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出版者:[London] : Arts Council of Great Britain ; [New Haven Conn.] : Produced and distributed by Yale Univ

作者:Catherine Lampert

出品人:

页数:242

译者:

出版时间:1986

价格:$ 42.94

装帧:Hardcover

isbn号码:9780300038323

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 奥古斯特·罗丹
• 艺术史
• 传记
• 印象派
• 现代艺术
• 法国艺术
• 艺术
• 文化
• 博物馆

《奥古斯特·罗丹：雕塑与现代性之光》 一部深入剖析十九世纪末至二十世纪初艺术巨匠奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin）创作生涯、哲学思想与历史影响的权威性研究。 导言：时代的巨石与灵魂的雕刻者 奥古斯特·罗丹，这个名字本身就如同他最著名的作品《地狱之门》中盘踞的群像，复杂、充满张力且难以忽视。他被誉为“现代雕塑之父”，其影响跨越了学院派的桎梏，直接开启了雕塑艺术通往二十世纪精神探索的大门。本书并非一部简单的传记，而是一次对罗丹艺术世界的深度潜航，旨在揭示这位巨匠如何在僵化的传统与涌动的现代性之间，以一块块粗粝的石头和青铜，刻画出人类最深层的欲望、痛苦、爱恋与信仰的挣扎。 本书的叙事结构围绕罗丹的艺术实践展开，从早期的学徒生涯与对古典的汲取，到“青铜时代”的技艺成熟，再到晚期思想的升华与对公共艺术的抗争，力求全面呈现其创作脉络的复杂性与连续性。 --- 第一部分：起源与挣扎——技艺的熔炉与精神的觉醒 一、巴黎的阴影与工匠的血脉（1840-1864） 罗丹的早期生活充满了艺术家的底层挣扎。本书详述了他如何在巴黎高等美术学院受挫的经历，以及他如何在小皇宫雕塑学校（École Centrale des Arts et Manufactures）的严格训练中打磨基础。我们重点探讨了其对拉斐尔、米开朗基罗等文艺复兴大师的敬畏与模仿，以及这股古典力量如何在他心中埋下了反叛的种子。早期的委托作品如《圣弥额尔屠龙》的技法分析，展示了早期罗丹对形体体积与运动的迷恋，但同时也暗示了对僵硬叙事模式的不满。 二、佛罗伦萨的回响与“地狱之门”的序曲（1864-1880） 这一阶段是罗丹艺术哲学的关键转折点。通过对罗丹在意大利佛罗伦萨的深度考察，我们分析了米开朗基罗作品中那种内在的、未完成的“未完成感”（Non-finito）如何深深触动了他。 核心章节聚焦于“地狱之门”（La Porte de l'Enfer）的诞生。本书详细梳理了委托背景、但丁《神曲》与波德莱尔《恶之花》对罗丹的启发。我们不把“地狱之门”视为一个孤立的纪念碑，而是将其视为罗丹精神宇宙的压缩模型——一个由数百个挣扎灵魂构成的动态剧场。特别分析了《沉思者》（Le Penseur）的演变：它最初是但丁本人，最终成为了超越具体叙事的、对人类存在困境的永恒诘问。 --- 第二部分：现代人的肖像——情感的解剖与肌体的语言 三、青铜时代的开端：《行走的人》与动态的悖论（1880-1890） 《青铜时代》（L'Âge d'Airain）的完成，标志着罗丹从学院派的桎梏中彻底解放。《行走的人》（L'Homme qui marche）则以其粗粝的表面处理和强烈的动势，挑战了传统雕塑追求的“完美”与“静穆”。本书着重分析罗丹如何通过“非抛光”的表面（Non-fini surface），捕捉到生命力的瞬间爆发，以及这种处理方式如何预示了后世现代艺术对材料本性的关注。 四、爱与死亡的交织：《亲吻》与内在的张力 《亲吻》（Le Baiser）常被误读为纯粹的浪漫颂歌。本书通过还原创作背景——它最初是《地狱之门》中弗朗西斯卡与保罗的故事——来剖析其内在的悲剧性。罗丹并未将他们雕刻成沉溺于享乐的恋人，而是捕捉了他们触碰瞬间的犹豫、激情与宿命感。这种对复杂人性的刻画，是罗丹区别于前人的核心特征。 五、卡蜜儿的阴影：缪斯、痛苦与独立的声音 雕塑家与他的缪斯卡蜜儿·娇丹（Camille Claudel）的关系，是理解罗丹创作动力不可或缺的一环。本书详细考察了卡蜜儿的作品风格与她对罗丹艺术的深刻影响。卡蜜儿的作品，例如《老弗朗索瓦》与《伏尔泰坐像》，展现了与罗丹相似的对人性深处的挖掘，但更多了一层女性视角下的锐利与疏离。罗丹晚年对卡蜜儿的疏远，也反过来投射出其创作生涯中对“自我”与“关系”的复杂处理。 --- 第三部分：宏大叙事的瓦解与公共空间的介入 六、巴尔扎克的祭坛：对英雄主义的颠覆 1889年对巴尔扎克纪念碑的委托，是罗丹艺术生涯中争议最大、最具革命性的事件。罗丹摒弃了传统的英雄式站姿，转而创作了一个仿佛从睡梦中被唤醒、被思绪包裹的巨型形体。本书深入探讨了“雕塑的本质是什么”这一哲学问题：它是否必须是可辨识的肖像，还是可以成为精神状态的具象化表达？对该作品初稿的分析揭示了罗丹对“内在生命”凌驾于“外在形貌”的坚定信念。 七、破碎与组装：后期的碎片化与非限定性 步入生命的最后阶段，罗丹的创作更加自由和抽象化。他开始热衷于“断臂”、“残躯”的并置与组合，例如《行走的人》的未完成躯干或《泉源》。这些作品挑战了文艺复兴以来对“完整性”的崇拜，预示了现代艺术对“片段化感知”的接纳。这些身体的残片，不再是叙事的载体，而是纯粹的形式与情感的载体。 八、罗丹与现代性的对话 本书的总结部分，将罗丹置于他所处的历史语境中进行考察。他如何应对摄影术的兴起对肖像艺术的冲击？他如何利用雕塑的质感来表达对现代都市生活和工业文明的复杂情感？罗丹的“未完成”之美，正是对十九世纪末期所有确定性崩溃的艺术回应。他教会了后人，雕塑不应是最终答案的陈述，而应是永恒的提问。 --- 结语：永恒的运动与光影的捕捉 奥古斯特·罗丹的艺术，是一场关于“成为”而非“是”的雕塑探索。他让光线、阴影和粗糙的表面成为作品中不可或缺的参与者，赋予了冰冷的材料以呼吸、脉搏和灵魂的重量。通过对原初材料的尊重，他对人类情感深处的直面，罗丹不仅重塑了雕塑艺术的面貌，更为后世的表现主义、立体主义乃至抽象艺术提供了坚实的精神基石。 本书旨在让读者以更开阔的视野，重新审视这位现代艺术的奠基者，理解他作品中蕴含的经久不衰的力量与永恒的张力。

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