バンドスコア GLAY rare collectives vol.2 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:ドレミ楽譜出版社

作者:GLAY

出品人:

页数:332

译者:

出版时间:2003/8/5

价格:2,940 （税込）

装帧:

isbn号码:9784810844474

丛书系列:

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• GLAY
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音乐的无限可能：《交响诗篇的编织者》——一部探讨现代管弦乐与电子音乐融合的深度研究 图书信息： 书名： 《交响诗篇的编织者：二十一世纪管弦乐与电子声场重塑》 作者： 艾琳·范德堡 (Erin van der Velde) 出版社： 环球音乐理论出版社 (Global Musicology Press) 出版年份： 2023年 --- 内容简介 《交响诗篇的编织者》并非一部简单的音乐史回顾，而是一部深入剖析二十一世纪听觉艺术最前沿领域——管弦乐（Orchestral Music）与电子音乐（Electronic Music）跨界融合的综合性理论著作。本书以其扎实的学术根基、对尖端作曲技巧的细致梳理，以及对全球范围内创新案例的田野调查，为音乐学者、作曲家、指挥家以及所有对未来声音抱有好奇心的听众，提供了一份无可替代的指南。 本书的核心论点在于，后现代主义的解构浪潮并未终结宏大叙事的可能性，而是通过电子媒介的引入，赋予了传统交响乐团全新的“音色调色板”与“时间结构重塑”的能力。作者艾琳·范德堡，一位在阿姆斯特丹音乐学院任教的作曲家兼声学物理学家，以其独特的跨学科视角，系统地梳理了这场跨越流派的“声音革命”。 第一部分：光谱的交汇——历史的回响与技术的觉醒 (The Confluence of Spectrums: Historical Echoes and Technological Awakening) 本部分追溯了电子技术（从磁带实验到模块化合成器）如何渗透进古典音乐的语境。我们首先回顾了二十世纪中叶，斯托克豪森（Stockhausen）与皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）等先驱者在电子音景构建上的尝试。然而，本书的重点在于“数字化时代的融合”。范德堡详细分析了数字信号处理（DSP）如何从辅助工具转变为核心的作曲要素。 书中特辟章节探讨了“声音的采样与解构”。作者认为，现代作曲家不再仅仅将电子音效视为“装饰”，而是将其视为与小提琴、大提琴同等重要的“乐器声部”。通过对微音技术（Contact Mics）在管弦乐器上的应用案例分析，展示了如何捕捉到乐器内部的机械摩擦、弦线的微小震动，并将其放大、扭曲、融入预先编程的合成器序列中。这种对“声音本体论”的探讨，为理解两者的结合奠定了理论基础。 第二部分：编织的技艺——微观结构与宏观架构 (The Art of Weaving: Microstructures and Macro-Architectures) 这是全书最技术性和实践性的核心部分。范德堡将焦点从“声音的引入”转向“声音的组织”。 A. 节奏与时间：超越节拍的控制： 作者详细探讨了如何利用计算机算法（如Max/MSP或Pure Data）来生成或控制传统乐团的节奏布局。传统的固定拍速（Tempo）被一种“流动的时间场”（Fluid Time Fields）所取代。案例分析了作曲家如何使用随机化函数来控制打击乐的密度，同时使用复杂的傅里叶变换来分解和重构弦乐的持续音，使其在听感上与合成器的包络线（Envelope）同步。书中包含对复杂多声部（Polyphony）如何通过数字化手段实现精准定位的详尽图表。 B. 调色板的扩展：从和声到频谱： 传统十二平均律在电子音乐的影响下受到了根本性的挑战。本书深入探讨了“分音系统”（Microtonality）如何在数字合成器中轻易实现，并反过来指导管弦乐队的演奏技巧。范德堡提出了一种新的“频谱和声学”（Spectral Harmony）框架，其中和弦不再是基于音高关系的组合，而是基于特定频率的能量分布。书中对法国“频谱音乐学派”的现代继承者如何与现场电子乐器设计师合作，创造出“无法被传统记谱法完全捕捉”的声音景观，进行了细致的解剖。 C. 空间化与沉浸式体验： 传统的音乐厅声学被打破。本章聚焦于三维声场（3D Spatialization）在音乐会实践中的应用。作者分析了如何利用多通道扬声器阵列（如Ambisonics或Wave Field Synthesis）来“编排”乐团与电子音源在物理空间中的移动轨迹，使听众获得一种身临其境的、被声音流体环绕的体验。 第三部分：文本的重构——语境、身份与未来的观众 (Reconstructing the Text: Context, Identity, and the Future Audience) 本书的最后一部分将视角转向了社会学和文化批评层面。 范德堡探讨了“管弦乐”这一传统机构在面对大众文化冲击时的身份危机与适应。她分析了融合作品如何打破了“高雅艺术”与“流行文化”的壁垒，吸引了更年轻、对技术更敏感的观众群体。书中特别关注了全球范围内（特别是亚洲和拉丁美洲）的作曲家，如何将本土的民间乐器声响（Acoustic Artifacts）通过电子技术进行“去语境化”和“再语境化”，从而创造出既具有地方特色又具备全球视野的交响诗篇。 最终，《交响诗篇的编织者》得出结论：二十一世纪的管弦乐并非走向消亡，而是在与电子媒介的深度对话中，经历了一场“必要且激进的进化”。它学会了如何更精细地控制时间、更广阔地运用音色，并最终将听众带入一个声音物质性与数字算法共舞的全新美学领域。本书无疑将成为研究当代音乐语言的必备参考书。

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收到《バンドスコア GLAY rare collectives vol.2》后，我迫不及待地找出了自己最喜欢的几首歌。《Mayfair》这首歌一直是我心中的经典，这本书里的编排让我对它有了更深的理解。乐谱清晰地展示了歌曲中不同乐器之间的互动，尤其是吉他solo部分，细致到每一个推弦的弧度，每一个颤音的频率，都给出了非常详细的提示，这对于想提高自己演奏技巧的我来说，简直是无价之宝。

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作为一名GLAY的老粉，我一直对他们音乐中的层次感非常着迷。《バンドスコア GLAY rare collectives vol.2》这本书，完美地满足了我对细节的追求。我翻到《GLAY》这首歌的乐谱，那首歌曲中层层叠加的吉他riff，以及鼓手TOSHI的独特节奏型，乐谱上都给出了非常清晰的标注。我尝试着对照着原曲来弹奏，发现很多我之前自己弹奏时觉得“不对劲”的地方，在这本乐谱上找到了答案。

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自从上周拿到《バンドスコア GLAY rare collectives vol.2》之后，我就像着了魔一样，每天晚上都抱着它不撒手。这本书的编排真的太用心了，它不仅仅是把原曲的音符写下来，更像是把GLAY在录音室创作的过程都给复刻了。我特别喜欢《SOUL LOVE》这首歌的吉他部分，乐谱清楚地展示了它复杂的和弦进行和流畅的旋律线。更让我惊喜的是，里面还包含了《Winter again》这首经典歌曲，那首歌曲中钢琴和弦乐的部分，乐谱也都一一呈现了，虽然我主要玩吉他，但看到这些丰富的层次，真的能帮助我更好地理解整首歌曲的编排。

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我一直觉得GLAY的歌曲，不仅仅是旋律好听，他们在编曲上的用心程度也令人惊叹。《バンドスコア GLAY rare collectives vol.2》这本书，就像是一个通往他们音乐世界的小钥匙。我特别喜欢《Freeze My Love》这首歌，它那种略带迷幻的氛围，在乐谱上得到了很好的体现。吉他部分的琶音、贝斯线的律动，以及鼓的切分音，都标注得很清楚，让我能够更深入地理解这首歌的结构。

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我对GLAY的音乐情有独钟，尤其喜欢他们那些充满力量和情感的歌曲。《バンドスコア GLAY rare collectives vol.2》这本书，简直就是我音乐旅程中的一份宝藏。我一拿到手，就直奔《HOWEVER》这首歌。这首歌的吉他solo简直太经典了，乐谱上每一个音符的起伏、每一个滑音的力度，都标注得非常准确，甚至连那个标志性的颤音，都给出了详细的演奏提示。我试着按照乐谱上的指法弹奏，发现比我自己摸索出来的要更接近原曲的味道。

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这次入手了GLAY的Rare Collectives Vol.2的乐谱，简直太惊喜了！作为一个多年GLAY饭，一直以来都在寻找那些经典曲目，尤其是那些平时不太容易找到的现场版本或者稀有版本。翻开这本乐谱，仿佛又回到了当年跟着CD大声歌唱的日子。封面设计就充满了怀旧感，一看就知道是那个年代的味道。打开第一页，首先映入眼帘的就是那些熟悉的旋律和吉他Riff的乐谱。我迫不及待地翻到了《BE WITH YOU》的部分，这首歌的编排一直是我很喜欢的，特别是副歌部分那种层层递进的感觉，乐谱清晰地展现了原曲的吉他、贝斯、鼓以及人声的配合，很多细节的处理，比如吉他solo的音阶走向、贝斯line的律动变化，都标注得非常细致，甚至有一些我之前演唱或者弹奏时忽略的微妙之处，现在都能从乐谱上找到答案。

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拿到《バンドスコア GLAY rare collectives vol.2》这本书，最让我兴奋的就是它收录了一些我特别喜欢的、但平时不太容易找到乐谱的歌曲。比如《Pure white》这首歌，它那种淡淡的忧伤和温柔的旋律，在乐谱上展现得淋漓尽致。我平时喜欢用木吉他弹唱，这本书里很多吉他部分的编排都非常适合木吉他演奏，而且和弦的配置也比我之前自己扒谱要更丰富、更贴近原曲的味道。

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这次购入《バンドスコア GLAY rare collectives vol.2》这本书，对我而言，不仅仅是拥有一本乐谱，更像是拥有了一段珍贵的音乐回忆。我最喜欢的是《Missing You》这首歌，它那种深沉的感情，在乐谱上得到了完美的诠释。吉他部分的分解和弦，贝斯line的流畅过渡，以及鼓点那种恰到好处的衬托，都让我在弹奏的时候，能够感受到歌曲中饱满的情绪。这本书的印刷质量也很不错，纸张厚实，不容易损坏。

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拿到《バンドスコア GLAY rare collectives vol.2》这本书，我感觉自己像是打开了一个新的音乐宝库。我一直认为GLAY的现场演出非常具有感染力，这本书里的很多编排，似乎都捕捉到了那种现场的热情和张力。我仔细看了《STILL》这首歌的编排，它那种逐渐升温的情绪，在乐谱上得到了很好的展现。吉他Riff的强弱变化，鼓点的密度，以及贝斯line的推进感，都标注得很准确，让我能更深入地体会到歌曲的力量。

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说实话，拿到这本《バンドスコア GLAY rare collectives vol.2》的时候，我抱着一种“淘到宝”的心情。我一直觉得GLAY的音乐，尤其是他们早期到中期的一些作品，在编曲上非常有功力，不仅仅是简单的吉他、贝斯、鼓，很多时候都有丰富的键盘和弦乐的铺垫，而这本乐谱恰恰捕捉到了这一点。我重点看了《誘惑》这首歌的编排，那标志性的吉他开场，乐谱上标注得非常精确，而且还附带了指法建议，这对于我们这些业余爱好者来说简直是福音。更让我惊喜的是，它不只是枯燥的乐谱，很多地方还附带了原曲吉他手TAKURO或者JIRO的演奏提示，比如在某些Solo段落，会有关于拨弦力度、推弦技巧的标注，这让我感觉像是TAKURO本人在手把手教我一样。

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