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出版者:古吴轩出版社

作者:冯虚

出品人:

页数:150

译者:

出版时间:1999-6

价格:10

装帧:平装

isbn号码:9787805744322

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
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《瀚海星辰：中国近现代艺术史上的光影流转》 引言：时代的宏大叙事与个体的深沉表达 本书旨在梳理和剖析中国近现代艺术史的复杂脉络，聚焦于二十世纪上半叶至当代艺术思潮的重大转折与关键人物的艺术实践。我们不满足于对孤立作品的审美描述，而是力图深入探究社会变迁、思想革新与艺术语言重塑之间的内在张力。这是一部关于“在继承中反叛，在变革中坚守”的史诗，它描绘了艺术家如何在传统与西方、本土与世界之间架设桥梁，最终构建出具有独特民族精神和世界视野的艺术图景。 本书的叙事结构围绕三大历史阶段展开： 第一编：旧的瓦解与新的萌芽（1900-1949）：从“西学东渐”到本土精神的觉醒 本篇着重考察清末民初中国社会剧烈的动荡如何直接催生了艺术领域的深刻变革。传统文人画在科举制度的废除后面临生存危机，而西方写实主义、印象派等思潮的涌入，犹如一场思想的地震，撼动了既有的审美藩篱。 第一章：东渡与启蒙：艺术教育的开端与写实主义的奠基 本章详细考察了中国第一批留学日本、欧洲的艺术先驱者。他们不仅学习了西方成熟的造型体系——素描、油画，更重要的是，他们肩负起了“以艺术救国”的使命感。重点分析了早期美术学校（如中央大学艺术系、国立艺专）的课程设置，以及油画、水彩画等媒介如何作为一种“科学”的、现代的工具，被用于描绘现实生活和历史事件。探讨了徐悲鸿先生对古典写实主义的推崇及其对中国现代美术教育体系的深远影响，分析其“中西融合”理念并非简单的拼凑，而是在骨法用笔的深层逻辑上寻求与西方解剖学、透视法的对接。 第二章：现代思潮的激荡：左翼艺术与民间艺术的介入 随着社会矛盾的加剧，艺术的社会功能性被空前强调。本章关注新兴的木刻运动及其在启蒙和宣传中的巨大能量。木刻因其便捷性和强烈的黑白对比，成为表达底层疾苦和反抗精神的有力武器。我们将对比分析上海、广州等地的艺术团体，他们如何借鉴俄国和欧洲的进步艺术思潮，将艺术家的目光从精英阶层的“风花雪月”转向工厂、田野和街头巷尾的真实生活。同时，我们也考察了在这一时期，民间剪纸、年画等传统艺术形式如何被重新发现和利用，成为连接知识分子与广大民众的隐秘通道。 第三章：国画的现代性转型：对笔墨本体的哲学叩问 在西方绘画冲击的背景下，传统中国画面临“何去何从”的终极拷问。本篇将重点剖析一批杰出的国画革新者，他们拒绝简单地模仿西方，而是试图在水墨语言的内部寻找现代性。分析他们如何拓展山水画的空间感，如何运用传统材料表达现代的情绪和体积感。探讨了对“笔墨精神”的重新定义，即如何使线条不仅是描绘的工具，更成为独立的审美实体，承载哲学思辨和情感张力。讨论了早期“岭南画派”的自由创作态度，以及“新国画运动”中对文人画意境的现代化处理。 第二编：建构与规范：宏大叙事下的艺术实践（1949-1976） 中华人民共和国的成立，为艺术创作带来了一个全新的意识形态框架和社会结构。本篇聚焦于艺术如何服务于国家建设和集体主义精神的塑造，以及在高度统一的规范下，艺术语言所展现出的内在韧性与风格差异。 第四章：社会主义现实主义的本土化尝试 本章深入研究了社会主义现实主义在中国语境下的具体实践。它并非僵化的教条，而是在特定历史条件下，对“革命浪漫主义”和“严格写实”的调和。分析了大型历史题材创作的特点，如如何通过戏剧性的构图、饱满的色彩和英雄式的人物塑造，来传达历史的必然性和人民的积极性。着重探讨了艺术家们在严格的题材限制下，如何巧妙地运用光影、构图和人物瞬间的捕捉，来注入情感的深度和个体的温度。 第五章：面向工厂与田野：题材的转向与媒介的普及 在“向工农兵学习”的号召下，艺术家的创作重心彻底转向劳动人民。本章考察了版画、连环画在这一时期的普及与繁荣，它们成为最有效的宣传和教育工具。研究了国家组织的大规模写生和“深入生活”的运动，分析了艺术家在描绘工业场景、农业生产中的具体技术革新，例如如何用套色木刻和油画技法来表现机械的质感和劳动的光辉。 第六章：民族艺术的整理与创新 在强调“民族化”和“大众化”的背景下，国家对少数民族艺术和民间艺术进行了大规模的普查、整理和提炼。本章分析了这一工作如何反哺到主流艺术创作中，例如装饰图案、民间色彩体系如何被借鉴到年画、壁画和舞台美术中，形成了具有鲜明时代特征和地域色彩的“新民族风”。 第三编：多元的回归与未来的探索（1977至今）：观念的拓展与风格的回归 改革开放为艺术领域带来了前所未有的思想解放和多元文化的输入。本篇探讨了艺术如何从政治叙事的中心地位逐渐回归到个体经验、文化身份和纯粹的视觉探索。 第七章：反思与探索：星星美展与“朦胧诗意”的回潮 “伤痕美术”和“反思现实主义”是这一时期艺术的先声。本章分析了艺术家们如何从对历史创伤的直面，转向对个人情感和内心世界的挖掘。重点考察了早期民间展览（如“星星美展”）的意义，它标志着对官方规范的第一次集体性冲击，艺术家们重新拾起了对西方现代主义的兴趣，如表现主义、抽象表现主义，试图在画布上重现被压抑已久的主观感受。 第八章：观念的觉醒与架上绘画的重构 随着西方当代艺术思潮的全面涌入，艺术的定义被极大地拓宽。本章将分析架上绘画如何应对来自装置、影像艺术的挑战。探讨了艺术家们如何通过对传统绘画符号的戏仿、挪用和解构，表达对消费主义、全球化和身份认同的思考。分析了不同地区（如北京、西南、沿海）艺术家的地域性差异及其对本土文化的反思。 第九章：面向未来的对话：跨媒介与全球语境下的中国艺术 本书的收尾部分，将目光投向当代最活跃的艺术实践。探讨了摄影、新媒体艺术在中国艺术语境下的发展脉络。分析了当代艺术家如何在全球化的语境下，运用国际化的语言和形式，同时根植于中国特有的文化记忆和现实问题，完成具有世界影响力的艺术表达。我们审视了艺术在公共空间、城市化进程中的角色变化，以及艺术家们在技术飞速发展面前所承担的文化责任与美学尝试。 结语：艺术史的持续生成 中国近现代艺术史是一部充满张力的历史，是传统与现代、东方与西方、集体与个体之间永恒对话的历史。理解这段历程，不仅是梳理风格的演变，更是理解一个民族在剧变时代中如何重塑其精神家园和视觉表达的过程。本书力求提供一个全面、深入且富有思辨性的框架，供读者在星辰般闪耀的艺术作品中，捕捉历史的光影与时代的脉搏。

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这本画册简直是艺术的盛宴，每一页都仿佛能呼吸到笔触间的生命力。我特别欣赏它对光影的处理，那种层次感，不是简单的明暗对比，而是光线在物体上游走、渗透、最终形成独特氛围的过程。初看时，可能会觉得构图有些打破常规，但细细品味后，你会发现每一个看似随意的点、线、面，都在为整体的意境服务。特别是那些山水画作，水墨的晕染效果处理得炉火纯青，墨色的浓淡变化，如同云雾在山谷间聚散，让人不禁想象身临其境，仿佛能听到松涛阵阵，闻到泥土的清新。装帧设计也相当考究，纸张的质感很好，使得原作的细节得以最大程度地还原，即便是最细微的皴法变化，也能清晰可见。这本书不仅仅是作品的集合，更像是一本关于如何“看”艺术的教科书，它引导着观者超越表象，去捕捉艺术家在创作瞬间捕捉到的那种转瞬即逝的灵性与哲学思考。这种深度和广度，让这本书远超一般的画集范畴，成为了我案头常备的珍品。

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老实说，一开始我对这本画册的期待值是比较高的，毕竟名气摆在那里，但真正上手后，我感受到了一种近乎于“质朴”的震撼。它没有华丽的辞藻去修饰，更没有过分追求迎合市场的潮流。作品本身的那种力量感是自内而外散发出来的。我注意到，许多作品都带有明显的个人印记，那种对于“空间感”的独特理解，使得画面即使在二维平面上，也展现出了极强的三维纵深。在处理人物或特定场景时，作者似乎总能抓住事物最本质的特征，然后用极简的笔触将其提炼出来，这种高度概括的能力，令人叹服。而且，这本书的印刷质量也值得称赞，色彩的还原度非常高，即便是原本就偏向暗调或肌理丰富的作品，也能清晰地展现出画布或纸张的纹理，这对于研究者或者仅仅是欣赏者来说，都是一种享受。它不是一本快餐式的读物，需要你静下心来，慢慢体会那些“留白”之处的深意。

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这本书给我最大的触动在于其强烈的叙事性和情感投入。虽然很多作品并非传统意义上的故事场景描绘，但每一幅画作都像是一个未完待续的瞬间，充满了情绪的张力。我特别关注了其中关于“室内空间”的一组作品，那种光线透过窗户投射在地板上的那种微妙变化，简直是神来之笔，它不仅仅是在画光，更是在描绘一种独处的、沉思的状态。画册的装帧设计也体现了对作品意境的尊重，封面设计简洁到极致，反而更突出了内页内容的重量感。我甚至愿意花时间去对比不同时期作品之间的风格演变，可以看到艺术家是如何不断探索、自我否定和重塑的过程。这本书的价值，不仅仅在于展示了最终的成果，更在于它提供了一个深入了解创作者精神世界的窗口，每一次翻阅，都有新的感悟，就像是与一位智者进行无声的对话。

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这是一本真正意义上的“重量级”画册，它的分量（无论是物理上的还是艺术上的）都让人肃然起敬。我尤其赞赏它在处理传统题材时所展现出的那种创新精神。它没有陷入对古典技法的僵化模仿，而是巧妙地将传统元素融入到全新的视觉语言中，形成了一种既熟悉又陌生的美感。细节的处理尤为精妙，比如在描绘自然景物时，即便是最不起眼的石头或树皮，其纹理和厚度感也处理得极其到位，让人感觉仿佛能用手触摸到那种粗粝或光滑。这本书的编排逻辑也十分清晰，它似乎遵循着一条内在的脉络，引导读者从宏大的景象过渡到微观的笔触，再回归到整体的哲学思考。对于任何对艺术史和创作技法有兴趣的人来说，这本书都是不可或缺的参考资料。它不仅仅是视觉的享受，更是一次深层次的智力与情感的洗礼。

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初翻阅这本册子时，最先抓住我眼球的是那种饱满而沉稳的色彩运用。它不同于许多当代作品的轻浮或过于炫目，这里的用色是内敛而有力量的，仿佛经过了时间的沉淀。无论是描绘都市风光时的那种厚重感，还是描绘静物时的那种宁静致远，都透露出一种成熟的韵味。我尤其喜欢其中几幅以几何形体为主导的作品，它们在看似抽象的结构下，却蕴含着对现实世界的深刻洞察。线条的运用极其精准，每一笔都像是经过了深思熟虑，绝不拖泥带水，反而充满了张力。这本画册的排版很有自己的想法，它没有刻意追求作品尺寸的统一，而是根据每幅画的内在气质，为其量身定制了展示空间，有的作品被放大到几乎占据两页，让人可以全身心沉浸其中，而有的则被巧妙地安排在留白之中，更显其精巧。这种对视觉节奏的把控，使得阅读体验一气呵成，又时时有惊喜。

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