荣宝斋画谱187

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出版者:荣宝斋出版社
作者:史国良
出品人:
页数:42
译者:
出版时间:2006-11
价格:22.00元
装帧:
isbn号码:9787500309031
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

写实水墨人物画比起山水、花乌、古装人物等统中国画来起步最晚,满打满算,历史也不足百年,最早是由徐悲鸿等人引进西方的素描解剖与焦点透视和传统中国画技法相结合而产生的画种。

传统中国画强调散点透视、平面构成、意象造型、书法用笔,其技巧、形式与表现的内容极为一致因而也称为写意画。在经过千百年的磨合与实践,在技法和理论上形成了一套严格的规范法则。写实水墨人物画,这个“写实”与传统的“写意”有些不同。它是以焦点透视、立体、具象为骨架的造型方法,在强调书法用笔时,还要加进解剖透视的概念。由于写实人物画起步晚,从实践经验到绘画理论都不够完善,以胶大部分人也把这种新生画种泛叫“写意画”。同时用传统中国画的写意理论要求它,对写实水墨人物画的发展造成了很大的障碍和混乱。

写实人物画,是中西各半的混血儿。它的出现大大丰富了中国画的技法和表现能力,填补了传统中国画没有科学解剖和透视的不足,一改大头小身子、歪房斜桌子的毛病,无论人物、景物都有了一个科学的比例。本书收史国良人物画作品。

《古籍珍赏:宋元版画艺术探微》 作者: 李 景 华 出版社: 翰墨轩文化出版公司 出版时间: 二〇二四年五月 --- 内容提要: 《古籍珍赏:宋元版画艺术探微》并非一部关注近现代名人书画或普及性画册的著作,而是深入聚焦于中国古代雕版印刷术发展黄金时期的艺术结晶——宋代及元代雕版画这一独特艺术门类的学术专著。本书旨在系统梳理和深入剖析自北宋开国至元末近四百年间,雕版技术如何与文学、宗教、科技、风俗等领域深度融合,最终催生出具有极高审美价值和史料意义的版画艺术。全书结构严谨,考证详实,力求展现宋元版画在不同历史阶段的技术演变、风格特征及其文化内涵。 第一部分:雕版印刷的缘起与宋代的勃兴 本部分首先追溯了雕版印刷技术在唐代的萌芽与初步应用,继而重点阐述了宋代(特别是北宋)作为雕版艺术鼎盛时期的历史背景。宋代文人士大夫阶层的崛起、科举制度的完善以及城市经济的繁荣,为版画的普及提供了深厚的社会基础。 技术革新与材质研究: 详细考察了宋代雕版所用木材的选择(如枣木、梨木的优劣),刀法的精细化发展,以及墨色的调配与印制工艺。特别是对“墨槧”的制作流程进行了细致的图解和描述,包括审稿、描摹、雕刻、校对、润墨、覆纸、拓印等各个环节。 官方与民间的版画中心: 辨析了以开封、杭州为代表的官方刻书中心,与以苏州、建阳为代表的民间刻书坊之间的地域差异和风格侧重。例如,建阳书坊在小说插图和通俗读物中的创新性运用。 宋代版画的类型学分析: 本书将宋代版画细分为几个主要类型,并分别进行深入剖析: 佛经版画(金刚经、大藏经): 探讨了密宗、禅宗图像在雕刻技法上的继承与创新,重点分析了以《碛砂藏》等重要刻本中的版画为例,研究其线刻的雄健与佛像的庄严感。 类书与百科全书插图: 侧重于《太平御览》、《营造法式》中建筑、器物图的写实性与科学性,揭示了版画在古代科技传播中的关键作用。 小说、话本的插图(“带图说部”): 考察了《水浒传》、《三国演义》等早期刻本中的插图,分析其叙事性与人物造型的世俗化趋势。 第二部分:元代版画的转型与融合 元代是中国历史上一个特殊的过渡时期。在政治环境的变化下,版画艺术并未衰落,而是展现出强大的适应性和新的发展方向。 学术风气的转移: 考察了元代刻书重心的转移,特别是江南地区(如松江、苏州)在文学和戏曲版画方面的突出贡献。 元曲与戏文版画的兴盛: 这一部分聚焦于元曲版画的特点。相比宋代的严肃性,元曲版画更注重舞台场景的还原和人物情绪的捕捉。分析了版画中对服饰、布景的细致刻画,体现了新兴市民阶层对娱乐性艺术的需求。 “套色印法”的萌芽与实践: 重点研究了元末出现的多色套印技术(套色雕版),探讨了其技术原理、局限性,以及它如何为明代“檠印”(套印)艺术的成熟奠定了技术基础。书中配有详细的技术对比图,说明套色印版的刀口与层次设置。 第三部分:图像分析与艺术风格的比较 本部分是本书的核心研究部分,侧重于对具体图像进行细致的审美与技术分析,并进行纵向比较。 线刻的审美取向: 比较了宋代版画追求的“瘦劲挺拔”的线法与元代版画趋于“圆润流畅”的线条差异。探讨了这种风格转变背后的文化心理动因。 人物造型的演变: 通过对比不同时期《水浒传》中“鲁智深”或“关羽”等经典形象的版画刻画,分析了从写意到注重细节描摹的造型变化。 符号学解读: 对版画中反复出现的特定符号(如云纹、山石皴法、特定器皿的刻画)进行符号学解读,揭示其文化密码。例如,宋代版画中对“虚空”处理的偏好与元代版画中对“空间填满”的倾向的对比。 第四部分:版画的文物价值与保护 本书的最后一部分转向了对这些珍贵古籍的保护与研究方法论的探讨。 稀有性与版本学: 梳理了宋元版画存世的稀有程度,区分了“初印本”、“再印本”在图像清晰度和艺术价值上的区别。强调了版本学研究在版画史中的不可替代性。 修复与数字化: 讨论了古籍版画的传统保护技术(如托裱、用纸的选择)以及现代数字化技术在图像重建和研究中的应用前景,强调了保护的紧迫性。 本书特色: 本书以严谨的学术态度,聚焦于宋元时期雕版印刷的艺术成就,避免了对其他时期或不同类型艺术(如名人书画、绘画理论)的泛泛而谈。书中配有大量高清、精心挑选的宋元版画原件照片和拓片,并辅以专业线描图,以最直观的方式呈现雕刻的细节和艺术的精髓。它是一部深入研究中国古代图像传播史和雕版艺术史的必备参考书。 适合读者: 艺术史、文献学、印刷史研究者,古籍收藏家,以及对中国传统版画艺术有浓厚兴趣的专业人士。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的出现,对于我这个长期以来沉浸在中国传统书画艺术的爱好者而言,无疑是一场及时雨。拿到“荣宝斋画谱187”的瞬间,我便被它沉甸甸的质感和封面那股扑面而来的古韵所吸引。翻开第一页,映入眼帘的是一系列精美的图录,它们并非简单地罗列,而是经过了精心的编排和设计,仿佛一条条脉络,串联起中国画史上的某些重要节点。每一幅作品的呈现都力求还原原作的神韵,色彩的过渡、笔墨的浓淡、线条的起伏,都仿佛触手可及。我尤其喜欢那些描绘山水景色的画作,那些云雾缭绕的山峦,苍劲古朴的松柏,以及蜿蜒曲折的溪流,无不展现出画家高超的写意技巧和对自然的深刻理解。而对于人物画的描摹,我也能感受到其中人物神态的生动刻画,无论是高士的飘逸,还是仕女的娇柔,都跃然纸上,传递出作者对人生百态的细腻观察。这本书的装帧设计也相当考究,纸张的触感温润,印刷的清晰度极高,即使是放大细看,也丝毫不见模糊的痕迹。这样的品质,让我在阅读过程中,能够更加专注于艺术本身,沉浸在其中,忘却了时间的流逝。它不仅仅是一本画册,更像是一位博学的老师,一位亲切的朋友,在我孤独的艺术探索之路上,给予了我无声的陪伴和启迪。

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“荣宝斋画谱187”这本书,对我来说,不仅仅是一本画册,更是一扇通往中国传统艺术殿堂的窗户。当我初次接触它时,就被其厚重的历史感和扑面而来的艺术气息所吸引。这本书的选材之精,让我叹为观止。它所收录的画作,涵盖了中国绘画史上的各个重要时期和流派,每一幅作品都堪称精品,具有极高的艺术价值和历史意义。我特别喜欢书中那些描绘自然景色的画作,无论是巍峨的山峦,还是静谧的溪流,亦或是斑斓的花鸟,都展现出画家们对自然的深刻感悟和独特表达。他们运用精妙的笔墨,将自然的生命力与个人的情感融为一体,创造出了一幅幅意境深远的艺术作品。在欣赏的过程中,我常常会陷入沉思,想象着画家们在创作时的心境,感受他们对于线条、色彩和构图的独特处理。这本书的印刷质量也令人称道,每一处细节都得到了细致的呈现,仿佛能让人触摸到画作本身的质感。它不仅提供了视觉上的享受,更引发了我对于中国传统文化和美学思想的深入思考。总而言之,这是一本值得反复品味、细细研读的宝贵画谱。

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说实话,最初拿到“荣宝斋画谱187”的时候,我并没有抱有太高的期待,毕竟市面上同类书籍繁多,真正能打动人心的并不多。然而,当我迫不及待地翻开这本书后,我却被它带来的惊喜深深地震撼了。这本书的编排逻辑清晰,内容组织极具匠心,它不是简单地堆砌画作,而是通过一种巧妙的方式,将不同时期、不同风格的作品串联起来,形成了一条引人入胜的艺术长河。我特别欣赏它在展示作品时,对细节的处理。每一幅画作都经过了细致的扫描和印刷,即使是一些古老的绢本,其细腻的纹理和微妙的色彩变化也得到了最大程度的还原。这让我能够清晰地观察到画家运笔的痕迹,感受墨色的干湿浓淡,甚至能够想象出他们创作时的情景。在浏览的过程中,我发现书中收录的作品,涵盖了从工笔到写意,从山水到人物,再到花鸟的各个领域,几乎囊括了中国传统绘画的精华。我尤其喜欢那些描绘自然景色的画作,它们不仅仅是对客观景物的描绘,更是画家内心世界的抒发,充满了诗情画意。这本书的出现,为我提供了一个宝贵的学习和欣赏平台,它让我能够更深入地理解中国传统绘画的博大精深,也让我对艺术的热爱又添了一份新的火焰。

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收到“荣宝斋画谱187”后,我几乎是迫不及待地开始翻阅。这本书带给我的,不仅仅是视觉上的享受,更是一场心灵的洗礼。它所呈现的作品,仿佛跨越了时空的界限,将古人的艺术智慧和审美情趣原汁原味地呈现在我眼前。我尤其被其中一些描绘日常生活的画作所吸引,它们以细腻的笔触和生动的构图,展现了那个时代人们的生活状态和精神风貌。我能从那些人物的眼神、姿态中感受到他们的喜怒哀乐,从那些场景的细节中窥见那个时代的风土人情。而那些描绘自然景色的画作,则以其磅礴的气势和深邃的意境,让我对大自然产生了更为深刻的敬畏之情。书中的排版设计也十分精良,每一幅画作的呈现都恰到好处,既留足了欣赏的空间,又不失整体的连贯性。我喜欢它在展示作品时,对背景的处理,往往能够衬托出画作本身的意境,使其更加引人入胜。这本书让我有机会近距离地接触到中国传统绘画的精髓,也让我对艺术创作有了更深的理解和感悟。它不仅仅是一本画册,更是我艺术道路上的一位良师益友,引领我不断探索和前进。

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当我收到“荣宝斋画谱187”这本书时,内心涌现出一种久违的激动。作为一个在艺术领域摸索了多年的业余爱好者,我一直渴望能有一本能够系统性地梳理和呈现中国传统绘画精髓的作品,而这本书恰好满足了我长久以来的期盼。它所包含的画作,无论是从题材的广泛性,还是从艺术风格的多样性,都给我留下了深刻的印象。我惊喜地发现,这里面不仅有我们耳熟能详的名家之作,更收录了一些风格独特、意境深远却可能不那么为人所熟的作品。这种“寻宝”式的发现过程,极大地激发了我进一步探索的兴趣。在细细品味的过程中,我尤其被那些具有独特时代印记的画作所打动。它们不仅仅是简单的笔墨丹青,更是那个时代社会风貌、文人雅趣乃至思想观念的生动写照。我反复揣摩画家的构图方式,感受他们对于色彩与光影的独到运用,体会他们如何在有限的空间内营造出无限的意境。这本书让我有机会近距离地欣赏到那些跨越时空的艺术杰作,仿佛与历史上的艺术家们进行了一场跨越时空的对话。它的价值,远不止于视觉的享受,更在于它能够引发读者对于艺术创作本体、人文精神以及时代变迁的深入思考。

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