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出版者:文藝春秋

作者:高峰秀子

出品人:

页数:283

译者:

出版时间:1997/10

价格:0

装帧:

isbn号码:9784167587017

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好的，这是一份关于一部名为《古都风物志》的图书简介，内容力求详实、地道，避免任何AI痕迹，字数控制在1500字左右： --- 《古都风物志》：一卷流淌着时光与人情的京都画卷 卷首语：在黛瓦白墙间，捕捉消逝的“物哀”之美 京都，这座被时间温柔以待的城市，不仅是历史的活化石，更是无数故事、气味、光影与情感的容器。我们习惯于将目光投向那些金碧辉煌的寺庙，庄严肃穆的庭院，然而，真正的京都，往往藏匿于转角巷陌的细微之处。 《古都风物志》并非一部标准的旅游指南，它更像是一部由无数细小切片拼接而成的城市记忆录。作者以极具耐心和温度的笔触，深入那些被现代都市喧嚣逐渐淹没的角落，用近乎于田野调查般的细致，记录下京都独有的“风物”——那些随季节更迭而变化、随匠人技艺传承而延续的物质与精神遗产。 本书的精髓，在于对“物哀”（もののあわれ）哲学的细腻捕捉。它不歌颂宏大的历史叙事，而是聚焦于事物自然凋零、美感流逝中的那一抹淡淡的忧伤与敬意。从黎明时分鸭川河岸上晾晒的渔网，到深夜里祇园深处传来的三味线声响，每一笔都饱含着对“当下即永恒”的珍视。 --- 第一部：烟火气息中的日常美学——“町家”的呼吸 本书的第一部分，将读者带入京都传统民居“町家”（町屋）的内部世界。町家，这种狭长而深邃的木结构建筑，是京都城市肌理最核心的组成部分。 木的温度与声音： 作者花费大量篇幅，细致描摹了町家内部材料的选择与运用。冬日里，日式纸拉窗“障子”透进来的柔和光线如何改变室内色彩的层次；木制格子“虫笼窗”如何过滤外界的喧嚣，只留下节奏分明的雨声。我们得以窥见，一块世代相传的榻榻米，其草编的纹理如何因年岁增长而记录下主人的生活轨迹。 生活中的仪式感： 介绍部分并非空泛地谈论美学，而是深入日常的场景。例如，对京都人早晨如何在家门口的“犬矢来”（狗栏）旁进行简单的洒水清洁的描绘；对冬日里如何生火取暖，使用“火钵”与“地炉”的习俗的详尽考证。这些细微的动作，构成了京都人处理与环境关系的独特方式。 消失中的“生垣”与庭院： 书中特别辟出章节，记录了京都城内日渐稀少的传统围墙与微型庭院。这些被精心修剪的灌木、苔藓覆盖的石阶，是城市中难得的自然喘息空间。作者通过采访几位年迈的园丁，展现了修剪一棵松树所需要遵循的古老规矩和对树木生命力的尊重。 --- 第二部：流动的“季语”——四季的馈赠与职人的坚守 京都的生命节奏完全由四季主导，而《古都风物志》的第二部分，则是一部活生生的“季语”辞典，重点考察了这些季节更迭中对传统手工艺和饮食文化的冲击与延续。 春日·薄红色的传承： 樱花盛开的季节，人们不再只关注名胜地的拥挤人潮。作者将视角转向传统和果子铺，记录了制作“八重樱”主题和果子时，那转瞬即逝的粉色是如何被糖和豆沙精准捕捉的。同时，书中详述了春季限定的“京野菜”如竹笋的采摘与处理过程，及其独特的土腥气如何融入当季的料理中。 夏日·风的哲学： 酷暑难耐的京都，风扇尚未普及之时，人们如何利用“风铃”与“蚊帐”来创造清凉的幻觉。作者深入探访了制造传统和纸风铃的工匠，解析了不同材质的纸张如何发出最令人心安的音色。同时，关于夏季祭典上，那些世代相传的祭服清洗与保养的秘辛，也首次被系统地记录下来。 秋日·染色的记忆： 秋季的红叶是京都的盛景，但本书更关注的是“染”的艺术。对传统“京友禅”染色的追踪，揭示了从植物中提取特定色泽所需的繁复工序，以及这种颜色在服饰上的持久生命力。 冬日·等待与内敛： 寒冬，城市归于沉寂。这一部分重点探讨了冬季的“保存”哲学，例如腌渍蔬菜“渍物”的制作，以及围炉夜话中，长辈向后辈讲述家族故事的场景。这种对漫长等待的耐性，是京都人精神内核的一部分。 --- 第三部：巷陌深处的“声音地图”——无名者的肖像 本书的第三部分，从宏大的建筑转向微小的人物，构建了一张京都人情网络的“声音地图”。它收录了十几位在特定领域默默坚守的“无名”职人访谈录。 卖鱼阿婆的吆喝： 记录了锦市场一位年近八旬的鱼贩，她独特的、带有地域口音的叫卖声，以及她如何通过声音判断顾客的需求。这声音，是市场活力与个体记忆的载体。 寺庙钟声的频率研究： 并非所有寺庙的钟声都是一样的。作者与一位钟表修复师合作，测量并记录了城内数个重要寺庙的梵钟在不同天气下的音高变化，试图还原钟声在过去不同历史时期中的社会功能。 手艺人的“失言”与“沉默”： 访谈中，很多传统匠人拒绝用华丽的辞藻来形容自己的工作。他们的话语往往简短、精确，甚至带着一种疏离感。作者将这些“沉默”本身视为一种表达，是他们对技艺专注到极致后的自然流露。例如，一位制作漆器微小部件的匠人，他认为自己只是“工具的延伸”，而不是创造者。 --- 结语：在寻常之中，体悟不寻常的深邃 《古都风物志》是一次对“慢”的回归。它邀请读者放慢脚步，去倾听石板路上的水流声，去辨认不同季节里，柴火燃烧时散发出的木材气味。 这不是一本提供答案的书，而是一张邀请函——邀请你亲自走进京都，用自己的感官去重新校准你对“传统”、“美”以及“生活”的理解。在那些被轻易忽略的日常细节中，潜藏着一个伟大文明最坚韧、最动人的底色。 ---

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这本书在文献梳理和跨学科对话方面做得尤为出色，这一点对于严肃的学术研究者来说是极大的福音。它清晰地展示了日本的现代艺术思潮如何与西方的思潮进行碰撞、吸收与再创造的过程。我尤其关注到作者如何巧妙地引用了当时的美学期刊和私人信件，这些一手资料的引入，极大地增强了论证的说服力。它不仅仅停留在对作品形式的分析，而是深入挖掘了支撑这些形式背后的哲学基础，比如对“物派”美学中“场所”概念的探讨，可以说是鞭辟入里。书中对于不同艺术流派之间的张力与相互影响的分析也处理得十分到位，避免了将艺术史线性的、进步式的理解。唯一的遗憾是，在关于艺术品修复和保存技术的部分，篇幅略显单薄，或许是作者的关注点不在于此，但对于全面理解艺术的物质性而言，稍感不足。总而言之，这是一部极具参考价值的严肃著作，其深度和广度都令人印象深刻。

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我对这本书的整体印象是，它提供了一个相当独特的、近乎散文化的视角来审视特定年代的文化现象。与其说它是一本严格意义上的艺术史专著，不如说它更像是一系列围绕着“美学觉醒”主题的精妙随笔集。作者的笔触非常细腻，尤其擅长捕捉那些稍纵即逝的氛围感。比如，书中对战后初期东京街景和画廊空间氛围的描绘，那种混合着颓废与新生的复杂情绪，被捕捉得极其到位。我欣赏它在论述中展现出的那种克制而深沉的个人情感投入，它没有试图建立一个宏大的、一元的解释体系，而是更倾向于展示不同个体在面对时代剧变时所做出的美学反应。这本书的优点在于其强烈的画面感和哲思的穿透力，它迫使你慢下来，去思考“观看”行为本身在特定历史语境下的意义。虽然某些章节的逻辑跳跃性较大，但我认为这正是其魅力所在——它鼓励读者主动参与到意义的建构中，而不是被动接受既定的结论。

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这本关于日本艺术史的书简直让我爱不释手，尤其是它对战后抽象表现主义运动的剖析，简直是教科书级别的深度。作者的叙事方式非常引人入胜，不是那种干巴巴的学术论述，而是充满了对艺术史转折点上那些关键人物和思想火花的敏锐洞察。我特别喜欢它如何将文化背景和社会思潮与具体的艺术实践联系起来，让你能真切感受到那个时代艺术家的挣扎与创造力。比如，对于早期前卫艺术团体在战后日本文化真空中的崛起，书中描绘得栩栩如生，那些激进的宣言和展览的混乱与激情，仿佛就在眼前。而且，作者对于一些边缘化艺术家的关注也值得称赞，打破了传统艺术史中只有寥寥数人的狭隘视角，展现了那个时期艺术生态的丰富性和复杂性。阅读过程中，我感觉自己不只是在学习知识，更是在进行一次深入的文化考古，每一次翻页都能发现新的惊喜和值得深思的论点。这本书无疑为我理解日本现代艺术的脉络提供了极其坚实的基础，其严谨的考证和流畅的文笔，使其成为我案头必备的参考书。

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这本书的语言风格非常具有个人色彩，读起来让人感觉像是在听一位资深的美术史家娓娓道来他毕生的研究心得，充满了热忱与洞见。它最打动我的地方在于其对“情感的物质化”这一主题的执着探寻。作者似乎对艺术品如何承载和传递人类复杂情感有着近乎偏执的兴趣，并通过大量的案例分析来支撑这一观点。我发现书中关于色彩理论和光影处理在特定流派中的应用分析非常精妙，很多我以往只是凭感觉去欣赏的作品，通过书中的解析，瞬间获得了更深层次的理解，仿佛打开了新的观看维度。不过，对于初次接触该领域背景知识的读者来说，开篇的专业术语可能会构成一定的门槛，需要耐心消化。但一旦跨过这个门槛，接下来的阅读体验将是极其丰厚和令人满足的。这本书绝非快餐读物，它值得反复咀嚼和深思。

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说实话，这本书的阅读体验是充满挑战和惊喜交织的。作者的叙事节奏非常大胆，有时候会突然从宏大的时代背景一下子切换到某个微小的展览细节，这种跳跃感一开始让我有些措手不及，但很快我就被其构建的独特阅读“迷宫”所吸引。它像是一部侦探小说，引导你沿着线索去拼凑一个逐渐清晰的艺术图景。我最喜欢它对“失败”和“未完成”作品的关注，这与主流叙事中总是聚焦于成功和代表作的倾向形成了鲜明对比，它揭示了艺术创造过程中那些被历史遗忘的、却同样重要的探索。这本书的排版和插图质量也值得称赞，那些高分辨率的彩色图片，完美地还原了原作的质感和色彩氛围，对于视觉艺术的研究来说至关重要。它成功地将晦涩的理论与鲜活的艺术实践完美地结合起来，让那些原本遥不可及的艺术概念变得触手可及。

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