摄影艺术欣赏简明教程

摄影艺术欣赏简明教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:
作者:许太琴
出品人:
页数:58
译者:
出版时间:2005-8
价格:30.00元
装帧:
isbn号码:9787900390011
丛书系列:
图书标签:
  • 摄影
  • 摄影艺术
  • 摄影教程
  • 艺术欣赏
  • 入门
  • 简明
  • 技法
  • 构图
  • 光影
  • 审美
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具体描述

《摄影艺术欣赏简明教程》内容简介:摄影是一门科学技术,也是一门艺术,同时还是信息传播的一种重要手段,现在已经较为广泛地应用于人类社会的各个领域。随着计算机技术的发展和读图时代的到来,摄影在信息传播中所起的作用越来越重要,摄影教学在21世纪的高等教育中也显得越来越重要。特别是在当前我国深化教育改变之际,教育事业必须把培养德、智、体、美全面发展的高素质劳动者和专门人才放在突出的战略地位,因此,各大专院校都把与美育密切相关的摄影教学列为素质教育中的一门重要课程,这是十分有益的。

那么,我们应该如何来学习这门课程呢?

欣赏优秀,阅读经典,这就是我们的答案。经典是什么?有人说:“经典作品,清澈但难以穿透,透明但难以解析,幼稚但难以模拟,单纯但难以复制。”也有人说:“经典应当是能够跨越时代,为历史所认同;能够超越个人,为社会所关注;能够迈过功利,具有艺术的美感。”的确,在人类文明的历史长河中,科学的、哲学的、文学的、绘画的〕雕塑的、音乐的经典,光芒四射,成为人类的骄傲,精神的向往。

好的,这是一本名为《摄影艺术欣赏简明教程》的图书简介,内容聚焦于与摄影艺术欣赏、历史、理论相关的领域,但不涉及具体“简明教程”的教学步骤或技术操作指南: 光影的凝视:现代与当代摄影艺术赏析 导论:超越快门的瞬间 本书并非一本教授如何操作相机、曝光计算或后期处理的实用手册,而是致力于引导读者进入摄影艺术的广阔殿堂,探索光影如何成为思想、情感与社会叙事的载体。我们将挑战“摄影只是记录”的传统观念,深入探讨作为一种独立艺术形式的摄影,在过去两个世纪中如何形塑我们的视觉文化,并持续与绘画、电影等其他艺术媒介对话。 本书旨在为艺术爱好者、历史研究者,以及渴望更深层次理解视觉作品的普通读者,提供一套系统化的理论框架与历史脉络,使每一次按下快门(无论是过去的湿版还是今日的数码文件)都成为一次有意识的审美体验。 第一部分:古典根基与现代主义的曙光 (1839–1945) 摄影术的诞生并非一蹴而就,而是在化学、光学和贵族肖像传统的复杂交汇中完成的。本部分将追溯摄影从达盖尔时代对“真实”的迷恋,到十九世纪末印象派与象征主义对“主观性”的初步探索。 一、早期探索与“绘画的竞争”: 我们将详细分析“绘画主义”(Pictorialism)的兴起。这不仅仅是一种风格,更是一场摄影界争取艺术地位的宣言。通过对德加(Degas)对摄影的借鉴,以及彼得·亨利·埃默森(P.H. Emerson)的“自然主义”摄影理论的考察,读者将理解早期摄影师如何通过软焦、手工处理和巧妙的构图,试图模仿油画的质感与深度。 二、现代主义的革命:形式的纯粹化: 随着一战的洗礼和工业化的推进,摄影艺术转向了对自身媒介特性的深刻反思。我们将聚焦于“新客观性”(New Objectivity)与“纯粹摄影”(Straight Photography)的运动。保罗·斯特兰德(Paul Strand)与爱德华·韦斯顿(Edward Weston)如何通过锐利的焦点、精确的曝光和对日常物体(如辣椒、贝壳)的几何化处理,证明摄影的独特价值在于其对物质世界的“在场性”和对形式的极致剥离。 三、跨越大陆的对话: 我们将对比分析欧洲的包豪斯(Bauhaus)摄影——尤其是拉斯洛·莫霍利-纳吉(László Moholy-Nagy)和阿尔伯特·伦格尔-帕奇(Albert Renger-Patzsch)对光线、阴影和拼贴的实验,与美国“F/64小组”对地域景观的颂歌。理解这种全球性的趋势,即摄影正从模仿转向发现自身语言的过程。 第二部分:纪实的力量与社会责任 (1930s–1970s) 二战前后的社会动荡,使得摄影成为介入社会、记录苦难和影响政策的最有力工具。本部分侧重于纪实摄影的伦理困境与美学成就。 一、大萧条与美国农业安全局(FSA): 深入剖析多萝西娅·兰格(Dorothea Lange)和沃克·埃文斯(Walker Evans)如何运用冷静而富有同情心的镜头,构建了美国集体记忆中的贫困图像。这里的欣赏重点在于其叙事结构、肖像的心理深度,而非仅仅是历史文档的价值。 二、人文主义的温情与批判: 探讨布列松(Henri Cartier-Bresson)的“决定性瞬间”理论,分析其如何将禅宗哲学融入街头抓拍,创造出兼具偶然性与必然性的完美构图。同时,对比罗伯特·弗兰克(Robert Frank)的《美国人》(The Americans)所带来的颠覆性视角——一种更加疏离、焦虑和批判性的目光,标志着传统“温情纪实”的终结。 三、战后观念的转变: 考察战后欧洲的摄影团体,如马格南图片社的运作模式,以及纪实摄影如何开始挑战其自身的客观性立场,为后来的观念摄影埋下伏笔。 第三部分:观念的转向与后现代的解构 (1970s至今) 随着摄影进入艺术画廊,其边界被极大地拓宽。本部分探讨摄影如何吸收理论思潮,挑战其作为“真实记录者”的权威性。 一、观念的胜利:概念与媒介的边界: 重点分析观念摄影对“观看”行为本身的质疑。巴里·辛格(Bernd and Hilla Becher)的类型学研究,如何将看似客观的工业建筑转化为严谨的分类学项目,预示了后现代对“系列”和“系统”的迷恋。 二、身份、身体与权力: 深入研究女性艺术家和少数族裔艺术家如何利用摄影来重构被观看的身体和被建构的身份。辛迪·舍曼(Cindy Sherman)如何通过自拍像扮演女性形象的刻板角色,揭示了媒体中“女性气质”的虚假性。理查德·林克莱特(Richard Avedon)晚期对名人肖像的极端剥离,亦是探讨权力关系在肖像摄影中的体现。 三、当代摄影的多元图景: 探讨数字时代对“原件”概念的冲击。当我们面对大规模的数字操纵和新媒体装置时,我们如何欣赏摄影的“在场性”?从大尺幅风景摄影师安塞尔·亚当斯(Ansel Adams)对自然崇高的再现,到杰夫·沃尔(Jeff Wall)构建的“台面场景”(Cibachrome Tableaux),本书旨在提供一套适应当代复杂视觉环境的鉴赏工具。 结语:持续的对话 摄影艺术的欣赏并非是掌握一堆标签或年份,而是培养一种对图像背后意图、技术选择和文化语境的敏感度。本书期望读者在合上书页后,能够以更加审慎、更具批判性的眼光,去审视我们被无尽的图像流所包围的世界。每一张被精心选择的作品,都是一次对媒介潜能的极限探索。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的价值在于它不仅仅教授技术,更注重培养读者的“摄影眼”。很多摄影教程总是把重心放在相机设置、镜头选择这些硬性的技术层面,但这本书却反其道而行之,它更侧重于如何培养一种审美能力,如何用艺术家的眼光去观察世界。作者花了大量的篇幅去讲解如何理解摄影作品的构图、色彩、节奏感,以及如何通过这些元素来营造氛围、表达情感。我以前拍照,总是凭感觉,拍出来的照片总觉得少了点什么,看了这本书之后,我才明白,原来构图的每一个元素,色彩的每一次搭配,都有其深远的意义。作者还鼓励我们要多看、多思考,通过大量的作品鉴赏,来潜移默化地提升自己的审美水平。这本书让我不再仅仅满足于“拍到”照片,而是追求“拍好”照片,追求照片的艺术性和思想性。它让我明白,真正的摄影,是心灵与世界的对话。

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我是一个对艺术一直充满好奇,但又常常觉得门槛很高的人。摄影艺术对我来说,一直像是一个美丽而神秘的国度,我渴望了解,却又不知如何踏入。这本书的出现,简直就像是为我量身定做的“通关秘籍”。它没有一开始就抛出晦涩难懂的专业术语,而是从最基本、最直观的层面,一点点地打开我的认知。从如何“看”一幅好的摄影作品,到理解作品背后的情感和意图,再到领略不同流派的摄影风格,这本书层层递进,逻辑清晰。我尤其喜欢作者对于“光线”的讲解,以前总觉得光线就是自然而然的,但读了这本书,我才意识到,原来光线是摄影的灵魂,是赋予画面生命力的关键。作者通过大量的实例,让我看到了不同光线条件下,同一场景所呈现出的截然不同的效果,这让我恍然大悟。这本书让我意识到,欣赏摄影艺术,不仅仅是看表面的美,更是去感受作品背后所传达的作者的情感、思想和视角。

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这本书简直是一场视觉盛宴!当我翻开第一页,就被那些精美的摄影作品深深吸引。每一个画面都仿佛在诉说着一个故事,传递着一种情感,让我不由自主地沉浸其中。不仅仅是技巧的展现,更是一种对美的感知和表达。摄影师们如何捕捉到那一瞬间的灵动,如何运用光影去雕琢情绪,如何构图来引导视线,这些都让我觉得无比神奇。我尤其喜欢那些黑白摄影作品,它们褪去了色彩的干扰,将事物的本质和情感的力量放大,展现出一种穿越时空的隽永魅力。书中的每一个案例都配有详尽的分析,让我这个初学者也能窥见门道,感受到摄影艺术的深度和广度。我原本以为摄影只是记录,但读了这本书,我才明白,摄影更是一种创造,一种将平凡化为不朽的魔力。它让我重新审视我身边的世界,开始留意那些曾经被我忽略的细节,那些生活中转瞬即逝的美好。我现在出门都忍不住带上相机,想要用自己的眼睛去发现,去捕捉,去表达。这本书不仅仅是关于摄影,更是关于如何去“看”,如何去“感受”,如何去“表达”生活。

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这本书的书写风格非常吸引人,语言流畅且富有感染力,读起来一点也不枯燥。作者用一种非常亲切和引导性的方式,带领我们一步步探索摄影的奥秘。我特别欣赏作者对于摄影作品的解读,她/他并没有生硬地套用理论,而是通过具体的作品,结合当时的情境和摄影师的心路历程,来阐述摄影的理念和技巧。这让我感觉自己就像是跟着一位经验丰富的老师在旁边,一点一点地学习和领悟。我之前对摄影的一些概念,比如“黄金分割”、“三分法”等等,一直停留在死记硬背的层面,但在这本书里,我第一次真正理解了它们是如何在实际作品中发挥作用的,以及它们背后的美学原理。作者还穿插了一些摄影史上的经典故事和人物,这些内容让整个教程更加生动有趣,也让我对摄影艺术的发展脉络有了更清晰的认识。这本书不像是教科书那样板正,更像是一次愉快的聊天,让我们在轻松愉快的氛围中,不知不觉地提升了对摄影的认知和品味。

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当我拿到这本书的时候,我其实并没有抱太大的期望,毕竟“简明教程”这四个字,常常意味着过于概括和浅显。但事实证明,我的担忧是多余的。这本书的“简明”体现在它提炼出了摄影艺术中最核心、最本质的那些要素,用最精炼的语言将其呈现出来。它没有冗长的理论堆砌,也没有繁琐的操作步骤,而是直接切入艺术欣赏的层面,通过精选的案例,引导我们去体会摄影的魅力。我被书中那些风格迥异、题材多样的摄影作品深深打动。有记录时代变迁的纪实摄影,有捕捉自然风光的风景摄影,也有抒发个人情感的人物摄影。每一个作品都被作者进行了深入浅出的解读,让我看到了摄影师是如何通过他们的镜头,去观察、去思考、去表达。这本书的优点在于,它既有深度,又不失趣味性,让我在短时间内,能够对摄影艺术有一个比较全面而深刻的认识,并且能够开始独立地去欣赏和品鉴不同的摄影作品。

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