具体描述
For those who want to learn the inner workings of music without, as author Dave Stewart notes, "getting bogged down in a lot of fearsome technicalities," this is an enlightening exploration of the theory and practice of music. Picking up where The MusicianÕs Guide to Reading & Writing Music leaves off, Stewart uses the same amusing style, clear examples, and practical advice to encourage readers not just to read music, but to write some of their own. The book sheds light on tonality, chord sequences, scales and modes, tempo, rhythm, improvisation and composition, chords and chord voicings, MIDI, and more. 128 pages, 6 1/8 inch. x 9 1/4 inch.
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用户评价
这本书的叙事风格极其跳跃，仿佛作者的思绪是一条奔腾的河流，时而湍急地冲向一个完全不相关的历史节点，时而又在一个微小的细节上停留很久。我得承认，有些章节读起来颇具挑战性，尤其是关于二十世纪中后期电子音乐和偶然音乐的探讨部分。作者似乎对序列主义的精妙运作着迷到了极致，对各种复杂的数学模型和概率分布的引用，让我感觉自己像是在阅读一本高等数学教材而不是音乐书籍。他详细描述了某位先锋作曲家如何设计一套算法来决定每一个音符的时值、力度和音色，那种对控制欲的极致追求，在书中被描绘得淋漓尽致。然而，这种极端的理性分析，反而带来了一种反常的审美体验，让人开始重新思考“创作”的本质——它究竟是灵感的迸发，还是一套精密的系统工程？这本书的最大价值，或许就在于它敢于把那些常人避之不及的晦涩理论，用近乎冷酷的精确性展示给读者。
评分对于热爱爵士乐的人来说，这本书简直是一部宝藏。它没有陷入对传统摇摆乐（Swing）的陈词滥调中，而是直接切入了五六十年代硬波普（Hard Bop）和酷派爵士（Cool Jazz）的风格分野。作者对即兴演奏的理解极其深刻，他不像某些评论家那样仅仅赞美即兴的流畅性，而是用大量的例子去分析乐手在特定和弦进行中，如何运用调式转换、节奏切分和乐句的“呼吸感”来构建一个全新的、转瞬即逝的音乐结构。我特别喜欢其中关于某位萨克斯手如何将非洲节奏元素融入到比波普（Bebop）框架中去反思身份认同的章节，论述得既有力度又充满敬意。阅读过程中，我频繁地暂停下来，去寻找书中所提到的那些录音版本，听着乐手如何精确地演绎了作者描述的那种“切分重音的错位感”，这种视听结合的学习体验，比单纯听音乐要深刻得多，它极大地提升了我对即兴艺术的鉴赏层次。
评分我是在一个漫长的寒假里读完这本书的，它给我的感觉像是在攀登一座艺术的高峰。作者的写作节奏感把握得极好，不像那些枯燥的教科书，这本书充满了鲜活的个人情感和近乎小说般的叙事张力。他聚焦于几位被历史“边缘化”的浪漫主义时期作曲家，比如某一特定时期被遗忘的钢琴家，如何与当时的社交圈和赞助人进行复杂的权力博弈。书中对音乐沙龙、贵族宴会中乐曲的首演场景描写得栩栩如生，你几乎能闻到那种蜡烛燃烧的味道，听到观众的低语。更棒的是，作者在分析那些作品时，总是会带入大量的个人推测和情感色彩，他会用非常诗意的语言去描绘某个旋律段落所蕴含的“未竟之爱”或“隐秘的哀伤”，完全摆脱了学术腔调，读起来非常过瘾，让人感觉自己仿佛成了那个时代的秘密见证者。
评分说实话，我原本以为这本书会是那种讲述音乐家八卦轶事的轻松读物，结果完全出乎意料。这本“大部头”简直就是一本关于二十世纪初欧洲文化思潮如何渗透进音乐创作的社会学报告。作者的笔触非常细腻，他并没有直接评价那些作曲家的作品好坏，而是将目光聚焦于第一次世界大战前后，欧洲社会整体的焦虑、迷惘与对既有秩序的反叛，是如何在勋伯格的无调性探索中找到声响的。我特别喜欢其中关于“噪音”如何被纳入音乐本体的章节，书中详细对比了未来主义者对机械轰鸣声的崇拜，以及传统学院派对“和谐”的坚守之间的拉锯战，简直是精彩的文化冲突记录。阅读过程中，我不断地拿出手机去搜索那些被提及的艺术家和哲学流派，书中的注释多到几乎需要一本辅助词典才能跟上作者的思维跳跃速度，但正是这种广博的知识背景，让这本书的论述充满了力量，它让你明白，音乐从来都不是孤立存在的，它是时代精神最直接的听觉回响。
评分这本厚厚的精装书，光是翻开第一页就被它那种扑面而来的学院气息给震慑住了。作者显然是音乐史领域的老手，对巴赫那个时代的对位法简直是了如指掌，娓娓道来的是关于早期复调音乐结构严谨的分析，每一个乐章的走向似乎都在作者的笔下被精确地拆解成了数学公式。我印象最深的是他对“卡农”这种形式的深度挖掘，不只是简单地介绍其定义，而是深入到不同声部之间如何相互模仿、嵌套，以及这种结构在当时宗教仪式中所承载的象征意义。书里插印了大量手稿的局部图，放大后能清晰地看到那些复杂的记谱法，对于一个非专业人士来说，光是看懂这些符号就得花上不少时间，更别提作者还对这些记谱法如何反映了当时乐器性能的局限性进行了探讨。读起来，感觉就像是上了一堂为期数月的高强度音乐理论大师课，虽然信息量极大，但那种对知识的系统性梳理和呈现方式，着实令人钦佩。它更像是一部学术专著，而不是一本轻松愉快的阅读材料，更适合那些想从根本上理解古典音乐“骨架”的硬核乐迷或学者。
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