中国历代画论选（上下） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南美术

作者:潘运告

出品人:

页数:778

译者:

出版时间:2007-1

价格:98.00元

装帧:

isbn号码:9787535625090

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笔墨丹青：中国绘画艺术的千年回响 中国绘画，作为人类文明宝库中一颗璀璨的明珠，其发展历程绵延数千年，凝聚了无数画师的心血与智慧，更承载了深厚的文化底蕴与哲学思想。当我们在“中国历代画论选”这部巨著中穿梭，便如同踏上了一段穿越时空的艺术之旅，探寻那些闪耀在史册中的笔墨传奇，感受中国画独特的审美追求与精神意境。 这部“选”并非简单的画作的集锦，而是聚焦于中国绘画艺术的思想精髓——画论。画论，是中国画家、理论家们对绘画创作的理解、技法、美学原则、精神追求以及艺术史定位进行系统性梳理和阐述的文字结晶。它们如同一面面棱镜，折射出不同时代、不同流派画家们的创作理念与艺术主张，为我们理解中国画的演变脉络、审美特征及其背后所蕴含的东方智慧提供了最直接、最深刻的视角。 “中国历代画论选”上下两册，汇聚了从魏晋南北朝至今，历代重要的绘画理论文献，涵盖了各个时期最具代表性的画论家及其代表性论述。它让我们得以窥见古代画师们是如何思考“形神兼备”的奥妙，如何体悟“胸有成竹”的意境，如何在笔墨的挥洒之间传递天地万物的生命气息。 上册：溯源与立规——奠定中国画的哲学基础与艺术原则 上册的篇章，如同中国绘画的源头活水，引领我们回溯至魏晋南北朝时期。这一时期，是中国画从萌芽走向成熟的关键阶段。随着佛教的传入与士人阶层的发展，绘画逐渐摆脱了单纯的装饰功能，开始承载更多精神层面的表达。 顾恺之，这位被誉为“画圣”的大师，其《论画》虽然篇幅不长，却道出了中国画的根本。“以形写神”的理念，在此得以初步确立。顾恺之认为，绘画的关键在于“迁想妙得”，即画家需要在观察现实的基础上，进行艺术的想象与创造，捕捉对象内在的精神气质，而非仅仅停留在表面的描摹。他提出的“六法”，即“气韵生动”、“骨法用笔”、“应物象形”、“随类赋彩”、“经营位置”、“传移模写”，更是成为后世中国画创作的经典法则。尤其是“气韵生动”，作为“六法”之首，确立了中国画追求生命力与精神意境的最高标准，成为历代画论家反复阐释的核心议题。 紧随其后，宗炳的《画山水序》则将山水画推向了艺术理论的高峰。他提出的“神辨”之说，强调了山水画的意境营造与精神寄托。宗炳认为，“以形写形，而神去；以其形，而神在”，意即单纯模仿山水之形，则无法传达其神韵；只有通过画家对山水的感悟与理解，才能赋予画面以灵魂。他对山水画的“可行、可望、可游、可居”的理想境界的描绘，更是道出了中国人对自然的热爱与寄情山水的情怀，将绘画从单纯的视觉艺术提升到了与人生命相通的哲学高度。 到了唐代，随着社会经济文化的繁荣，绘画艺术也迎来了辉煌时期。张彦远的《历代名画记》，作为中国绘画史上的里程碑式著作，不仅对历代名家名作进行了梳理和评价，更是在画论方面提出了许多精辟的见解。他关于“运墨五色”的论述，揭示了墨色在表现体积、质感、光影等方面的丰富可能性，体现了中国画在水墨运用上的独到之处。“意匠”一词的提出，则强调了画家在创作中主动运用主观意识进行构思与表达的重要性。张彦远的书写，兼具史学价值与理论高度，为后世的绘画研究奠定了坚实基础。 唐代吴道子虽然留下的画作不多，但其“画塑并工”的技艺和“飞天”的独特风格，却深刻影响了后世。虽然我们可能无法直接读到他本人的画论，但通过历代史籍对他的描绘，我们可以感受到他“笔简意长”、“水陆不同”的艺术追求，以及他对人物动态和情感捕捉的非凡能力。 五代时期，随着政局的动荡，绘画风格也呈现出多样化的趋势。荆浩的《笔法记》是山水画理论的重要文献。他提出的“识”、“皴”、“擦”、“点”、“染”等用笔技法，对后世山水画的勾勒、渲染、皴法等产生了深远影响。荆浩尤其强调“笔力”，认为笔力是山水画的骨骼，决定了画面的力量感与生命力。他还提出了“山水有可行者，有可望者，有可游者，有可居者”的四可行说，将山水画的审美功能进一步拓展。 宋代，是中国绘画理论发展的重要时期，理性与写实精神得到加强。郭若虚的《图画见闻志》是宋代绘画理论的重要总结。他提出的“六要”，即“气韵”、“筋骨”、“思理”、“笔意”、“设色”、“传移”，是对“六法”的继承与发展，更强调了画面结构、笔墨趣味以及画家创作时的思维逻辑。他对“点睛”的强调，以及对“神似”与“形似”关系的辨析，都体现了宋代画家对绘画艺术深刻的哲学思考。 北宋沈括的《梦溪笔谈》中关于绘画的论述，虽然不是专著，但其对绘画材料、技法乃至创作过程的细致观察与记录，展现了宋代士人对艺术的严谨态度。他对“用笔”的认识，以及对不同画家风格的分析，都具有重要的参考价值。 南宋时期，随着山水画的发展，许多重要的画论也应运而生。李唐虽以山水画名世，但关于他的创作理念，我们仍能从后世的记载中感受到他对“骨法”的重视，以及其画风中的雄浑与苍劲。 元代，文人画兴起，书画结合的观念更加深入人心。赵孟頫作为元代画坛的领袖人物，其《画学管见》等论述，强调了“士人画”的特质，即强调笔墨情趣、诗意表达以及人格修养。他提出的“用笔”、“用墨”的论述，对后世影响极大。他对“书法入画”的推崇，以及对“古意”的追求，都成为了文人画的核心精神。 明代，绘画技法与理论继续发展，同时出现了对前代画论的继承与反思。董其昌是明末清初画坛上极具影响力的画家与理论家。他的《画禅室随笔》、《容台集》等画论，系统地阐述了他的“南北宗论”，提出了“以书入画”、“墨戏”等重要概念。他的“南北宗论”对后世中国画的风格划分与理论构建产生了革命性的影响，强调了文人画在哲学、精神层面的优势。他对笔墨的精辟论述，尤其对“皴法”的创新与运用，以及对“笔墨意趣”的强调，都深刻地影响了后世画坛。 清代，绘画艺术呈现出更加多元化的发展。王原祁的《雨窗漫笔》等画论，进一步发展了董其昌的理论，强调了“笔墨”、“经营”与“造化”的结合。他提出的“笔墨天趣”的理念，更是将笔墨的艺术性提升到了前所未有的高度。 下册：融汇与创新——拓展中国画的风格与精神内涵 下册的篇章，如同中国绘画艺术的百川汇流，展现了中国画在不同地域、不同流派、不同时代下的创新与演变。它在继承传统的基础上，更强调了绘画作品的情感表达、个性抒发以及对社会现实的关照。 海上画派的崛起，标志着中国画在近代社会转型中的一次重要变革。虚谷、任伯年、吴昌硕等大师，虽然他们的画论并非系统成册，但他们的艺术实践和留下的只言片语，却深刻地体现了他们对传统技法的继承与创新。他们将西方的写实技巧、色彩观念与中国传统笔墨相结合，开创了具有时代特色的新画风。任伯年的“兼工带写”之法，吴昌硕的“金石派”风格，虚谷的“奇逸”之趣，都体现了他们对绘画艺术的独特理解与大胆探索。 岭南画派的兴起，是另一场重要的艺术革新。高剑父、高奇峰、陈树人，他们积极吸收西方绘画的写实技法、色彩表现力，并将其与中国传统绘画相结合，形成了“折衷中西，调和彩墨”的艺术主张。他们的画论，虽然可能散见于文章、题跋中，但其对“写生”、“用色”、“勾勒”等方面的阐述，无不展现出对中国画发展方向的深刻思考。他们勇于打破陈规，将中国画推向了一个新的发展阶段。 徐悲鸿，作为二十世纪中国美术的奠基人之一，其画论具有划时代的意义。他提倡“写实主义”，强调“师法造化”，主张“以西方的写实技巧来改造中国画”。他的《中国画改良论》、《论国画改良》、《素描教学》等著作，系统地阐述了他对中国画改革的理念。他反对脱离现实的“文人画”空谈，主张将中国画与现实生活紧密联系，并引入解剖学、透视学等科学知识，以增强画面的表现力。他对“具象”与“抽象”的辩论，对“笔墨”与“色彩”关系的探讨，都具有深远的学术价值。 林风眠，这位融合中西的大师，他的画论同样充满智慧。他虽然不常著书立说，但其艺术实践本身就是一种深刻的画论。他强调“形式美”，主张“表现人生的情感”，并试图在东方哲学与西方现代艺术之间找到一种平衡。他对中国画的“笔墨”与“色彩”的结合，对“意境”与“情感”的表达，都进行了独到的探索。 齐白石，这位“人民的艺术家”，他的画作质朴生动，意趣盎然。他的画论虽然不多，但其“衰年变法”的艺术实践本身就是最生动的画论。他强调“似与不似之间”，将自然生长的生命力与中国传统笔墨巧妙结合，创造出独具个性的艺术风格。他对“虾”、“蟹”、“花鸟”等题材的精妙处理，都蕴含着深刻的艺术哲理。 黄宾虹，作为“黑宾虹”的创造者，他的画论充满了哲学思考。他将墨色运用发挥到了极致，通过层层积墨，表现山川的厚重与深邃。他对“用墨”的精辟论述，以及他对“中国画是线条的艺术”的理解，都具有重要的理论意义。他强调“笔墨的生命”，认为笔墨不仅仅是技巧，更是画家精神的载体。 潘天寿，作为一代艺术大家，他的画论严谨深刻。他对中国画的“笔墨”、“结构”、“章法”等进行了系统性的论述。他强调“以形写神”，但更注重画面的整体构成与力量感。他的“严谨”与“雄强”的画风，都体现在他的画论之中。 李可染，作为新中国画的代表人物，他的画论充满了对写生的重视与对笔墨的探索。他提出的“点、线、面”的构成理论，以及他对中国山水画的“写实”与“意境”的结合，都为中国画的发展注入了新的活力。他尤其强调“生活是艺术的源泉”，并将写生作为创作的重要基础。 《中国历代画论选》的出现，不仅仅是一部史料的汇集，更是一次对中国绘画精神内核的深度挖掘与呈现。通过对这些画论的研读，我们可以清晰地看到中国画是如何在历史的长河中，不断吸收、融合、创新，形成其独特的美学体系与哲学思想。从“以形写神”到“气韵生动”，从“笔墨情趣”到“形式美”，从“师法造化”到“表现人生”，历代画论家们以其卓越的智慧，为我们勾勒出一幅幅关于绘画艺术的壮丽图景。 这部“选”如同一个无尽的宝藏，每一次翻阅，都能从中汲取新的养分。它不仅是画家、艺术史研究者的案头必备，更是每一个热爱中国传统文化的人，深入了解中国绘画独特魅力与精神内涵的绝佳途径。它让我们得以触摸到那些古老笔墨背后跳动的灵魂，聆听到穿越千年的艺术回响，感受中国画那永恒的生命力与无穷的魅力。

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作为一名长期关注西方现代艺术的朋友，我一直想找一本能有效搭建起中国传统美学体系的桥梁读物。这套《画论选》恰好满足了这个需求。它并非只关注“画什么”，而是更深层次地探讨“怎么看”和“为什么这么看”。书中对于“意境”的阐释，尤其让我印象深刻。它将东方艺术中那种含蓄、留白的美学原则，用清晰的文字逻辑进行了剖析，这对于习惯了西方写实主义或表现主义的我来说，提供了一个全新的观察世界的角度。我惊喜地发现，许多看似与现代艺术理论相悖的观点，在深入理解其文化背景后，会产生奇妙的共鸣。这本书的学术严谨性毋庸置疑，但它的文字语言却保持了一种罕见的文学性，读起来一点也不觉得晦涩难懂，反而像是在品鉴一件结构精巧的古代玉器，每一面都折射出不同的光彩。

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这套书的价值在于它的“选”和“析”。选择的篇目非常具有代表性，涵盖了从早期对绘画的“界说”到后期对“笔墨”的精细化探讨的完整脉络。但更难能可贵的是，作者的解读和注释。他们没有让这些古老的理论成为故纸堆里的残片，而是像一个高明的策展人，将这些分散的理论碎片，巧妙地组织成一个有逻辑、有生命力的知识网络。比如，它对明代董其昌“南北宗论”的梳理，不仅展示了理论本身的争议性，更揭示了背后所蕴含的文人阶层的身份认同危机与艺术自救。每一次阅读，都有新的领悟涌现，这绝非那种“一目十行”就能消化的书籍。它要求你慢下来，去咀嚼那些字里行间的深意，去体会古人对于“真、善、美”的执着追求。这是一次关于中国审美精神的深度考古之旅。

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说实话，我原本以为这会是一本枯燥的学术工具书，毕竟“历代画论选”听起来就很有门槛。没想到，它的选材和编排方式异常精妙，将那些晦涩难懂的古文，通过精准的翻译和恰到好处的背景介绍，变得生动起来。举个例子，书中对宋代文人画兴起时，关于“胸中有丘壑”的论述，分析得鞭辟入里。它不是简单地堆砌名言，而是深入挖掘了那个时代士大夫阶层对自我实现和精神寄托的渴望，是如何内化为绘画语言的。这种将理论与社会思潮、个人心境相结合的解读方式，极大地提升了阅读的乐趣和深度。我感觉自己对中国画的理解，不再停留在技法层面，而是上升到了哲学思辨的高度。这种知识的厚重感和思想的穿透力，让人忍不住一页一页地往下读，生怕错过任何一个关键的转折点。

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入手这套书，纯粹是出于对传统文化的好奇心驱使。我承认，我对古代的书法、绘画理论知之甚少，一开始确实有点忐忑。但这本书的编排逻辑非常清晰，像是精心设计的一条学习路径。它没有一开始就抛出最复杂的理论，而是循序渐进，从早期的粗略论述，逐步深入到明清时期更加细致入微的笔墨争鸣。我最欣赏的是，它在选材上保持了一种极高的包容性，不仅收录了那些赫赫有名的大家之作，也适当地引入了一些相对小众但极具启发性的评论，这使得整个理论体系显得立体而丰满。通过阅读，我开始理解为什么同样是画山水，不同时期的画家会有截然不同的侧重点。它让我意识到，每一次笔墨的挥洒，背后都承载着时代的重量和个人的生命体验。对于想要系统了解中国美学源流的朋友来说，这套书的价值是无可替代的。

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这套书简直是艺术史爱好者的福音！虽然我还没有细读完，但光是翻阅目录和前言，就能感受到编者对中国绘画理论的梳理之深厚。它不像那种流水账式的艺术史著作，而是聚焦于历代画家、理论家们对于“何为美”、“如何画”的核心思考。我特别喜欢它对魏晋风度下，士人精神如何融入笔墨的探讨，那种超脱尘世的审美追求，即使隔着千年，依然能让人心神为之一振。尤其是那些关于“气韵生动”的论述，不同的时代有不同的解读，作者似乎非常擅长将这些看似抽象的理论，通过具体的画例和语境来展现其流变与精髓。这本书的排版和注释也做得非常考究，让一个非专业读者也能较为顺畅地进入那个复杂的理论世界。读起来，仿佛不是在看书，而是在与那些古代的大师进行一场跨越时空的对话，探讨着艺术永恒的命题。

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只看了上本【懒……以及错别字太多了……

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读过一遍，现读第二遍，这一次要逐字逐句细读。此中许多画论如同巫言咒语。 书的制作：错别字连篇，还有漏段的。所选文很好，很好。

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历代画论，不是今人写的，不用担心胡说八道

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只看了上本【懒……以及错别字太多了……

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历代画论，不是今人写的，不用担心胡说八道