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キーワード事典編集部編/映画の音を聴く、ドラマが紡ぐ音楽、そこから逸脱する音楽。音楽が生みだす映像、トーキーの誕生から様々な音楽がノンジャンルに交錯する現代まで、音楽から映画を読み解くための試みに満ちた映画ガイド！・音楽による映画史、映画音楽と出会うための巨匠たち、ミュージカル～映画を彩る音楽の饗宴、映画音楽の古典と音楽の肖像、映画音楽の冒険ほか/写真多数収録
日本映画史における音響の探求：静寂と響きが織りなす映像美学 本書は、日本映画の黎明期から現代に至るまでの音響、音楽が果たしてきた役割と、それが映像表現にもたらした影響を深く掘り下げた論考集である。単なる劇伴の解説に留まらず、音響設計、録音技術の変遷、さらにはサイレント期からトーキーへの移行期における劇場の空間そのものの変化までを射程に入れ、日本映画史における「聴覚」の重要性を再構築する。 第一章：無音から音へ—サイレント期の残響と活動弁士の役割 日本映画の草創期、映像は「無音」ではなかった。活動写真という形態が生まれた当初から、そこには常に音が伴っていた。活動弁士（活動写真の説明者）の存在は、西洋における字幕やナレーションとは一線を画す、日本独自の音響体験であった。彼らは物語の語り手であると同時に、効果音や音楽的なイントネーションを声で表現する「生きた音響装置」であった。 本章では、無声映画時代における音の生成メカニズムを詳述する。活動写真館の構造、弁士の口調の地域差や流派、そして活動写真の伴奏楽団（楽士）がどのように楽譜を用いて即興的な音楽を生成していたかに焦点を当てる。特に、欧米から輸入されたフィルムに対する日本独自の音響的翻訳作業の様態は、その後の日本映画の音響的感性、例えば「間」の取り方や情緒的な強調の方法論に、いかに根源的な影響を与えたかを考察する。 第二章：トーキー革命と音のリアリティ—溝口健二と小津安二郎の聴覚的アプローチ 1930年代初頭のトーキー導入は、映画製作に革命をもたらしたが、日本の映画制作者たちは、欧米の音声優先のスタイルをそのまま模倣するのではなく、独自の受容と変容を遂げた。 溝口健二の作品群、特に『雨月物語』や『祇園囃子』における音響設計は特筆に値する。彼は、セリフの明瞭さよりも、環境音、風の音、雨音といった「非言語的音響」を極めて重視した。溝口作品の湿潤な空気感は、緻密に計算されたリバーブ（残響）と環境ノイズのレイヤーによって成立しており、それは物語の心理描写と不可分であった。 対照的に、小津安二郎の作品群に見られる音の使い方は、その「静けさ」に特徴がある。小津映画では、多くの場合、音は極限まで抑制され、セリフも淡々と進行する。しかし、この極度の静寂の中では、障子の開閉音、茶碗が置かれる音、遠くの列車の汽笛といった、生活に根ざした「生活音」が、観客の注意を強く惹きつける装置として機能する。この本章では、二人の巨匠が「音の不在」や「生活音の強調」を通じて、いかに日本の美意識と家族のドラマを表現したのかを、当時の録音技術の制約と照らし合わせながら分析する。 第三章：戦時下の音響統制と戦後の復興—プロパガンダと個人の音 第二次世界大戦期、音響は国家的な統制下に置かれ、映画音楽や効果音は、国民の士気を鼓舞するためのプロパガンダ装置として機能した。大仰なマーチ、英雄的なナレーションが主流となる中で、個人の内面を描く音響表現は抑制された。 戦後、映画産業が再建される過程で、音響の役割は再び個人の心情描写へと回帰する。特に、木下惠介や成瀬巳喜男といった監督たちは、戦後の混乱期における市井の人々の繊細な感情を描写するために、より内省的で繊細な音響テクスチャを追求した。 この時期に注目すべきは、劇伴音楽家たちの功績である。例えば、伊福部昭が特撮映画にもたらした独自のオーケストレーション手法が、既存のハリウッド的なスコアリング手法からどのように日本的な響きを生み出したのか。また、日本独自の楽器法や音階を用いた音楽が、いかに戦後の「再構築」の象徴として機能したかを検証する。 第四章：ジャンル映画における音響の特化—怪奇・SFと音楽の役割 映画ジャンルは、それぞれ異なる音響的要求を持つ。本章では、特に日本の「怪談映画」と「特撮・SF映画」における音響の特異性に焦点を当てる。 怪談映画、とりわけ東宝や大映の作品群において、音響は「見えない恐怖」を具現化するための核心的な技術であった。ここでは、明確な音楽よりも、非現実的な空間を作り出すための高度な効果音処理が重要となる。例えば、幽霊の気配を表現するための微細な周波数の操作や、空間の歪みを聴覚的に表現する手法について詳述する。 一方、特撮映画の分野では、ゴジラやキングギドラといった巨大怪獣の登場シーンにおける「音のスケール感」の構築が主題となる。伊福部昭の音楽が、その力強いブラスセクションや打楽器の処理によって、いかに西洋の怪獣映画とは一線を画す、日本的な「自然の脅威」としての音像を作り上げたのかを詳細に分析する。 第五章：現代日本映画の音響—多層化する音響空間とデジタル技術の受容 1980年代以降、デジタル録音技術とミキシング技術の進化は、映画音響の可能性を飛躍的に拡大させた。この章では、特に北野武や黒沢清といった現代の監督たちが、デジタル技術をどのように駆使し、独自の音響世界を構築しているかを考察する。 北野作品に見られる、意図的な「音の真空地帯」の構築や、唐突に挿入されるポップミュージックの使い方は、物語の叙述とは独立した、観客の感情を直接揺さぶる音響詩として機能している。黒沢作品においては、環境音が持つ心理的圧迫感が、しばしばセリフや音楽よりも優位に立ち、観客を不安の淵へと引きずり込む。 最終的に、本書は、日本映画の音響が単なる映像の補助ではなく、その美学、心理描写、そして文化的受容性を規定する独立した芸術形式であることを論証する。過去の技術的制約の中で培われた「聴覚への繊細な感受性」が、現代の高度なデジタル技術と結びつくことで、いかに深遠な映画体験を生み出し続けているのかを展望する。
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