当代国画家

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出版者:新疆青少年出版社
作者:王钧兵
出品人:
页数:32
译者:
出版时间:2006-3
价格:30.00元
装帧:平装
isbn号码:9787537154086
丛书系列:
图书标签:
  • 国画
  • 当代画坛
  • 中国画
  • 艺术史
  • 绘画技法
  • 艺术欣赏
  • 文化艺术
  • 艺术作品
  • 名家画集
  • 艺术理论
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具体描述

二十世纪末,中国美术界连续召开各种学术会议,以审视的眼光,回望百年以来中国美术的发展与进步,同道中的精英们,或以深刻的理论阐述民族文化的前景与走向,或以丰富的实践回应国人对传统艺术的担忧。水墨技法日益翻新,评论文章眼花缭乱。全国上下东西南北热闹了了好一阵子,艺术圈里的人们似乎百感交集。有人对文脉传承的认知坚定不移,有人对全球一体化的趋势忧心如焚,更有人对西方强势文化的入侵深恶痛绝。对中国水墨画艺术认为前途光明无可限量者有之,感叹中国传统艺术前景暗淡穷途末路者亦有之。喧嚣过后,放眼一望,水墨艺术家依旧如昨,秉烛伏案,一笔一划地在砚边辛勤耕耘,水墨作品价值则扶摇直上,不断攀升。所有的迹象似乎正在表明,富国强民后的新世纪中国水墨艺术只会越来越兴旺发达,艺术家的作品只会越来越受到国人的喜受。  进入二十一世纪的新疆美术将来是怎样一个面貌,我们无法预测。二十一世纪新疆美术家的作品能否名扬世界,我们也不敢妄言。但现实的情况足以证明,新疆的画家是一个充满智慧而又勤劳的群体,他们必将大有收获,他们的成就必然会载入民族文化的史册。  中国水墨画的一个基本特点是以地域形成流派,古时便有了“吴门画派”、“新安画派”等以地闻名的艺术流派,近现代的“岭南画派”、“长安画派”也早已为圈里圈外的人所熟知。当下,广大西正倾力打造“漓江画派”,陕西竖起了“黄土画派”的大旗,东北三省又在中国美术馆亮出了“关东画派”的招牌……其实要论艺术创作的资源的丰富与广博,最具地域和民族特色的当属新疆。在这片热土上,多年以来活跃着一批执着而又充满创新精神的水墨画家,他们既是改革开放的见证人,也是西部开发的参与者,在这样一个具有开拓创新精神的艺术群体共同努力下,开宗立派时应该并不遥远。  人们喜欢以五年为一个单元计划,对于计划的初始,人们又总是格外地关注与重视。就在二十一世纪第一个五年即将结束、新的五年即将开始的时候,新疆青少年出版社独具慧眼,约集了15位水墨画家编辑出版这样一套系列丛书,让广大读者品读他们最新的艺术成果。  丛书推出的这批画家,或是国内外很有影响的老艺术家,他们的作品早已为许多读者所熟悉;或是近年来经常参加区内外艺术交流活动的青年画家,他们多次获得过各种奖项。无论新才能艺术家,在他们的作品中,对水墨这种语言的探索轨迹都清晰可辨。他们以平和的心态静观当今艺术世界的风云变幻,既不理会西方所谓的现代艺术风潮,也不迎合国内低级媚俗的市场需求,他们遵循艺术创作的规律,用心固守着自己的艺术家园,以现实主义的精神和浪漫主义的情怀,讴歌伟大时代的变迁,抒写人间的真善美。在这些艺术家的笔下,繁花似锦的河谷让人如痴如醉,巍峨挺拔的天山似幻似梦,饱经沧桑的老者令人肃然起敬,翩翩起舞的少女充满青春活力……西部边塞的这些山川人物,凝结着艺术家的真诚与激情,袒露在读者面前。  新疆青少年出版社是有眼光的,也很有魄力,他们不仅组织编辑了这套精巧别致的系列丛书,还正在计划分期分批出版一些更有份量的大型美术作品集。这无疑会让新疆的美术家们受到激励与感动,由此,新疆的美术家们更会以百倍的热情和信心,创作出更好的作品回报社会与朋友们的厚爱。

好的,这是一份关于一本名为《风云变幻:二十世纪西方艺术思潮》的图书的详细介绍,它与您提到的《当代国画家》内容完全无关: --- 《风云变幻:二十世纪西方艺术思潮》 一本深度剖析现代性与后现代性艺术转型的百科全书式著作 《风云变幻:二十世纪西方艺术思潮》并非一部简单的艺术史梳理,而是一次对人类视觉表达在剧烈社会变革中如何自我重塑的深刻考察。本书以二十世纪初的现代主义萌芽为起点,如同解剖刀般细致地剖析了横跨百年的艺术运动、理论革新以及其背后蕴含的哲学基础与社会动因。它致力于揭示,从印象派的残响到后现代主义的解构,艺术如何从对再现的执着转向对观念、媒介和观看行为本身的拷问。 第一编:现代主义的黎明与爆炸(1900-1945) 本篇聚焦于艺术史中最具革命性的半个世纪。我们首先进入野兽派那令人振聋发聩的色彩试验,以及立体主义如何彻底颠覆了文艺复兴以来的空间透视法则。作者没有停留在对毕加索和布拉克表层形式的描述,而是深入探讨了“第四维度”的概念如何渗透到绘画结构中,以及非洲面具的原始力量如何成为欧洲精英打破学院派桎梏的催化剂。 紧接着,表现主义在德意志地区的勃发,被视为对工业化异化和第一次世界大战阴影的集体精神呐喊。从德累斯顿的“桥社”到柏林的“蓝骑士”,艺术不再是描摹外部世界,而是成为内心焦虑、恐惧与生命本能的直接投射。本书详细对比了德国表现主义的社会批判性与意大利未来主义对速度、机器和暴力的狂热崇拜,展现了现代性初期艺术的复杂情感光谱。 俄国革命的浪潮催生了建构主义和至上主义,这标志着艺术史上一次极端的转向——从“为艺术而艺术”走向“为社会工程服务”。马列维奇的《白底上的白方块》不再是关于美学,而是关于纯粹精神的宣言。我们详细考察了马列维奇、塔特林等艺术家如何试图将他们的几何抽象融入到工厂设计、宣传海报乃至服装之中,体现了革命艺术对乌托邦建设的雄心壮志。 而在巴黎,达达主义以其对逻辑、理性和资产阶级道德的彻底嘲讽,成为对战争荒谬性的最尖锐回应。杜尚的现成品(Readymade)挑战了“艺术作品”的本体论定义,迫使观众思考:艺术的价值究竟在于创作者的技艺,还是在于其被赋予的“艺术光环”?本书认为,正是杜尚,为后来的观念艺术埋下了最深远的伏笔。 最后,超现实主义的出现,标志着艺术开始深入挖掘弗洛伊德的精神分析领域。从自动写作到梦境的描摹,艺术家们试图通过释放潜意识的力量来重建一个更真实、更完整的现实。 第二编:战后转向与抽象的统治(1945-1970) 二战结束后,艺术的中心从巴黎转移到了纽约,这不仅仅是地理位置的更迭,更是哲学视角的重大转变。抽象表现主义,尤其是行动绘画(Action Painting),代表了艺术家个体在原子弹阴影下寻找意义的最后努力。本书侧重分析波洛克的滴画(Dripping)如何成为一种“现场记录”,记录下创作时身体的运动轨迹和心理状态,使画布成为一个充满张力的竞技场。 与行动绘画的激情相对,色域绘画(Color Field Painting)则追求一种沉浸式的、近乎冥想的观看体验。罗斯科(Rothko)晚期的作品如何从明亮的色彩转向深沉、几乎幽灵般的色块,被解读为艺术家对人类脆弱性及死亡的深刻沉思。 然而,这种对“伟大英雄式艺术家”和纯粹艺术的推崇很快遭到了反噬。在消费主义和大众媒体文化日益强大的背景下,波普艺术(Pop Art)横空出世。本书深入剖析了安迪·沃霍尔如何通过丝网印刷技术,将商业符号和名人肖像的批量生产机制引入艺术殿堂。波普艺术不是对大众文化的批判,而是一种冷峻的同化——它模糊了高雅艺术与低俗文化的界限,探讨了符号的价值如何在符号经济中被迅速消耗与再生。 与此同时,极简主义(Minimalism)则力求将艺术回归到其最基本的要素:形状、材料和空间。唐纳德·贾德等人的作品拒绝叙事、拒绝隐喻,它们是“特定物”(Specific Objects),它们的存在即是意义。这不仅是对抽象表现主义情感过剩的矫正,也是对观念艺术的前奏。 第三编:观念的胜利与后现代的迷宫(1970-2000) 随着观念艺术(Conceptual Art)的成熟,艺术的物质性被彻底架空。约瑟夫·科苏斯的作品《一个和三个椅子》明确指出,作品不再是物体本身,而是关于“定义”和“指代”的思维游戏。艺术批评家们开始依赖于复杂的文本和理论框架来理解作品,这导致了艺术与公众之间产生了前所未有的隔阂。 本书随后转向对多元文化和身份政治的关注。女权主义艺术(Feminist Art)的兴起,如格里达·米勒的“晚餐派对”装置,是对西方艺术史中长期排除女性声音的有力挑战。同期,后殖民主义理论影响下的艺术家开始重新审视博物馆的收藏结构,质疑“中心”与“边缘”的权力关系。 最后,后现代主义的思潮全面铺开,其核心特征是“互文性”(Intertextuality)和对“宏大叙事”的怀疑。艺术家们开始大规模地挪用、戏仿和拼贴历史上的艺术符号,不再相信存在一个统一的、进步的艺术发展方向。本书以摄影和新媒体艺术的兴起为标志,探讨了数字时代对真实性、作者身份和作品持久性的挑战,为二十世纪的艺术风暴画上了一个充满疑问的句号。 结论:未竟的对话 《风云变幻:二十世纪西方艺术思潮》的价值在于,它不将这些思潮视为孤立的事件,而是将其置于全球化、技术进步与意识形态斗争的宏大背景下进行考察。本书提供的不是标准答案,而是深入探究艺术如何作为时代精神的晴雨表,在不断的颠覆与重建中,完成了一次对“何为艺术”的百年追问。它将为所有对现代文明的内在张力与审美变革感兴趣的读者,提供一套精妙的理论地图。

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我对《当代国画家》这本书的兴趣,源于我一直以来对中国画的深厚情感。中国画的独特魅力在于其笔墨的韵味,意境的营造,以及对事物精神层面的捕捉。而“当代”二字,则预示着这本书将带领我走进一个全新的视野。我非常想知道,在当下这个日新月异的时代,那些坚守中国画传统的艺术家们,是如何在继承古老技法的精髓的同时,又融入现代人的审美观念和生活体验的?他们笔下的山水,是否依然是寄托情怀的远方,还是已经将现代都市的景观融于其中?他们画的花鸟,是否在遵循传统的写意精神,抑或是加入了更多具有象征意义的现代元素?我期待在这本书中,能够看到那些既有扎实的传统功力,又充满时代创新意识的作品,它们能够引发我对于中国画发展方向的思考,让我看到中国画在当代社会依然具有顽强的生命力和无限的艺术张力。

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《当代国画家》这本书的书名,犹如一阵清风,吹拂着我对中国画的无限热爱。我一直对中国画那种独特的笔墨韵味、意境深远以及对生命精神的捕捉情有独钟。而“当代”二字,则为这份热爱注入了新的期待,让我渴望一窥现代国画的最新面貌。我非常想知道,书中的艺术家们,是如何在继承古老技法精髓的同时,又巧妙地将属于这个时代的审美情趣和艺术观念融入到创作中的?他们笔下的山水,是否依然保持着古人的悠远意境,还是已经将现代都市的景观与人文思考融入其中?他们描绘的花鸟,是否在遵循传统的写意精神,抑或是加入了更多具有象征意义的现代元素?我期待在这本书中,能够看到那些既有深厚的文化底蕴,又充满时代创新活力,并且能够引发我对于中国画未来发展方向深入思考的作品。这本书,对我而言,是一次了解中国画发展现状和未来趋势的重要契机,我渴望从中学到更多艺术的智慧和灵感,感受中国画在当代社会所展现出的蓬勃生命力。

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这本书的名字《当代国画家》立刻吸引了我,因为我一直认为中国画是一种充满生命力和文化底蕴的艺术形式,而“当代”则代表着它在不断发展和演变。我非常好奇,那些活跃在当代的国画家们,他们是如何在传承经典的同时,又融入属于这个时代的创新元素?书中的艺术家们,是否在探索新的表现手法,比如色彩的运用,线条的走向,甚至是构图的理念?他们笔下的作品,是否能够反映出当下社会的精神风貌和人们的情感变化?我期待在这本书中,能够看到那些既有传统功底,又富有时代精神的作品,它们能够打破我对于国画的刻板印象,让我看到中国画在现代社会所焕发出的勃勃生机。这本书,对我而言,是一扇了解中国画发展现状的重要窗口,我迫不及待地想通过它,去感受那些充满创造力的艺术心灵,去理解他们是如何在继承与创新中,书写属于这个时代的中国画篇章。

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当翻开《当代国画家》这本书,我首先想到的是,中国画的传承与创新。我一直对那些能够在传统基础上进行突破的艺术家们充满敬意。这本书的名字,恰恰点明了这一点——“当代”的国画家。我迫切想知道,这些艺术家们是如何在当下这个多元化的艺术环境中,找到属于自己的定位?他们是如何将中国画独特的笔墨韵味,与现代人的审美情趣相结合的?他们笔下的山水,是否仍然保持着古人的悠远意境,还是融入了更多属于现代都市的思考?他们创作的花鸟,是否在遵循传统的写意精神,亦或是加入了更多具有象征意义的现代元素?我期待在这本书中,能看到那些既有深厚的传统功底,又充满时代创新活力,并且能够引发我对于中国画未来发展方向思考的作品。这本书,对我而言,是一次了解中国画发展现状和未来趋势的重要契机,我渴望从中学到更多艺术的智慧和灵感。

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这本书的封面上,那淡淡的水墨晕染和点睛的色彩,就足以勾起我对中国画的无限遐想。我一直对中国画那“中国式”的含蓄、写意以及对生命精神的捕捉有着特别的偏爱。而《当代国画家》这个书名,则让我充满了探索的欲望。我很好奇,在如今这个信息爆炸、观念碰撞的时代,那些坚守中国画传统的艺术家们,是如何在继承古老技法的同时,又赋予作品新的生命力的?他们笔下的山水,是否依然是寄情于山水之间的隐逸,还是已经融入了现代人的思考和情感?他们描绘的花鸟,是否仍然是自然界的生灵,还是被赋予了更多的象征意义?我期待在这本书中,能够看到那些既有深厚的文化底蕴,又充满时代精神的作品,它们能够打破我对于中国画的刻板印象,让我看到中国画在当代所展现出的强大生命力和创新活力。这本书,对我来说,是一次深入了解当代中国画艺术创作面貌的绝佳机会。

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这本书的封面就带着一股扑面而来的沉静力量,柔和的水墨晕染,点缀着几笔生动的色彩,像是从古老画卷中走出的风,轻轻拂过现代的画坛。我一直对中国画有着特别的情感,那种含蓄、写意,以及对天地万物精神的捕捉,总能触动我内心深处最柔软的部分。翻开《当代国画家》,我首先被那些名字吸引住了——他们是谁?他们的作品又是怎样在传承与创新的交织中,描绘出属于这个时代的中国画卷?我渴望了解那些在宣纸上挥洒笔墨的灵魂,他们如何将传统的韵味融入现代的视角,又如何在激烈的艺术对话中,寻找到属于自己的声音。这不仅仅是一本关于画作的书,更是一扇通往无数艺术心灵世界的窗户,我迫不及待地想透过它,去感受那份东方艺术的独特魅力,去理解那些用画笔诉说的故事,去品味那些隐藏在笔触间的深邃思考。这本书,在我看来,是连接过去与现在,连接传统与创新的重要桥梁,它承载的不仅仅是技艺,更是时代的精神和艺术家的生命力。

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我对这本书的期待,很大程度上源于它所呈现出的“当代”二字。在当下这个飞速发展的时代,艺术的形态也在不断演变,中国画自然也不例外。我很好奇,那些活跃在现代艺术舞台上的国画家们,他们是如何应对时代的挑战,又是如何将传统的水墨、工笔等技法,与当代人的审美情趣、生活经验相结合的?书中的艺术家们,是否在探索新的材料、新的表现手法?他们笔下的山水,是否依然是遥远的隐逸,还是融入了都市的钢筋水泥?他们画的花鸟,是否依然是自然的精灵,还是多了几分人格化的情感?我希望在这本书里,能看到那些超越时空的思考,那些在传统基础上进行的勇敢突破,以及那些在时代洪流中依然坚守初心、却又不断向前探索的艺术实践。这本书,对我而言,是一次深入了解中国画“现在进行时”的绝佳机会,我期待着与书中的艺术家们进行一场跨越时空的对话,感受他们如何用画笔记录时代,又如何用艺术赋予时代新的生命。

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拿到《当代国画家》这本书,我脑海中浮现出无数个画面:宣纸上飞扬的笔墨,细腻的工笔勾勒,以及那些寄情于山水的诗意。但我更关注的是,这些“当代”的国画家们,他们是如何理解并实践着“中国画”这个概念的。在我看来,中国画不仅仅是一种绘画技法,更是一种哲学观、一种人生观的体现。因此,我迫切希望在这本书中,能够看到这些艺术家是如何将他们的个人思考、对社会的观察、以及对人生的感悟,融入到他们的创作中的。他们笔下的山水,是否依然承载着文人的情怀,还是多了几分现代都市人的疏离与思考?他们描绘的花鸟,是否依旧遵循着传统的意象,还是加入了更多象征性的元素?我期待在这本书里,能找到那些既有深厚文化底蕴,又充满时代生命力的作品,它们能够引发我关于艺术、关于时代、关于人生的深刻共鸣,让我看到中国画在当代依然蓬勃发展的强大生命力。

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当我看到《当代国画家》这本书时,我的脑海中立刻浮现出无数幅精美的画面,有壮丽的山河,有灵动的人物,也有高雅的花鸟。然而,更吸引我的是“当代”二字,这代表着这本书将带领我走进一个全新的艺术世界。我非常好奇,那些活跃在当代的国画家们,他们是如何在传承中国画悠久历史和精湛技艺的同时,又融入属于这个时代的独特视角和审美追求的?他们笔下的作品,是否能够反映出当下社会变迁带来的思考,以及人们情感的微妙变化?我期待在这本书中,能够看到那些既有传统功底,又富有时代精神的作品,它们能够打破我对于国画的固有认知,让我看到中国画在现代社会所焕发出的蓬勃生命力。这本书,对我而言,是一扇了解中国画发展现状的重要窗口,我渴望通过它,去感受那些充满创造力的艺术心灵,去理解他们是如何在继承与创新中,书写属于这个时代的中国画篇章。

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当我拿到《当代国画家》这本书时,我的内心涌现出一种既熟悉又陌生的感觉。熟悉,是因为中国画是我一直以来魂牵梦绕的艺术形式,它的笔墨韵味、意境深远,总能让我沉醉。陌生,则是因为“当代”二字,它预示着一种新的可能性,一种与我所熟知的传统国画不同的视角和表达。我特别想知道,书中的艺术家们,他们是如何在继承传统的深厚基础上,融入属于这个时代的精神气质和审美追求的?他们的创作,是否反映了当下社会变迁带来的思考?他们的笔触,是否在传统与现代的语境中找到了新的平衡点?我期望在这本书中,能够看到那些在水墨丹青中焕发出勃勃生机的作品,那些既有传统功力,又不失时代精神的艺术探索。这本书,对我而言,不仅仅是一次艺术的欣赏,更是一次关于中国画生命力与未来走向的深度探究,我渴望从中学到更多关于艺术创作的智慧和灵感。

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