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出版者:海潮出版社

作者:汪涛

出品人:

页数:261

译者:

出版时间:2006-6

价格:29.80元

装帧:

isbn号码:9787802132122

丛书系列:

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《光影交织：电影叙事中的视觉语言与情感共鸣》 内容提要： 本书深入剖析了电影作为一种独特艺术形式的本质，聚焦于其赖以构建意义和引发观众情感共鸣的核心要素——视觉语言。我们将探讨镜头运动、场面调度、光影运用、色彩设计以及剪辑节奏如何共同编织出复杂而深邃的叙事结构。不同于侧重剧本创作或演员表演的传统电影理论书籍，《光影交织》旨在为电影爱好者、学生以及专业人士提供一套系统的视觉分析工具，揭示影像如何“说话”，以及如何通过精确的视觉选择来塑造主题、刻画人物和引导观众的潜意识体验。全书内容覆盖了从古典好莱坞的成熟范式到现代独立电影的实验性探索，力求全面展现电影视觉表达的广阔疆域与无限可能。 --- 第一章：引论：电影的“在场感”与视觉的先决地位 电影的魅力，首先来源于它提供了一种超越日常经验的“在场感”。这种感觉并非仅仅由故事内容决定，而是通过影像的物理属性——光线、运动和空间构图——直接作用于观众的感官神经而产生的。本章首先确立了视觉元素在电影叙事中的基础性地位，主张电影语言的“语法”首先建立在视觉逻辑之上。 我们将考察梅里爱、格里菲斯等早期电影先驱如何通过对运动和剪辑的初步探索，确立了视觉叙事的初始框架。接着，我们会深入讨论符号学在电影视觉分析中的应用，分析特定的图像（如重复出现的意象、象征性的色彩搭配）如何在潜意识层面与观众进行沟通。本章的重点在于区分“被告知”的故事和“被看见”的故事，强调电影作为“光影的艺术”的独特身份。 第二章：镜头：眼睛的延伸与视点的构建 镜头是观众进入电影世界的端口。本章将对不同类型的镜头进行详尽的分类与功能解析，超越简单的焦距和景别的区分，着重分析它们在叙事和心理层面上的作用。 2.1 景别与心理距离： 从极端特写（Extreme Close-up）如何迫使观众面对角色的内心危机，到全景（Establishing Shot）如何确立环境的压迫感或宏大感，我们将分析景别变化与观众情感投入程度的对应关系。 2.2 镜头运动的韵律： 运动是电影的生命线。本章将详细拆解推轨（Dolly）、摇摄（Pan）、升降（Crane）以及手持（Handheld）等运动方式。例如，一个平稳的推轨镜头如何暗示角色的坚定决心或不可避免的命运，而一个晃动的手持镜头则如何注入即时性和不安感。我们将特别探讨拉片（Whip Pan）和变焦（Zoom）在营造戏剧性冲击中的应用。 2.3 视点与主观性： 探讨“主观镜头”（Point of View Shot, POV）的哲学意义，即镜头如何成为角色本身。我们会分析如何通过精确的焦点、景深和画面比例来操纵观众对屏幕内角色的信任度和共情度，以及如何通过“非人称”镜头（如无人机视角或固定高位镜头）来制造疏离感或全知视角。 第三章：光影的雕塑：明暗对比与氛围的营造 光线是电影的物质基础，也是最直接的情感触发器。本章将集中探讨摄影指导（Cinematographer）如何运用光线来“雕刻”画面，赋予场景深度、质感和情感色彩。 3.1 照明的类型与叙事功能： 深入分析三点布光（Three-Point Lighting）、伦勃朗光（Rembrandt Lighting）和逆光（Backlighting）等经典布光模式。例如，低调照明（Low-key Lighting）如何被应用于黑色电影（Film Noir）中，以表现道德的模糊性；而高调照明（High-key Lighting）则如何服务于喜剧或浪漫片对清晰和乐观的需求。 3.2 阴影的政治学： 阴影不仅仅是缺乏光线，它在视觉叙事中扮演着积极的角色——隐藏信息、暗示危险或投射角色的内在冲突。我们将分析影子如何成为一个角色，以及如何通过硬光和柔光来控制观众对画面细节的关注。 3.3 色彩的心理声学： 探讨色彩理论在电影中的实践，包括饱和度、色温（Color Temperature）和色相的选择对观众情绪的影响。我们会考察如何通过色彩分级（Color Grading）来统一整部影片的视觉调性，并对比《辛德勒的名单》中对“一抹色彩”的极端运用与当代商业大片中对特定“色调”（如冷蓝或暖橙）的偏好。 第四章：空间与场面调度：舞台的构建与角色关系 场面调度（Mise-en-scène）是将所有视觉元素（布景、服装、演员位置、灯光）组织在同一画框内的艺术。本章侧重于空间的使用和角色的“站位”。 4.1 画面的几何学： 剖析居中构图、三分法、对称性与不对称性在不同文化和流派中的含义。我们将研究如何利用前景、中景和背景元素来创造视觉层次和深度感，以及如何通过“遮挡”（Interruption）来制造悬念。 4.2 舞台的利用： 探讨不同空间类型（封闭空间、开放空间、深景深空间）对叙事节奏的影响。例如，如何利用深焦镜头（Deep Focus）使前景和背景的动作同时被关注，从而强调命运的不可避免性；或如何利用狭窄的内景来增强角色的幽闭恐惧感。 4.3 人物之间的“距离”： 分析演员在画面中的相对位置如何定义他们之间的权力关系、亲密程度或敌对状态。对同一场景中不同调度方案的对比分析，将揭示视觉选择如何重塑人际动态。 第五章：剪辑的逻辑：时间、节奏与非线性叙事 如果说摄影是“创造瞬间”，那么剪辑就是“组织时间”。本章将深入探索剪辑如何不仅连接场景，更在根本上构建了电影的意义和体验的节奏。 5.1 连续性剪辑与“不可见”的艺术： 回顾古典好莱坞建立的180度法则、轴线原则等，分析这些规范如何确保观众在不被干扰的情况下跟随故事。我们将细致考察匹配剪辑（Match Cut）在时间或空间上建立的深刻联系。 5.2 节奏的控制与情感的加速/减速： 探讨镜头长度与场景能量的关系。长镜头如何建立沉浸感和观察性，而快速的跳切（Jump Cut）如何表达心理上的断裂或时间的飞逝。本章将引入蒙太奇理论（如爱森斯坦的碰撞蒙太奇），分析非连续性剪辑如何产生超越片段相加的哲学意义。 5.3 空间与时间的重塑： 分析闪回（Flashback）、闪进（Flashforward）以及多重叙事线索的交叉剪辑（Parallel Editing）如何挑战线性时间观，并探讨非线性叙事对观众认知负荷的精确管理。 第六章：风格的融合与视觉的未来 本书的最后一部分将通过对具体流派和大师作品的案例分析，展示上述视觉工具是如何被整合到统一的艺术风格中去的。 我们将分析如塔可夫斯基的慢节奏与长镜头对“时间”的沉思性运用；库布里克的精确对称与对环境的冷峻审视；以及数字时代，如德·帕尔玛在分割屏幕和复杂的场面调度中对信息过载的探索。最终，本章将展望虚拟现实（VR）和沉浸式媒体对传统电影视觉语言的挑战与启发，思考在技术不断演进的背景下，电影“看见”世界的方式将如何继续进化。 --- 读者对象： 本书适合所有对电影艺术有浓厚兴趣的人士，特别是希望从技术和美学角度深入理解电影是如何被“制造”出来的电影学生、编导、摄影师和评论家。它提供了一种深入观察电影表层故事之下的视觉“代码”的方法论。

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说实话，这本书的文字风格相当跳跃，读起来与其说是阅读，不如说是一种思想上的漫步。作者似乎对逻辑的线性叙事不太感冒，他更喜欢用大量的类比和看似无关的引文来构建他的论点。我记得有一段，他突然插入了一段对巴洛克时期音乐对位法的分析，然后笔锋一转，又回到我们现代人如何处理尴尬场面的情境中。起初我有点迷失，心想这和“幽默”到底有什么关系？但当我把音乐的复杂交织理解为“预期与现实的结构性冲突”时，那段看似冗长的音乐理论就突然打通了我对某个笑话笑点的理解。 这本书的结构非常松散，没有明确的章节目标指引，读者的体验取决于你自身的知识储备和联想能力。如果你期待的是那种一步一个脚印的指导手册，你可能会感到沮丧，甚至觉得作者在故弄玄虚。但我恰恰喜欢这种“散漫”的美感，它鼓励读者自己去建立联系，去构建知识的网络。它没有把“幽默”这个复杂的主题工具化，而是把它置于人类感知、语言哲学乃至存在主义的宏大背景下去考察。它教会我的，与其说是“如何笑”，不如说是“为什么我们会笑”，以及更深层次的，“我们在笑声中掩盖了什么”。这是一种向内求索的阅读体验，最终指向的是对人类局限性的一种温柔的接受。

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这本书的配图和排版风格非常复古，带着一种上世纪中叶的知识分子气息，这与它探讨的现代社会现象形成了有趣的张力。我尤其喜欢作者在讨论“荒谬感”时，穿插的那些关于卡夫卡和加缪的片段。作者的观点是，现代人面对的幽默危机，根源在于我们生活在一个“意义消退”的世界里，我们试图用笑声去填补存在的虚无。这完全超出了我对于一本“教人如何幽默”的书的预设范围。我原本以为是关于“技巧”，结果却成了关于“存在主义困境”的探讨。 书的结尾部分，作者没有给出任何总结性的建议，只是留下了一个开放性的提问：“当世界本身就成了一个巨大的笑话时，我们该如何回应？”这种不提供标准答案的态度，反而让我觉得更有力量。它把最终的“幽默实践”的责任，完全推回到了读者自己身上。它没有给我一套现成的工具，而是给我了一把锤子和一些原材料，让我自己去敲打、去塑造自己的幽默观。这本书更像是一面唤醒沉睡好奇心的镜子，它让我开始对日常生活中那些被我们习以为常的“常识”产生质疑，并试着用一种更具批判性和创造性的眼光去审视周围的一切。这是一次精神上的深度远足，而非一次轻松的周末郊游。

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这本名为《学会幽默》的书，我读完后心里真是五味杂陈，它就像是一面哈哈镜，照出了我们日常生活中那些不经意间的滑稽和荒谬。我原以为它会是一本手把手教你如何讲笑话、如何成为派对焦点的那种工具书，但事实远比我想象的要深刻得多。作者没有直接给出那些老掉牙的“三段式笑话结构”或者“如何恰到好处地自嘲”的公式。相反，他似乎更侧重于探讨幽默背后的哲学基础和心理机制。 比如，书中有一章详细分析了“错位理论”在不同文化背景下的应用差异。我记得他用了大量的篇幅去拆解一个非常古老的、关于一个醉汉在冰上滑倒的笑话，从最初的版本到现代的改编，分析了社会环境和观众预期如何塑造了笑点的接受度。这种深挖的能力，让我开始重新审视那些我以前只是随口一笑的段子，发现它们背后其实隐藏着社会结构的某种张力或认知上的不协调。对我个人而言，最大的收获是学会了如何在感到压力山大时，通过快速地在脑海中切换视角——即从严肃的“执行者”模式切换到旁观的“观察者”模式——来释放一部分情绪能量。这并非教你如何逗乐别人，而是教你如何与自己的困境和解，用一种更轻松的姿态去面对生活。它更像是一本关于“认知弹性”的教材，而不是一本“喜剧速成指南”。

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阅读体验上，我必须承认，这本书的某些部分读起来像是在啃一块硬骨头，需要反复咀嚼才能品出味道。它大量引用了弗洛伊德的精神分析理论，尤其是关于“力比多”和“焦虑压抑”的部分，试图将笑声的释放机制与潜意识的疏导联系起来。我花了相当大的精力去理解作者如何将“笑”与“禁忌的解除”进行类比。对于那些没有心理学背景的读者来说，这部分可能会显得过于学术化和晦涩。我甚至一度想放下它，去读一些更轻松的段子集锦。 然而，一旦你坚持下来，你会发现作者提供了一个极其强大的框架，用来解释为什么有些笑话会让你笑得“心虚”或“不安”。他认为，真正的幽默高峰，往往发生在安全与危险、可接受与不可接受的临界点上。这本书并非教你如何制造这种临界点，而是教你如何辨识它，如何在那个微妙的平衡点上保持清醒的自我意识。它极大地提升了我对“非语言幽默”的敏感度——比如一个眼神、一次停顿、一个不合时宜的表情所蕴含的复杂信息。读完后，我发现自己看电影或阅读文学作品时，会不自觉地去寻找那些隐藏在文本深处的、用于消解严肃性的微小“裂缝”。

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这本书给我的整体感觉是，它更像是一位深谙世故的哲学家在炉火边对你耳提面命，而不是一位喜剧演员在台上卖力表演。它对“冒犯性幽默”和“自我贬低式幽默”的探讨尤为深入和审慎。作者没有一味地鼓吹“想笑就笑，无视界限”，而是极其细致地剖析了幽默的社会成本和伦理边界。他反复强调，一个成熟的幽默感，必然建立在对他人痛苦的深刻理解之上。如果笑声是以牺牲他人的尊严为代价，那它就退化成了廉价的嘲讽。 我特别欣赏作者对“讽刺”手法的辩证分析。他指出，讽刺是一种高阶的认知活动，需要接收者具备相当的背景知识才能解码。如果发送者和接收者之间的文化壁垒过高，讽刺很容易被误解为恶意。书中通过分析几起著名的公众人物“失言”事件，展示了这种解码失败的巨大风险。这让我意识到，掌握幽默技巧固然重要，但更重要的是建立一种“共情式的幽默雷达”，时刻监测自己发出的信号是否能在对方的接收端被准确地理解和接纳。这本书对于那些在公共场合发言，或者需要进行复杂跨文化沟通的人来说，简直是一剂清醒剂，它提醒我们，玩笑开得不好，付出的代价远超一个尴尬的沉默。

评分☆☆☆☆☆

后半部分还是可以看一下的

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