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出版者:北京大学

作者:彭吉象

出品人:

页数:584

译者:

出版时间:2007-1

价格:68.00元

装帧:

isbn号码:9787301113905

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《百年回响：现代中国音乐的嬗变与重构》 一部深入剖析二十世纪中国音乐文化转型与民族精神熔铸的恢弘史诗 作者： 萧 然 出版社： 艺文雅集 装帧： 精装函套，附赠珍贵历史录音CD 定价： 人民币 380.00 元 --- 内容提要 《百年回响：现代中国音乐的嬗变与重构》并非一部传统的音乐史编年体著作，它更像是一部在历史的洪流中，对“中国音乐”这一概念进行深刻解剖与审视的文化人类学研究。本书聚焦于自晚清“开眼看世界”始，至二十世纪末期，中国音乐如何在内忧外患、社会剧变、意识形态更迭以及全球化浪潮的冲击下，完成其本体结构的重塑、审美范式的转移以及与国家叙事、民族身份构建的紧密捆绑。 萧然先生以其深厚的音乐学、历史学与社会学功底，带领读者穿越林风、聂耳、冼星海的早期探索，经历抗战时期的“战歌”精神的锻造，步入新中国成立后“十七年”的社会主义现实主义音乐高峰，再抵达“文革”后的拨乱反正与“新潮音乐”的勃兴。全书的核心议题在于探讨：在“西风东渐”与“本土坚守”的双重张力下，中国音乐如何既吸收外来形式（如交响乐、和声学、对位法），又努力实现“民族化”的表达，最终在实践中构建出一种既现代又具有鲜明中国气派的音乐语言。 本书的叙事逻辑并非纯粹按时间线推进，而是围绕“引进与消化”、“革命与叙事”、“个体与集体”、“传统与现代”这四大核心母题展开辩证分析。 --- 卷首语：破碎的乐谱与重塑的旋律 二十世纪的中国，是一个声音被高度政治化的时代。传统文人音乐的雅致失却了主流舞台，民间曲艺在城市化进程中遭遇剧变，而西方传入的“新音乐”携带着现代性的承诺与工具理性，迅速成为塑造新国民精神的重要力量。本书开篇便从一个引人深思的画面切入：1930年代上海滩，电台里播放着一曲融合了中国五声音阶和西方浪漫主义配器的交响诗，这声音的混杂，正是那个时代最真实的写照。 萧然并不满足于仅仅罗列重要作品和作曲家，他更关注“谁在写？为何而写？听众是谁？它要达成什么目的？”。他认为，中国近代的音乐发展，本质上是一场关于“如何表达中国人身份”的宏大实践。 --- 第一部：启蒙的余音与现代性的初啼（1890-1937） 本部分详细考察了清末民初知识分子对西方音乐体系的最初接触、翻译与本土化尝试。 1. “教化之声”与“救亡之音”： 分析了新式学堂音乐、军乐改革以及留日学生群体对中国音乐教育体系的冲击。重点剖析了“国乐”概念的初步形成，以及在“中西调和”思潮下，民乐团如何被赋予了进入音乐厅的资格。 2. 早期作曲家的抉择： 深入解读了如黄自、刘天华等人在吸收西方作曲技法（如奏鸣曲式、复调技巧）的同时，如何苦心孤诣地在主题和旋律材料上寻求“中国性”。例如，对刘天华二胡曲目中“以文人琴道入西洋乐器”的实践进行了细腻的乐理分析。 3. 左翼的呐喊： 重点探讨了上海进步文化阵营中，音乐如何从纯粹的艺术探索转向强有力的社会批判工具。聂耳的《义勇军进行曲》的诞生，被置于当时复杂的中日关系和阶级矛盾交织的背景下，分析其结构和配器如何在有限的资源下达到了最大的情感张力和号召力。 --- 第二部：战火中的熔炉——音乐与集体意志的塑造（1937-1949） 战争年代是现代中国音乐发展史上最为紧密、最具目的性的时期。音乐成为跨越地域、阶层、文化隔阂的集体认同之桥梁。 1. 流亡中的交响： 描绘了音乐家们在昆明、重庆等地的艰苦创作环境，以及他们如何将“民族苦难”与“英雄史诗”相结合。冼星海的《黄河大合唱》的创作背景、首演的细节，以及它如何从一台作品升华为一个民族精神的图腾，进行了详尽的考证。 2. 民间曲艺的“转正”： 研究了在抗日宣传中，秧歌剧、民间小调等朴素的艺术形式如何被纳入主流叙事体系，并在语言、主题上进行“革命化改造”，使其更容易被广大民众接受和传唱。 3. 声音的地理学： 分析了不同地域音乐风格在流亡背景下的碰撞与融合，例如南方音乐的细腻感性如何与北方音乐的粗犷力量相互影响，为未来新中国音乐的“大一统”风格奠定了基础。 --- 第三部：宏大叙事的定型与内在的张力（1949-1976） 新中国的建立为音乐发展带来了前所未有的国家支持和明确的意识形态导向。 1. “十七年”的黄金标准： 详述了以“社会主义现实主义”为指导方针后，音乐创作的题材、体裁和审美规范的确立过程。探讨了如何将西方交响乐的宏大结构用于描绘社会主义建设的成就，以及“歌剧民族化”的探索与困境。 2. “三大高潮”的曲式分析： 选取了建国初期、大跃进时期和抗美援朝题材的作品作为样本，从和声语言、旋律布局和器乐配器上，剖析其如何服务于特定的政治话语，并尝试识别其内在的、难以被完全压抑的抒情性表达。 3. “文革”的音乐图景： 这是全书最为沉重的一章。萧然摒弃了简单地批判“样板戏”，而是深入分析了样板戏在继承京剧传统、学习西方戏剧结构、运用现代配器技术（如电声乐器的有限引入）方面所展现出的复杂技术成就，并论证了其在极度单一的文化环境下，如何成为唯一的、高度程式化的艺术载体。 --- 第四部：破冰与寻根——多元化时代的音乐探索（1977-2000） 随着改革开放，音乐领域迎来了前所未有的解放与混乱，个体经验与全球视野开始重新占据中心。 1. “复苏年代”的交响： 分析了改革开放初期，作曲家们在压抑释放后，对前三十年创作规范的反思。重点探讨了如陈其钢、谭盾等一代留学西方作曲家如何带着全新的现代主义、极简主义、序列主义等观念回归，引发了本土音乐界的巨大震动。 2. 民乐的“再发现”与重塑： 考察了“新民乐”运动的兴起，以及传统器乐（如古筝、琵琶、笛子）如何通过重新编写的配器和演奏技法，进入当代音乐的语境，不再仅仅是“民间”的或“复古”的符号。 3. 流行音乐的崛起与文化张力： 剖析了港台流行音乐涌入大陆后，对本土音乐审美带来的冲击。探讨了从西北风到校园民谣，再到九十年代摇滚乐的出现，这些非学院派音乐如何承载了青年一代对个人自由、城市疏离感和批判精神的表达，它们在艺术性、商业性和政治敏感度之间的微妙平衡。 --- 结语：声音的未来式 萧然在结语中总结道，中国近现代音乐史是一部“不断完成的身份认同史”。它不是一个封闭的体系，而是一个永恒的张力场：在民族主义的召唤下，它必须是“中国”的；在现代性的诱惑下，它又必须是“世界”的。本书最终指向的，不是对某一风格或流派的褒贬，而是对这种“交织、冲突、融合”的动态过程的深刻理解。它为所有对中国现当代文化史感兴趣的读者，提供了一把透视那个百年巨变的独特钥匙。 --- 附录与特色 珍贵录音CD： 附赠首演版本《黄河大合唱》片段、早期留声机唱片中的民间小调采集样本，以及1980年代初实验音乐的珍稀录音。 一手文献： 大量引用了作者多年来在国内外图书馆、档案馆搜集的信件、日记、未发表的乐谱手稿及当时的报刊乐评，确保了研究的扎实性与细节的丰富性。 乐谱分析图示： 穿插有大量清晰的乐谱片段分析图，使非专业读者也能直观理解复杂的结构与和声处理。 《百年回响》是一部严肃、深刻、充满洞察力的学术专著，它超越了简单的音乐欣赏范畴，为我们理解现代中国如何用声音来定义“我们是谁”提供了无可替代的参照。

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坦白讲，初读时，我有点担心书中涉及的理论会过于晦涩难懂，毕竟“学”这个字本身就带着一定的距离感。然而，作者在构建理论体系时，非常注重与读者的“对话感”。他经常使用一些非常贴近生活的比喻，将抽象的艺术原理具象化，这种巧妙的转化技巧，让原本高冷的学术概念变得触手可及。例如，他用织布的经纬线来解释构图中的平衡与张力关系，这种比喻既形象又精确，让人一下子就能抓住核心要义。而且，这本书的篇幅虽然不短，但章节之间的过渡极其自然流畅，仿佛是在读一部引人入胜的小说，让人不忍释卷。我常常是在深夜里，伴着一杯清茶，沉浸在这种知识的海洋中，完全忘记了时间的流逝。更难能可贵的是，书中对不同地域、不同民族的艺术实践都给予了足够的尊重和深入的分析，展现了一种真正的包容性视野，这在很多国内的艺术理论著作中是比较少见的。

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这本书的行文风格非常具有个人色彩，读起来不像教科书，更像是一位学识渊博的长者在娓娓道来他毕生的观察与感悟。他对于艺术史的梳理并非完全线性的时间轴推进，而是更多地围绕着几个核心的主题或脉络展开，这种结构安排极富匠心，使得复杂的历史线索反而变得清晰易懂。我尤其欣赏作者处理争议性观点时的态度——他不会武断地给出唯一的答案，而是将不同的学说并陈，引导读者去思考每种观点的合理性与局限性。这种开放式的探讨，极大地激发了我的批判性思维。比如，在讨论某一时期艺术风格转向的原因时，他同时考察了政治环境、士大夫阶层的心态变化以及技术革新等多重因素，构建了一个多维度的解释系统，让人对艺术发展的内在驱动力有了更深层次的认识。全书读下来，感觉自己的“艺术品位”在不知不觉中被提升了，不再仅仅停留在表面的“好看”或“不好看”，而是开始关注其背后的时代精神和创作者的内在诉求。

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这套书的装帧设计真是让人眼前一亮，浓郁的文化气息扑面而来。从封面选用的那种带着岁月痕迹的纸张质感，到内页排版的疏密有致，都能感受到出版方在细节上的匠心。尤其是那些插图，色彩的运用大胆而又不失典雅，很多古代艺术作品的细节被高清还原，即便是从未接触过相关领域的人，也能被那种强大的视觉冲击力所吸引。我原本以为这种学术性较强的书籍会比较枯燥，但实际上，作者的叙述方式非常平易近人，他似乎总能找到一个绝佳的角度切入复杂的理论，将那些深奥的哲学思想，通过一个个生动的历史故事和具体的艺术案例串联起来。读起来就像是跟随一位经验丰富的导游，在历史的长河中漫步，每到一个站点都有新的发现和感悟。书中对不同艺术门类之间内在联系的探讨也极具启发性，比如建筑、绘画、书法乃至园林艺术，它们之间那种微妙的相互渗透和影响，被剖析得淋漓尽致。读完某一章节，常常需要合上书本，静坐许久，去回味那些关于“美”与“道”的思辨。这本书不仅仅是知识的堆砌，更像是一扇通往东方审美哲学的窗户，让人忍不住想去探究更多。

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说实话，我最初抱持着一种略微怀疑的态度来翻阅这部作品的，毕竟市面上关于“学”的论述汗牛充栋，真正能给人带来耳目一新的体验的实在不多。但这本书最让我印象深刻的，是其论证的严谨性与跨学科的视野。作者似乎对西方艺术理论和本土哲学思想都有着深刻的理解，他并非简单地将西方的概念硬套到东方现象上，而是建立了一套本土化的、自洽的分析框架。例如，他在解析宋代山水画“气韵生动”时，引用的文献跨越了诗词歌赋、道家玄学乃至中医理论，这种融会贯通的手法，极大地拓宽了我的理解边界。书中对一些传统概念的重新定义和解读也相当精彩，摆脱了过去那种学院派的僵硬说辞，用更具生命力的语言去重新诠释经典。阅读过程中，我几次忍不住停下来，拿出手机去搜索书中提及的那些具体图像或文物，那些原本只存在于文字描述中的意象，在真实图像的佐证下，立刻变得鲜活立体起来。这套书无疑是为那些真正想要深入挖掘艺术内核的读者准备的，它要求你不仅仅是看，更要“想”，要“体悟”。

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这本书最大的价值，或许在于它提供了一种看待世界的全新视角，它教会了我如何“慢下来”去欣赏和解读我们身边那些看似寻常的文化符号。作者对“意境”的阐释尤其令人难忘，他并未将“意境”局限于诗词或绘画，而是将其视为一种渗透在民族文化基因中的思维模式。书中详尽分析了这种思维模式如何影响了人们处理空间、时间乃至人际关系的方式。这种由艺术观察反推文化心理的路径，给我带来了巨大的震撼。我开始重新审视自己过去对传统艺术的理解，发现自己过去只看到了枝叶，而忽略了深刻的根系。书中的注释和引文部分也做得极为扎实，每一个关键论点都有可靠的出处支撑，这使得全书的学术可信度极高。对于那些想要系统性构建自己艺术认知体系的读者来说，这本书无疑是奠定坚实基础的绝佳读物，它不只是关于“中国艺术是什么”，更重要的是回答了“中国艺术是如何思考的”这一根本性问题。

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受益良多

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一开始看不进去，今天又看了，觉得写的很好

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教材，文笔一般般，甚至较差，可以获得很多全面系统的学识。

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书里的内容一半有用，一半自我感觉没用，只看了上册。

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书里的内容一半有用，一半自我感觉没用，只看了上册。