种音符和节奏型，而是深入剖析了旋律如何与和声进行有效的互动，那种感觉就像是突然被授予了一把解读音乐密码的钥匙。作者的叙述方式非常注重实践，每讲解一个概念，都会立刻提供几个可以实际操作的例子，这对于我这种偏爱动手实践的初学者来说，无疑是最好的学习方式。我特别喜欢它对“情绪驱动”的强调，它提醒我们技术只是工具，最终的目的是用音乐去表达内心深处的感受，这让我对未来的创作有了更明确的方向感。这本书的排版也十分友好，图示清晰，标注明确，即便是第一次接触这些概念的人也能快速跟上节奏。它建立了一种坚实的基础，让我不再对“如何开始”感到迷茫。

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我对这本书的评价，可以用“结构严谨，兼具启发性”来概括。它在讲解复杂概念时，总是能提供一个多维度的观察视角。比如，在讨论“调性色彩”时，它不仅解释了大小调的区别，还深入探讨了不同调式（如多利亚、弗里吉亚等）在特定文化和情感语境下的微妙差异，这极大地拓宽了我对“情绪调色板”的认知。这本书的论述层次非常清晰，你可以从最基础的音高关系开始，逐步深入到复杂的复调技巧和现代和声扩展。更令人赞叹的是，它在传授“技术”的同时，从未忘记灌输“艺术性”。作者反复提醒读者，规则是用来打破的，但前提是你必须首先精通它们。这种亦师亦友的引导方式，让我感到既被指引又被鼓励去探索未知的领域。读完这本书，我感觉自己不再是那个只会模仿的初学者，而是有了一套可以信赖的工具箱，去构建自己独特的音乐世界。

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说实话，我拿到这本书时，对它的期望值并不高，毕竟市面上的音乐教程汗牛充栋，大多是陈词滥调或者过于学术化。然而，这本书成功地避开了这两个陷阱。它最大的亮点在于对“动机发展”和“结构统一性”的深度探讨。作者没有停留在教你如何写出好听的八小节段落，而是着眼于如何构建一个完整、有张力且能抓住听众的宏大结构。书中对曲式分析的解读非常到位，无论是古典时期的奏鸣曲结构，还是现代流行乐的AABA模式，都被拆解得井井有条，同时又强调了打破常规的可能性。我尤其欣赏它对于“不和谐音的运用”的处理方式，它不是简单地警告我们要小心使用，而是展示了如何策略性地引入冲突，并巧妙地解决冲突，从而达到情感上的高潮。这种深入骨髓的洞察力，让这本书远超了一般的技巧指南，更像是一本关于音乐叙事哲学的深度思考录。读完后，我感觉自己对一首歌曲的“骨架”有了更深刻的理解，不再满足于表面的旋律抓耳。

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