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出版者:Hal Leonard

作者:William F. Lee

出品人:

页数:480

译者:

出版时间:2006-02-01

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634080548

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 摇摆乐
• 美国音乐
• 大乐队
• 音乐史
• 20世纪音乐
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• 音乐欣赏
• 乐队

《美国大乐队》—— 爵士乐黄金时代的辉煌回响 这是一本关于美国大乐队（American Big Bands）音乐及其丰富历史的入门指南。书中深入浅出地剖析了这一音乐形式的起源、发展、鼎盛时期以及其对美国文化和社会产生的深远影响。我们将一同踏上一段穿越时空的音乐旅程，探寻那些塑造了爵士乐黄金时代的传奇乐队、杰出乐手和标志性作品。 第一章：大乐队的诞生：从迪克西兰到摇摆乐的萌芽 本章将追溯大乐队音乐的源头。我们将从20世纪初新奥尔良的迪克西兰爵士乐（Dixieland Jazz）聊起，探讨它是如何逐渐演变，并为后来的大乐队编排打下基础。重点将放在这一时期乐队编制的初步形成，以及早期的音乐家们如何在大胆的即兴演奏和更为规整的管弦乐编制之间寻找平衡。我们将提及一些早期的大乐队先驱，他们的音乐虽然可能还未完全具备后来的“摇摆”特质，但已经展现出大乐队编排的雏形和组织结构。 第二章：爵士乐黄金时代：摇摆乐的崛起与辉煌 这是本书的核心章节，我们将聚焦于20世纪30年代至40年代，大乐队音乐最为辉煌的时期——摇摆乐（Swing Era）的兴盛。本章将详述摇摆乐为何能够风靡全美，成为当时最受欢迎的音乐形式。我们将深入分析大乐队的典型编制，包括铜管组（Trumpets and Trombones）、木管组（Saxophones）以及节奏组（Rhythm Section）的各自特点和相互配合。 我们还将一一介绍那些引领潮流的传奇大乐队。班尼·古德曼（Benny Goodman），作为“摇摆乐之王”，他的乐队是如何将爵士乐带入主流，打破种族界限的。杜克·艾灵顿（Duke Ellington），这位伟大的作曲家兼乐队领袖，他的乐队以其独特的、富有实验性的编曲和高超的音乐造诣著称，我们将剖析他作品中复杂而迷人的音乐结构。坎特·贝西（Count Basie），他的乐队以其强劲的节奏、充满活力的即兴演奏和简洁有力的蓝调风格闻名，我们将探讨他乐队的灵魂所在。格伦·米勒（Glenn Miller），以其旋律优美、易于上口的音乐而受到广大听众的喜爱，我们将分析他乐队成功的秘诀。 除此之外，本书还会介绍其他众多重要的大乐队，例如Fletcher Henderson、Chick Webb、Tommy Dorsey、Jimmy Dorsey、Artie Shaw等，探讨他们各自的音乐风格和对摇摆乐发展的贡献。本章还将深入探讨当时流行的摇摆乐曲目，分析它们的旋律、节奏和编排特色，让读者仿佛置身于那个充满活力的年代，感受摇摆乐的无穷魅力。 第三章：巨匠与乐手：塑造大乐队之声的灵魂人物 音乐的生命在于演奏者。本章将把聚光灯投向那些在大乐队时代涌现出的杰出乐手们。我们将不仅关注乐队领袖，更要深入挖掘那些在各自乐器上技艺超群的独奏家和器乐演奏家。 我们将介绍那些传奇的萨克斯风演奏家，如Coleman Hawkins、Lester Young、Johnny Hodges，他们如何用自己的演奏定义了萨克斯风在爵士乐中的地位。同样，我们将回顾那些叱咤风云的小号手，如Louis Armstrong（虽然他更以独奏闻名，但他的早期经历也与大乐队紧密相连）、Roy Eldridge、Harry James。还有那些在长号、钢琴、贝斯、鼓等乐器上贡献卓越的音乐家。 本书将分析这些乐手的演奏风格，他们如何通过精湛的技巧、独特的音色和富有创意的即兴演奏，为大乐队音乐注入生命力。我们还会探讨乐队内部乐手之间的化学反应，以及他们是如何在有限的编排框架内，通过个人风格的表达来提升整体音乐表现力的。 第四章：大乐队的编曲艺术：科学与创意的完美结合 大乐队音乐的魅力，很大程度上源于其精妙的编曲。本章将深入剖析大乐队的编曲技巧，探讨那些将独立乐器组合成宏大而富有层次的整体的艺术。 我们将讨论不同乐器组之间的音响效果，例如铜管组的嘹亮与木管组的柔和如何形成对比与互补。我们会分析Don Redman、Sy Oliver、Billy May等著名编曲家是如何运用和声、旋律、节奏以及乐器色彩来构建一首首精彩的作品的。本书将介绍一些基本的编曲概念，如“对话”（call and response）、“和弦进行”（chord progression）、“乐器独奏段落”（soli）以及“背景伴奏”（backgrounds）等，让读者了解大乐队音乐的结构之美。 我们将通过具体乐曲的分析，展现编曲家如何巧妙地处理乐句、节奏变化以及整体的情感起伏，使之既有管弦乐的宏伟气势，又不失爵士乐的灵动与自由。 第五章：大乐队与社会文化：时代的回声与印记 大乐队音乐的流行，并非仅仅是音乐本身的成功，它与当时的社会文化紧密相连。本章将探讨大乐队音乐在美国社会中所扮演的角色。 我们将分析摇摆乐如何在经济大萧条时期为人们带来欢乐与慰藉，成为一种重要的娱乐形式。本书还会讨论大乐队与舞厅文化的关系，摇摆乐如何引领了当时的舞蹈风潮，成为社交活动的重要组成部分。 我们还将关注大乐队在第二次世界大战期间的作用。乐队的音乐如何鼓舞士气，成为军队和后方人民的精神支柱。一些乐队甚至会为士兵进行巡演，将音乐带到前线。 此外，本书还会探讨大乐队音乐对电影、广播等媒体的影响，以及它如何成为当时流行文化的重要载体。我们将审视大乐队音乐在打破种族隔阂方面所起到的积极作用，例如一些跨种族乐队的出现，以及它们在当时具有的非凡意义。 第六章：时代的变迁：从大乐队到小乐队的转型 随着时代的变迁，特别是二战后的社会变革，大乐队的流行程度逐渐受到挑战。本章将探讨大乐队音乐的转型与衰落。 我们将分析导致大乐队式微的多种因素，包括战争的影响、音乐品味的变化、录音技术的发展以及新兴音乐风格的出现，如比波普（Bebop）的兴起。比波普以其更快的节奏、更复杂的和声和更自由的即兴演奏，吸引了一部分爵士乐爱好者，也标志着爵士乐进入了一个新的阶段。 本书还将介绍一些在比波普时代依然活跃的大乐队，以及一些乐队领袖如何调整乐队的编制和音乐风格以适应新的潮流。我们也会提及一些大乐队的“复兴”尝试，以及它们在不同历史时期的意义。 第七章：不朽的遗产：大乐队对后世音乐的影响 尽管大乐队的黄金时代已经过去，但它留下的音乐遗产却是不朽的。本章将探讨大乐队音乐对后世爵士乐以及其他音乐风格产生的深远影响。 我们将分析大乐队的编曲思想、演奏技巧以及音乐理念如何被后来的音乐家们继承和发展。从后来的爵士大乐队，到融合爵士（Fusion）、放克（Funk）等风格，都能看到大乐队音乐的影子。 本书还将提及一些当代大乐队的活跃情况，以及它们如何在新时代重新诠释和演绎经典。我们会看到，大乐队音乐的魅力并未随着时间的流逝而消逝，它依然能够触动人心，唤起人们对那个辉煌时代的记忆。 《美国大乐队》旨在为读者提供一个全面、深入且引人入胜的视角，去理解和欣赏这一独特而迷人的音乐形式。本书内容丰富，涵盖了历史、音乐理论、人物故事等多个方面，希望能够成为所有热爱爵士乐、对美国音乐史感兴趣的读者的一本必读之作。

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对于我这种偏爱早期爵士乐，对摇摆时代后期电台流行乐兴趣稍逊的听众来说，这本书的平衡性做得相当出色。它没有过分沉迷于早期的布鲁斯根源，也没有将重点过多地放在商业化最成功的几支乐队上，而是给予了大量篇幅给那些在艺术上探索更深层次和弦结构和节奏变体的“知识分子型”乐队，比如一些与比波普（Bebop）萌芽期有所交叉的团体。书中对音乐理论的阐述恰到好处，足以让非专业人士理解其精妙，又不至于让专业人士感到浅薄。阅读过程中，我不得不频繁地停下来，去寻找那些被提及的、我从未听过的冷门录音，这无疑极大地丰富了我的音乐探索版图。这本书与其说是一本历史书，不如说是一份详尽的、充满激情的“探宝地图”，引导读者深入挖掘美国音乐史上最富有创造力的一个十年。

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这本关于美国大乐队时代的著作，篇幅浩瀚，内容之详实，简直让人惊叹。作者显然是花了数年时间沉浸在那个爵士乐黄金时代的尘嚣之中。我尤其欣赏它对路易斯·阿姆斯特朗早期在新奥尔良的乐队结构如何演变到后来的芝加哥风格的细致描摹。书中不仅罗列了乐队成员的名字和他们演奏的曲目，更深入探讨了经济大萧条对巡演乐团生存环境的严酷影响，以及黑人音乐家在种族隔离制度下所要面对的艰难抉择。我记得有一章专门分析了本尼·古德曼如何打破种族界限，将非裔美国乐手纳入他的室内乐团，那种社会背景下的音乐革新，读起来真是令人心潮澎湃。书中对“摇摆乐”（Swing）的节奏驱动力分析得极为透彻，不再是泛泛而谈，而是从乐谱结构、配器法，甚至是当时录音技术的限制角度，多维度解析了为何那种律动能够席卷美国。对于任何想了解大乐队音乐如何从娱乐大众走向艺术高峰的人来说，这本书提供了无与伦比的深度和广度。

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坦白说，我刚开始翻开这本书时，有点被它的学术气息所震慑。它不像那种轻松的怀旧随笔，更像是一份严谨的音乐史料汇编。作者在处理不同乐队之间的相互影响时，展现出惊人的辨识力。比如，它清晰地勾勒出了格伦·米勒那标志性的、近乎军事化精确度的编曲风格，是如何与杜克·艾灵顿那种更自由、更具管弦乐色彩的即兴氛围形成鲜明对比的。书中的插图和罕见的演出照片，虽然大多是黑白的，却仿佛能将你瞬间拉回到那个灯光昏暗、烟雾缭绕的舞厅里。我特别喜欢它对乐队领导者性格侧写的细腻笔触——他们如何平衡艺术追求与商业市场的需求，如何在战争时期维持士气，那种人性的挣扎和光辉，比单纯的音乐分析要动人得多。唯一让我略感遗憾的是，它对某些二线乐队的介绍略显简略，但考虑到全书的体量，这也许是取舍的必然。总而言之，这是一部为“硬核”爵士乐迷准备的深度报告。

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这本书的叙事风格非常具有画面感，仿佛是作者亲自走访了每一个演出场地，与每一个健在的乐手进行了深入的交谈。它没有那种高高在上的评判姿态，而是充满了对那个时代音乐家深深的敬意和理解。我尤其欣赏它对于技术革新的敏感捕捉。书中详细记录了早期麦克风技术如何开始影响人声和独奏的地位，以及广播电台如何将原本局限于特定城市的音乐影响力扩散到全国乃至全球。那些关于录音室轶事和即兴发挥导致经典片段诞生的描述，读起来津津有味，充满了生动的细节。它让我意识到，许多我们今天听到的“经典录音”，其实是在非常即兴和高压的环境下完成的，这更增添了它们的传奇色彩。这本书成功地将宏大的社会历史背景与微观的音乐制作过程完美地融合在了一起，读起来毫不费力，却处处是干货。

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读完这本书，我最大的感受是，那段历史远比我想象的要复杂、也更光辉灿烂。它不仅仅是关于“好听的音乐”，更是关于一个国家在剧变中的文化脉动。作者在论述战时背景下，大乐队如何成为美国年轻人的精神支柱时，那种情感的投射非常到位。例如，书中详细描述了战地巡演的艰辛，乐手们如何在简陋的条件下为前线士兵演奏，音乐成为了抵抗无聊和恐惧的武器。而且，本书在技术层面上对铜管乐器组、木管乐器组以及节奏部分的相互作用的分析，堪称教科书级别。它让我重新审视了那些耳熟能详的旋律，明白了为什么某些和弦进行会产生那种强烈的推进感。这本书的结构安排也很有匠心，没有采用简单的年代顺序，而是以“地域中心”（如堪萨斯城、纽约哈莱姆区）和“风格流派”交替推进，保证了阅读的节奏感和新鲜感。

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