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出版者:Franklin Electronic Publishers, Inc.

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1996

价格:USD 59.95

装帧:Misc. Supplies

isbn号码:9781567123074

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《寻迹：一段消失在胶片里的光影史诗》 前言 光影，是人类最古老也最璀璨的艺术之一。从洞穴壁画到荧幕上的惊鸿一瞥，我们总在用各种方式捕捉、记录、传递那些转瞬即逝的情感与思想。电影，作为这项艺术的集大成者，更是以其独特的魅力，串联起无数个时代，承载了无数人的梦想与记忆。然而，在每一部被我们奉为经典的影片背后，都隐藏着一段段不为人知的探索、挣扎与创造。那些被时光冲刷、被遗忘在案卷深处的幕后故事，那些影响了电影走向的偶然与必然，它们同样值得被倾听，被铭记。 《寻迹：一段消失在胶片里的光影史诗》便是一次对这些“看不见”的电影史的深度探寻。它不是一部简单的电影评论集，也不是一本枯燥的电影史年表。本书的主旨在于，通过对一系列被忽略却至关重要的电影史片段的挖掘与重构，揭示电影艺术发展的内在脉络，理解那些塑造了我们观影体验，却鲜为人知的关键节点。我们将目光投向那些被主流叙事边缘化的声音，那些被遗忘在技术革新浪潮下的早期探索，以及那些在时代变迁中悄然改变电影语汇的文化碰撞。 我们相信，每一段被遗忘的影史，都如同隐藏在粗糙底片下的一张张珍贵照片，等待着被发掘，被擦拭，被赋予新的生命。本书的目标，就是成为那双能够拨开历史迷雾，重拾胶片背后真实温度的眼睛。 第一章：默片时代的“声音”与“色彩”—— 被误解的先锋 当人们谈论默片时代，脑海中浮现的往往是黑白影像、无声表演以及粗犷的剧情。然而，在那个被简单概括的时代，早已存在着对“声音”与“色彩”的早期尝试，它们深刻地影响了后来的电影发展，却常被掩盖在技术的进步之下。 许多人可能不知道，在有声电影正式普及之前，就已经有大量实验性的“配乐”与“音效”尝试。这些并非简单的现场乐队演奏，而是将录音技术运用到电影放映中的早期探索。例如，一些制片厂曾尝试为特定影片录制同步的配乐，甚至模拟简单的对话与环境音效，尽管效果粗糙，技术也尚未成熟，但这种对“听觉体验”的追求，为后来的有声电影奠定了基础。这些早期的技术难题，如声画同步的困难，录音设备的笨重，以及昂贵的成本，都曾让这些“声音”实验一度陷入停滞。我们将在这一章中，深入挖掘那些在当时被视为“异类”的声音实验者，他们的勇气与远见，以及他们所遭遇的困境。 同样被忽视的，是默片时代对“色彩”的运用。虽然我们熟知的默片是黑白的，但实际上，色彩早已以多种方式融入其中。从最初的手绘上色，到后来的染色（Tinting）与双色印刷（Toning），电影工作者们一直在探索如何用色彩来表达情感，渲染气氛。例如，通过给画面染上暖色调来表现温暖与幸福，用冷色调来烘托悲伤与压抑。这些色彩的应用，并非简单的装饰，而是电影早期叙事语言的重要组成部分。本章将带你重温那些色彩斑斓的默片片段，分析不同色彩在默片中的象征意义与情感传递，还原一个比我们想象中更为丰富多维的默片时代。我们将考究那些在当时负责色彩设计的技师们，他们的创作理念与艺术实践，以及这些早期色彩探索如何为后来的彩色电影铺平道路。 第二章：好莱坞黄金时代的“幕后操盘手”—— 被忽略的编剧与剪辑师 好莱坞黄金时代，是无数影迷心中的圣殿。我们熟知那些耀眼的明星，传奇的导演，但真正构建起一部电影灵魂的，往往是那些隐藏在聚光灯之外的编剧与剪辑师。他们的智慧与创造力，才是将零散的片段编织成引人入胜故事的关键。 在那个剧本为王的年代，编剧们的贡献远不止于创作故事情节。他们是情感的挖掘者，是人物的塑造者，更是电影思想的先驱。然而，许多编剧的署名权和话语权往往被忽视，他们的名字可能不如导演响亮，但他们笔下的每一个字，都可能决定一部电影的成败。本章将聚焦于那些在好莱坞黄金时代默默奉献的杰出编剧，比如那些在早期风格化剧本创作上的突破，或是那些在审查制度下巧妙规避限制，却能传递深刻内涵的写作者。我们将分析他们的创作手法，探讨他们如何在有限的框架内，创造出无限的想象空间。我们还会回溯一些著名电影的剧本创作历程，揭示那些被修改、被放弃，最终成就经典的“灵感瞬间”。 剪辑师，更是被誉为“电影的第二导演”。在他们手中，无数的镜头被赋予生命，时间的流动被重新定义，情感的节奏被精准掌控。蒙太奇的革命性发展，正是剪辑艺术不断突破的最好证明。然而，在许多观众眼中，剪辑似乎只是将镜头简单地串联起来。本章将深入解析剪辑师如何通过对镜头顺序、时长、节奏的精妙安排，来营造影片的悬念，深化人物的情感，甚至引导观众的心理。我们将选取一些具有里程碑意义的剪辑案例，分析其背后的剪辑理论与实践，理解那些看似“不经意”的剪切，实则蕴含着多么深刻的艺术考量。我们将还原一些剪辑室里的“斗争”，探讨导演与剪辑师之间的合作与博弈，以及最终诞生的那些令人拍案叫绝的剪辑手法。 第三章：新浪潮的“反叛者”与“实践者”—— 那些未被记录的实验 欧洲电影新浪潮，是电影史上一次轰轰烈烈的艺术革命。然而，当我们谈论法国新浪潮、意大利新现实主义时，往往聚焦于其代表人物和标志性作品。但在这场革命的浪潮之下，还涌动着无数更具前瞻性、却未被广泛记录的实验。 许多新浪潮的“反叛者”不仅仅满足于打破传统叙事模式，他们还在探索新的拍摄手法、新的影像语言。例如，一些独立电影人开始尝试手持摄影，以更贴近现实的视角捕捉生活；另一些则大胆运用非线性叙事，打破时空的限制，挑战观众的观影习惯。这些实验性的拍摄方式，最初可能并不被主流接受，甚至被视为“粗糙”或“不专业”，但它们却为后来的电影创作注入了新的活力。本章将挖掘那些在当时被视为“激进”的拍摄技法，分析它们的起源、发展以及对后世电影的影响。我们将深入探访那些不为人知的独立制片项目，了解他们在资源匮乏的情况下，如何通过技术创新来实现艺术构想。 “实践者”则是那些将新浪潮的理念转化为具体影像的行动者。他们可能没有光鲜亮丽的背景，但他们对电影的热爱与执着，却推动了电影艺术的进步。本章将着重展现那些在幕后默默耕耘的实践者，比如那些为新浪潮电影提供了关键技术支持的摄影师，他们如何在艰苦的条件下，创造出具有时代特征的影像风格；又比如那些在后期制作中，为影片注入独特魅力的声音设计师，他们如何用声音来弥补视觉的不足，或者增强画面的感染力。我们将通过他们的视角，重新审视那些经典新浪潮电影的制作过程，揭示那些隐藏在光鲜作品背后的辛勤付出与创新思维。 第四章：东方电影的“隐匿力量”—— 那些被忽视的文化对话 当我们讨论世界电影史，西方电影往往占据着主导地位。然而，东方电影，特别是东亚地区，早已孕育出独具魅力的电影文化，并对世界电影产生了深远的影响，只是这种影响常常被低估或忽视。 本章将把目光投向东方电影的“隐匿力量”。我们将探讨一些在西方视角下容易被忽略的电影类型和艺术传统，例如中国传统戏曲对电影表演的影响，日本武士道精神在电影中的体现，以及印度歌舞片所蕴含的独特叙事结构。这些文化元素，并非简单地被搬上银幕，而是与电影艺术相互融合，形成了独树一帜的电影风格。我们将深入分析这些东方文化如何渗透进电影的叙事、人物塑造、视觉呈现等方面，并探讨它们如何在特定历史时期，成为连接不同文化的重要桥梁。 更重要的是，我们将揭示东方电影与西方电影之间的“文化对话”。这些对话并非总是显而易见，很多时候是潜移默化的。例如，一些早期东方电影的叙事技巧，可能影响了西方电影对时间与空间的表现；而西方电影的工业化生产模式，也曾启发了东方电影的制作体系。本章将聚焦于那些具体的“交流”案例，通过梳理跨文化的影响路径，来展现东方电影在全球电影版图中的重要地位。我们将考究那些在特定时期，跨越国界的电影人之间的交流与学习，以及由此催生的那些具有创新意义的电影作品。 结语 《寻迹：一段消失在胶片里的光影史诗》是一次向历史致敬的旅程。我们试图在浩瀚的电影史星河中，寻找那些被遗忘的星光，它们虽然微弱，却共同点亮了电影艺术前进的道路。本书并非试图颠覆已有的电影史观，而是希望在已有的基础上，增添更丰富的细节，挖掘更深层的意义。 每一部伟大的电影，都是无数人心血与智慧的结晶。它们不仅仅是娱乐产品，更是时代的镜子，是人类情感的载体，是思想的碰撞。通过对这些“看不见”的电影史的重温，我们希望能够让读者对电影艺术产生更深刻的理解，重新审视那些我们习以为常的银幕景象，并从中发现更多关于人性、关于时代、关于艺术的宝贵启示。 希望本书能够成为一把钥匙，开启您通往更广阔、更深邃的电影世界的大门，让您在每一次观影时，都能感受到那段消失在胶片里的，真正属于人类的，光影史诗。

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这本书给我的冲击，更多来自于它那种近乎哲学层面的探讨。它很少纠结于某部电影的票房或奖项，而是反复追问一个核心问题：电影，作为一种叙事媒介，它究竟是如何构建我们对“真实”的理解的？作者用极为精炼的语言，剖析了镜头的“凝视”是如何构建权力关系，剪辑的“跳跃”是如何重写时间逻辑。我读到一半时，不得不停下来，合上书本，思考自己过去数十年观看无数电影时，那些无意识接受的叙事陷阱。这种被“唤醒”的感觉是极其强烈的，就像一个长期生活在洞穴里的人，突然被带到了阳光下，看到了事物的本色。这本书的结构安排也极具匠心，它不是线性的，而是螺旋上升的，每一次回归一个主题，都带着更深一层的理解。它不是一本轻松的读物，需要全神贯注，但你所付出的每一分心力，都会以数倍的洞察力回报给你。看完后，我感觉自己拿到了一把万能的钥匙，可以打开任何一扇电影的门，不再是门外徘徊的过客。

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我通常对这类带有“深度解析”标签的书籍抱有怀疑态度，因为很多作者要么是故作高深，要么是信息堆砌。但《MovieViews》完全打破了我的固有印象。它最吸引我的地方在于，作者并没有把自己放在一个高高在上的批评者位置上发号施令，反而更像是一个经验丰富的向导，带着我们这些影迷一起探索。书中穿插了大量作者本人在片场或与导演交流时获得的一手资料和轶事，这些细节生动得就像电影本身。我记得有一段描述某位著名导演在拍摄一场雨戏时，为了捕捉到那种“恰到好处的绝望感”，是如何坚持等待了三天，只为了那几秒钟的完美光线和湿度。这种对细节的执着和对艺术完美的追求，通过文字被完美地传达了出来。读着这些故事，我感觉自己仿佛置身于那个创作的熔炉之中，明白了伟大的作品背后，是无数个看似微不足道的坚持累积而成。这本书的价值，不光在于教你如何“看”电影，更在于让你懂得如何“尊重”电影的诞生过程。

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这部《MovieViews》的出版，简直是为我这种老影迷量身定做的惊喜！我得说，从拿到书的那一刻起，那沉甸甸的质感就让人心生敬意。它不像市面上那些轻飘飘的、只罗列了简单剧情简介和几张剧照的“观影指南”。不，这本书深入到了电影制作的骨髓里，它探讨了光影如何被捕捉，声音如何被设计来操控观众的情绪。我尤其欣赏作者在分析经典黑白电影镜头语言时所展现出的那种近乎偏执的细致入微，他能将一个简单的推轨镜头，拆解出背后的时代背景、导演的个人哲学，乃至当时摄影器材的局限性如何意外地造就了某种美学风格。读到他解析某位大师如何通过布景的细微变化来暗示角色的心理轨迹时，我几乎是屏住了呼吸。这不仅仅是评论，这是一种对艺术创作过程的深层致敬和解剖，它让我意识到，自己过去所理解的“看电影”，可能只停留在表面。这本书迫使我重新审视自己收藏的那些老胶片，每一次重温，都有了全新的、更丰富的层次感。对于那些真正热爱电影艺术，想从“观众”升级为“鉴赏家”的人来说，这本书简直是案头必备的圣经。

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如果非要挑一个这本书最出彩的地方，我认为是它在跨媒介叙事分析上的大胆尝试。它不仅仅局限于传统的胶片电影，而是将目光投向了早期默片与舞台剧的继承关系，以及当代数字影像技术对传统电影美学的颠覆与重塑。作者非常敏锐地捕捉到了“媒介形态”变化对“内容表达”的内在影响。例如，书中对比了35毫米胶片颗粒的随机性和数字像素的绝对精确性，是如何分别影响了观众对现实的感知和记忆的构建。这种宏大的历史视野和对最新科技的关注相结合，使得这本书读起来既有历史的厚重感，又不失对未来的前瞻性。特别是关于“沉浸式体验”的章节，作者并没有一味唱衰，而是深入探讨了虚拟现实技术如何可能催生出一种全新的、与观众深度互动的叙事结构。对于我这种不仅喜欢经典，也热衷于追踪前沿技术的观众来说，《MovieViews》提供了一个罕见的、能够整合过去与未来观影体验的思考框架。

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说实话，刚翻开《MovieViews》的时候，我有点担心它会陷入那种故作高深的学院派术语泥潭，毕竟很多专业书籍读起来就像在啃硬邦邦的石头。但出乎意料的是，作者的文笔极其流畅且富有画面感，他懂得如何在保持专业深度的同时，用最贴近生活的比喻来阐释那些复杂的电影理论。比如，他对蒙太奇手法的讲解，不是简单地搬出爱森斯坦的公式，而是把他比喻成一位“节奏大师”的指挥棒，如何通过片段的快速剪切，瞬间完成空间和时间的压缩，那种描述让人仿佛能听见画面的撞击声。更值得称赞的是，这本书并未将注意力局限于好莱坞主流叙事，它花了相当大的篇幅去介绍和梳理那些被主流历史遗忘的、来自不同文化背景的独立电影制作人的独特视角和实验精神。我特别喜欢其中关于“声音景观”的一章，它详细描述了如何通过环境音的层次叠加来构建一个世界的真实感，这比单纯听配乐要震撼得多。读完这一部分，我开始对那些只有环境音的空镜头产生了前所未有的敬畏感。它成功地将理论的严谨性与阅读的愉悦性完美地结合在了一起。

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