Richard Strauss

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出版者:Duke University Press
作者:Gilliam, Bryan 编
出品人:
页数:296
译者:
出版时间:1998-02
价格:USD 23.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780822321149
丛书系列:
图书标签:
  • 古典音乐
  • 理查·施特劳斯
  • 作曲家
  • 歌剧
  • 交响诗
  • 音乐史
  • 德国音乐
  • 浪漫主义
  • 音乐家
  • 艺术歌曲
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具体描述

Originally published by Duke University Press in 1992, this book examines Strauss's life and work from a number of approaches and during various periods of his long career, opening up unique corridors of insight into a crucial time in German history. Beyond the enlightening introduction by Michael Kennedy, individual essays use Strauss's creative work as a framework for larger musicological questions such as the tension between narrative and structure in program music, the problem of extended tonality at the turn of the century, stylistic choice versus stylistic obligation, and conflicting perspectives of progressive versus conservative music.

理查·施特劳斯(Richard Strauss)是一位充满活力的德国作曲家,以其宏大、富有表现力的管弦乐作品和风格鲜明的歌剧而闻名。他的音乐跨越了浪漫主义晚期和二十世纪初的风格,深受瓦格纳、勃拉姆斯和李斯特等前代大师的影响,但又开辟了自己独特的音乐语言。 施特劳斯的一生横跨了剧烈变革的时代,从德意志帝国时期到魏玛共和国,再到纳粹德国以及战后时期。他的创作生涯也伴随着音乐风格的演变,从早期的炫技式音诗到后期更为内敛、抒情的作品,展现了他作为一位不断探索和成熟的艺术家的面貌。 音乐生涯的早期与音诗的巅峰 理查·施特劳斯于1864年出生于慕尼黑,他的父亲弗朗茨·施特劳斯是一位著名的圆号演奏家,从小便为他提供了良好的音乐启蒙。在音乐学院的学习期间,施特劳斯展现了非凡的作曲天赋。他早期的作品遵循传统,但很快便转向了更具创新性和个人风格的创作。 他职业生涯中一个重要的里程碑是他的“音诗”(tone poem)。音诗是一种单乐章的管弦乐作品,通过音乐来描绘一个故事、一首诗、一个场景或一种情绪。施特劳斯对这种体裁的精湛运用,使他成为了这一领域的翘楚。 《唐璜》(Don Juan, Op. 20, 1888-1889):这是施特劳斯最早获得广泛赞誉的音诗之一,灵感来自尼采的同名戏剧。作品以一段激昂而充满活力的序奏开始,描绘了花花公子唐璜的魅力和冒险精神。音乐充满了戏剧性的冲突、浪漫的爱情乐段以及令人心碎的结尾,充分展现了施特劳斯对管弦乐色彩和动态的驾驭能力。 《蒂尔的恶作剧》(Till Eulenspiegels lustige Streiche, Op. 28, 1895):这部作品以十四世纪德国民间传说中的骗子蒂尔·欧勒斯皮格尔为主角。音乐生动幽默,通过各种音乐手法描绘了蒂尔的狡猾、恶作剧和最终被绞死的场景。施特劳斯在这里展现了他出色的幽默感和对乐器音色的巧妙运用。 《查拉图斯特拉如是说》(Also sprach Zarathustra, Op. 30, 1896):这部作品受到尼采哲学著作的启发,旨在表达“超人”的思想和哲学观念。作品的开场“日出”(Sunrise)已经成为音乐史上最著名的片段之一,其宏伟的管风琴和铜管乐声,象征着太阳的升起和新的开始。整部作品充满了哲学性的思考和对生命力量的探索。 《堂吉诃德》(Don Quixote, Op. 35, 1897):这部作品以塞万提斯的小说为基础,描绘了堂吉诃德和他的侍从桑丘·潘萨的冒险。施特劳斯巧妙地使用大提琴和中提琴来象征这两个角色,并通过丰富的管弦乐变化来刻画他们遇到的各种情景,如风车大战、羊群以及最后的幻想。 这些音诗不仅展示了施特劳斯惊人的技术和想象力,也确立了他作为一位极具个性的管弦乐作曲家的地位。 歌剧的开创与革新 施特劳斯在歌剧领域的贡献同样巨大,他的歌剧以其大胆的音乐语言、深刻的人物刻画和对歌剧形式的创新而著称。 《萨洛美》(Salome, Op. 54, 1905):这是施特劳斯最受争议但也最成功的歌剧之一,改编自奥斯卡·王尔德的同名剧本。歌剧讲述了希律王侄女萨洛美对施洗约翰的迷恋和最终导致其死亡的故事。音乐充满了东方的神秘感、强烈的心理描写和极具挑战性的女高音声部。其中著名的“七层纱之舞”是歌剧史上的经典片段。 《艾莱克特拉》(Elektra, Op. 58, 1909):这部歌剧比《萨洛美》更加大胆和复杂,灵感来自古希腊悲剧。它描绘了复仇女神艾莱克特拉为了替被谋杀的父亲阿伽门农报仇而展开的血腥行动。音乐的张力极高,和声语言更为复杂,管弦乐部分更为庞大,将强烈的悲剧情绪和心理冲突表现得淋漓尽致。 《玫瑰骑士》(Der Rosenkavalier, Op. 59, 1910):与前两部歌剧的黑暗主题不同,《玫瑰骑士》是一部明亮、优美、充满怀旧色彩的喜歌剧。故事发生在十八世纪的维也纳,以其优雅的华尔兹旋律、细腻的人物情感和对旧日时光的描绘而广受欢迎。这部歌剧被认为是施特劳斯最受欢迎的作品之一。 《阿里阿德涅在纳索斯》(Ariadne auf Naxos, Op. 60, 1912/1916):这部歌剧具有独特的结构,将严肃歌剧《阿里阿德涅》和喜剧即兴歌唱剧《小丑》的演出情节巧妙地结合在一起。它探讨了艺术的对立和融合,音乐风格多样,既有古典的优雅,也有现代的张力。 《沉默的女人》(Die schweigsame Frau, Op. 80, 1935):尽管由于政治原因在首演后不久被禁演,这部歌剧仍然展现了施特劳斯晚期创作的成熟和对歌唱性旋律的回归。 《随想曲》(Capriccio, Op. 85, 1942):这是施特劳斯创作的最后一部歌剧,被认为是他的“告别之作”。歌剧以十八世纪法国的歌剧创作争论为背景,探讨了音乐与戏剧、歌词与旋律的关系,音乐风格典雅,充满智慧和诗意。 晚期作品与对音乐的沉思 随着年龄的增长,施特劳斯的作品逐渐呈现出更为内敛、沉思的风格。他开始更多地关注人声的歌唱性,并发展出一种独特的、富于表现力的抒情风格。 《阿尔卑斯交响曲》(Eine Alpensinfonie, Op. 64, 1915):这部作品可以被视为施特劳斯音诗创作的巅峰,虽然名义上是交响曲,但其结构和描绘性使其具有音诗的特质。作品描绘了攀登阿尔卑斯山的旅程,从黎明前的宁静到日落后的风暴,再到夜晚的星空,音响效果宏大而细腻,展现了大自然的壮丽与神秘。 《四个最后的歌》(Vier letzte Lieder, 1948):这是施特劳斯最后的声乐作品,也是他艺术生涯的辉煌句点。这四首歌曲以赫尔曼·黑塞和约瑟夫·冯·艾兴多夫的诗歌为词,歌颂了生命的终结、宁静的告别以及对自然的赞美。音乐舒缓、优美,充满着对生命的眷恋和对死亡的平静接受,感人至深。 其他作品:除了上述著名作品,施特劳斯还创作了大量的室内乐、钢琴曲、艺术歌曲以及管弦乐作品,如《死与净化》(Tod und Verklärung, Op. 24)、《英雄生涯》(Ein Heldenleben, Op. 40)、《家庭交响曲》(Eine Alpensinfonie, Op. 64)等。 理查·施特劳斯的音乐以其丰富的色彩、强大的表现力、对管弦乐的精湛运用以及深刻的人文关怀而著称。他不仅是德国音乐传统的重要继承者,更是20世纪音乐发展的重要推手。他的作品至今仍在世界各地的音乐厅和歌剧院中被广泛演奏,继续激励和感动着无数的听众。

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读后感

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读完这本书,我需要一些时间来“解压”,因为它带来的情绪冲击是巨大的。它没有给我们提供廉价的希望,也没有给出清晰的行动指南,它只是冷酷地展示了世界的运行逻辑——那个由规则和惯性主导的庞大迷宫。我特别关注了书中对“时间感”的处理,作者似乎有意拉伸或压缩了某些片段,使得读者对事件的发生顺序产生怀疑,这无疑是对传统线性叙事的一种挑战。从某种意义上说,这本书的阅读体验是反直觉的,你越是想把握住故事的“主线”,就越容易迷失在那些错综复杂的支线和哲学思辨中。然而,正是这种挑战性,让它具备了极强的回味价值。它强迫你跳出舒适区,去审视那些你习以为常却从未深究的概念,比如自由、责任,甚至日常生活的意义。这本书更像是一面镜子,映照出的不是我们渴望成为的形象,而是我们极力想回避的那个底色。我推荐给那些厌倦了“大团圆”结局,渴望在文学中寻找真正思想碰撞的读者。

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老实说,刚拿到这本书的时候,我还有点担心内容会过于晦涩难懂,毕竟近代的某些严肃文学作品常常给人一种高高在上、难以亲近的感觉。然而,这本书的开篇就以一种近乎于电影蒙太奇的手法,将几个看似不相关的片段迅速剪辑在一起,瞬间抓住了我的注意力。它的节奏感把握得极好,从一开始的低沉铺垫,到中间某几个事件的爆发点,再到结尾处那种意料之外却又合情合理的收束,都展现了作者对叙事张力的精准控制。书中构建的世界观虽然是架空的,但其中折射出的权力结构、阶层固化以及信息不对称带来的恐慌,却又让人感到无比的熟悉和切肤之痛。我特别欣赏作者在塑造配角上的笔触,那些“工具人”般的角色,却在不经意间透露出令人心碎的生命侧影,丰富了整个故事的层次感。与其说这是一部小说,不如说它是一幅宏大而又充满细节的社会速写,每一笔都带着强烈的批判色彩,但这种批判又是内敛的、渗透在角色命运中的,而不是直白的口号。阅读过程更像是在解谜,不断地从蛛丝马迹中拼凑出作者想传递的那个庞大而复杂的结构。

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这本书的语言风格,我只能用“冷峻而精准”来形容。它不像那种铺陈华丽的文字堆砌,反而更像一把经过千锤百炼的精密手术刀,直插问题的核心,毫不留情。作者在处理内心独白时,大量使用了短促、断裂的句子,成功地营造出一种精神高度紧张、思维被碎片化的状态,极大地增强了代入感——你仿佛真的能听到主角那混乱而焦躁的心跳声。我发现自己不止一次停下来,反复琢磨某一个精妙的比喻,那种用最朴素的词语组合出最震撼的画面感,是很多当代作家难以企及的境界。更值得称道的是,它对“记忆”的处理方式。记忆在书中不是线性的回顾,而是一种随时可能被污染、被重塑的动态存在,这使得叙事本身也充满了不确定性,每一次重读,或许都会有新的理解浮现。对于那些追求文本深度和语言艺术的读者来说,这本书无疑是一场盛宴,它要求你全神贯注,因为任何一个分心的瞬间,都可能让你错过作者精心布置的一个伏笔或者一次象征意义的转换。

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这本书简直让人爱不释手,它以一种近乎诗意的方式,深入剖析了我们这个时代最核心的那些矛盾与挣扎。作者的叙事功力非凡,他没有直接告诉你‘应该’如何思考,而是巧妙地将你置于一系列光怪陆离的场景之中,让你自己去感受那种无力和宿命感。我尤其欣赏他对环境描写的细腻,那种潮湿的、带着工业废气的城市气息,仿佛能透过纸页扑面而来,让人瞬间沉浸其中。故事的主人公,那个在巨大的社会机器中挣扎求存的小人物,其内心的纠结和对外在世界的疏离感,写得极其真实、刻骨铭心。每一次他试图做出反抗,最终却又被命运的洪流裹挟回去,那种徒劳感让人读后久久不能平静。书中对于人际关系的探讨也极为深刻,那些看似亲密却又充满猜忌和虚伪的互动,撕开了温情脉脉的面纱,暴露了人与人之间难以逾越的鸿沟。读完后,我感觉自己像是经历了一场漫长而疲惫的洗礼,对周遭的一切都有了一种全新的、略带悲观却又异常清醒的认识。这绝对不是那种读完就忘的通俗小说,它需要你慢下来,去咀嚼那些意味深长的留白和隐喻,它在挑战你对“真实”的定义。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“沉默”的运用。在很多场景中,最重要的话语往往没有被说出口,而是通过环境的变化、人物微妙的肢体语言,甚至是长时间的静默来传达的。这种“写未尽之意”的技巧,让文本充满了张力,仿佛空气中弥漫着一触即发的电荷。作者似乎深谙“少即是多”的艺术,他克制地处理着那些极富戏剧性的冲突,不让情绪泛滥成灾,而是将爆炸性的力量压缩在极小的空间内,形成强大的内爆效果。特别是书中对几次重要转折点的描绘,都采用了极为冷静、近乎新闻报道式的笔法,这种反差制造的疏离感,反而让情感的冲击力更加持久和深远。它巧妙地避开了说教,而是通过构造一个自洽却又荒诞的逻辑体系,让读者自己去感受其中蕴含的荒谬性。这本书读完后,你会发现自己对周围世界的感知似乎被调高了灵敏度,一些过去被忽略的细节,现在都变得格外清晰起来。这是一部需要用耳朵去听、用心去感受,而非仅仅用眼睛去阅读的作品。

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