Art and Artists of Twentieth-Century China pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:University of California Press

作者:Michæl Sullivan

出品人:

页数:392

译者:

出版时间:1996-11-15

价格:USD 99.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780520075566

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
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现代中国艺术史的深度探索：一部聚焦社会、文化与风格变迁的宏大叙事 本书旨在提供一个全面且深入的视角，审视二十世纪中国艺术的复杂轨迹。它不仅仅是一部艺术家名录或风格流派的简单罗列，更是一部将艺术创作置于广阔的社会、政治和文化语境中进行考察的史诗。通过对大量一手资料、档案记录以及艺术作品本身的细致解读，本书力图揭示中国艺术在这一剧烈变革时期是如何应对内外部冲击、实现自我革新与重塑的。 第一部分：动荡与开端——从晚清到民国初期的文化碰撞（约1900-1927） 二十世纪伊始，中国正处于“三千年未有之大变局”。在西方现代性的冲击下，延续千年的传统艺术体系——尤其是文人画和学院派国画——面临前所未有的危机与挑战。 本部分首先考察了清末“新政”对艺术教育体制的初步干预，以及留学日本和欧洲的中国艺术家群体如何首次将西方的写实主义、印象派和后印象派的观念系统地引入国内。重点分析了“中国画学研究会”等早期艺术团体的成立背景及其在传统复兴与学习西法之间的艰难平衡。 核心议题在于“中西之辩”。我们细致梳理了早期艺术批评家和理论家（如康有为、陈独秀）对中国画的诊断，他们认为传统艺术的衰落源于技法上的僵化和精神上的脱离现实。这并非简单的排斥传统，而是寻求一种“立足民族精神，采纳世界新法”的现代艺术路径的初步探索。通过分析早期留学生回国后举办的展览，揭示了如徐悲鸿、林风眠等先驱者如何致力于在油画和国画领域建立新的学院标准，为后续的艺术革命奠定理论和实践基础。 第二部分：学院、革命与民族身份的构建（约1927-1949） 国民政府时期，艺术教育机构的建设进入高潮，尤其以国立中央大学艺术教育和国立艺术专科学校（后来的中央美术学院前身）为代表，标志着艺术的专业化和规范化进程加速。 本章深入探讨了艺术如何被卷入民族主义叙事和国家构建的宏大工程中。一方面，写实主义油画成为描绘工农生活、展现国家强盛的“国家艺术”的主流倾向，它承载着启蒙民众、塑造现代公民形象的社会责任。另一方面，传统文人画并未消亡，而是进行了一次深刻的“现代性转化”。如以“新国画运动”为代表的探索，试图将西方的构图、色彩理论融入国画的笔墨之中，以期在国际艺术舞台上与西方抗衡，证明中国艺术的生命力。 我们特别关注了上海艺术圈的独特地位，它作为东西方文化的交汇点，催生了更具现代主义色彩的实验性艺术群体。对艺术家的政治立场和创作选择的分析揭示了在日益紧张的政治环境下，艺术创作所面临的道德困境与选择。这一时期，艺术不再是单纯的审美活动，而是参与社会改造和民族精神重塑的重要工具。 第三部分：新中国的诞生与艺术的集体转向（约1949-1966） 中华人民共和国的成立，为中国艺术带来了翻天覆地的结构性变化。艺术的创作主体、赞助人、传播渠道乃至审美标准，都发生了根本性的重构。 本书详尽分析了社会主义现实主义（Socialist Realism）作为国家主流艺术思潮的确立过程。这一思潮强调艺术的阶级性、政治指导性以及服务于工农兵的主题。我们考察了苏联艺术教育体系对中国美术学院的全面影响，从素描教学到主题创作的模式转变。 本部分聚焦于“主题创作”的兴起，以及艺术家如何被组织起来，参与到大型公共艺术项目、革命历史题材绘画的创作中。通过分析一系列具有里程碑意义的作品，如描绘建国庆典、抗美援朝、大庆油田等题材的画作，我们探讨了艺术家如何在被要求“改造思想”的同时，也发展出了一套新的、高度程式化却充满激情的视觉语言来歌颂新时代。同时，对少数民族题材的艺术表现，以及对“民间艺术”的重新发掘和提升，也进行了深入的评述，这些努力共同构筑了新中国初期的艺术图景。 第四部分：文化大革命时期的艺术生态与象征意义（约1966-1976） 文化大革命时期，艺术创作受到了前所未有的意识形态约束，艺术活动几乎全部被政治运动所主导。 本章侧重于对“革命样板戏”美术设计、连环画的政治宣传功能以及“红光亮”美学风格的系统性研究。我们分析了“四人帮”如何通过控制艺术的最高领导权，将艺术简化为政治口号的视觉载体。这一时期的艺术具有极强的符号性和极低的个体表达空间，但其强大的动员能力和无处不在的视觉渗透性，也使其成为研究极权社会控制机制的重要切口。我们细致考察了“批判现实主义”的兴起，以及在极端环境下，艺术家如何在有限的表达空间内，通过象征和隐喻进行微小的艺术反抗或自我保存。 第五部分：改革开放与多元化时代的回归（约1976-2000） “文革”结束后，中国艺术迎来了长达二十年的解放与爆炸性发展。 本书将此阶段分为两个阶段：一是1970年代末至1980年代初的“拨乱反正”与对过去的清算。重点分析了“伤痕美术”的出现，它标志着艺术家开始重新关注个体经验和历史创伤，挑战了集体叙事的主导地位。接着，我们详细考察了“星星美展”和“八五新潮”运动，这是中国当代艺术的真正起点。艺术家们开始系统性地引入西方后现代主义的观念，如挪用、拼贴、观念艺术和行为艺术，对传统和革命美学进行了彻底的解构和反思。 后期（1990年代），随着中国融入全球经济体系，艺术创作开始反映消费主义、全球化带来的文化冲击以及对身份认同的焦虑。本部分探讨了架上绘画（油画、新水墨）如何与观念艺术、装置艺术等新兴媒介并行发展，艺术市场开始形成，艺术家的创作语境也从单纯的社会责任转向了对艺术本体、个人情感和文化批判的探索。这一阶段的多元化，为中国艺术进入二十一世纪的全球化平台奠定了坚实的基础。 结论：二十世纪的遗产与未竟之路 本书总结了二十世纪中国艺术历经的“传统解构—现代转型—革命改造—多元回归”的完整循环。它强调了中国艺术的独特性——即在短短一百年间，它必须同时完成西方社会耗费数百年完成的“从手工艺到艺术”“从学院到自我表达”的转变，并且全程与国家意识形态的变迁紧密捆绑。这种历史的紧迫性，塑造了二十世纪中国艺术既充满激情、又充满张力的独特面貌。本书旨在为读者提供一个理解这一复杂历史进程的坚实框架。

评分☆☆☆☆☆

宅在家裡的結果是有空看了蘇立文的《20世紀中國藝術與藝術家），史料搜集之全真是海內無匹。而蘇立文作為中國藝術史學者的奇遇，也是無第二人能有。他本來是劍橋學建築的，二戰時（1940－46）跑到中國為國際紅十字會工作，有機會在成都做博物館工作，由此認識了流亡西南的藝術...  

评分☆☆☆☆☆

陈卫和/文 1998年博士论文通过答辩，我在英国学习的任务终于结束了，精神上已准备好投入新的工作，连续多年的“一个人的战斗”积蓄起另一种激情，尽管国内环境与英国差别巨大，与出国之前相比，也已物易人非，但还是想义无反顾地投身工作。惟有翻译苏立文新著一事，立即着...  

评分☆☆☆☆☆

如题。 首先，对于苏立文教授编著这样一本蔚为大观的艺术史，我内心充满了敬意。作为艺术史，它包含了如此大的信息量，书中出现过的艺术家有几百位，涉及到的艺术形式与流派也是全面而丰富的。书中很多的材料都是一手材料，我们几乎可以想见，如果不是苏立文教授长期浸淫在中国...  

评分☆☆☆☆☆

如题。 首先，对于苏立文教授编著这样一本蔚为大观的艺术史，我内心充满了敬意。作为艺术史，它包含了如此大的信息量，书中出现过的艺术家有几百位，涉及到的艺术形式与流派也是全面而丰富的。书中很多的材料都是一手材料，我们几乎可以想见，如果不是苏立文教授长期浸淫在中国...  

评分☆☆☆☆☆

作为一个20世纪艺术史的门外汉，我仅谈谈我对这本书的初步印象。 这部书的写作时间是上世纪九十年代末，以798为中心的一波波的当代艺术以及“天价”当代艺术的现象还凤毛麟角。这一阶段的艺术在传统和西方各种流派的现代艺术之间并没有走太远。苏利文先生一直以来致力于中西方...

评分☆☆☆☆☆

这本关于二十世纪中国艺术的著作，简直是为那些对现代中国文化转型期抱有深切好奇心的读者量身定做的。它没有沉湎于对传统水墨画的沿袭与批判，而是以一种近乎考古学的细致，发掘了那些在时代洪流中挣扎、探索的视觉实践者们。我尤其欣赏作者在处理“艺术”与“政治”的交织关系时的那种微妙的平衡感。书中对不同流派的介绍，比如早期留学归国艺术家的学院派影响，到后来的现实主义的宏大叙事，再到改革开放后观念艺术的萌芽，层次分明，逻辑清晰。作者没有简单地将艺术家的创作视为对外部环境的被动反映，而是深入剖析了他们内在的张力——那种既想拥抱西方现代性，又无法割舍本土文化根基的矛盾心态。阅读过程中，我仿佛置身于那个动荡的时代，能真切感受到艺术家们在不同历史节点上，为寻找一种“中国式的现代性表达”所付出的巨大心力。那些鲜活的个案研究，比如某位画家在特定历史时期对题材的选择和技法的革新，都充满了令人信服的论据和深刻的洞察。这本书无疑拓宽了我对“中国艺术史”的认知边界，让我意识到二十世纪的中国艺术远比教科书上描绘的要复杂、多元和充满张力。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的阅读体验是充满挑战性的，它要求读者具备一定的艺术史基础和对中国近代史的了解，但这种“挑战性”恰恰是其价值所在。它没有试图迎合初学者，而是直面研究领域中那些最棘手、最少被触及的问题。我个人认为，作者在处理涉及民族主义情绪和意识形态规训下的创作自由问题时，采取了一种极为谨慎和富有同理心的姿态。他没有使用廉价的道德批判，而是试图去理解艺术家在特定历史压力下所做的“最优选择”。这种复杂性的呈现，使得书中描绘的艺术家形象不再是扁平化的符号，而是一个个充满内在矛盾的、有血有肉的个体。每当读到某位艺术家在坚持个人风格与迎合时代要求之间进行艰难平衡的描述时，我都会感到一种强烈的时代压迫感。这本书真正做到了“述而不作”，将史料堆砌到极致，让历史本身发出声音，引导读者自己去构建结论。这是一种高明的写作手法，它将诠释的权力交还给了专注的读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的，是它对“地域性”艺术实践的重视。以往许多关于二十世纪中国艺术的论述，往往将目光锁定在北京、上海等文化中心，忽略了广阔腹地在艺术发展中的独特贡献。然而，本书却花了大量篇幅去探讨区域性艺术院校的特色、地方精英对艺术推广的影响，甚至是特定地理环境如何催生出具有地方色彩的审美取向。这种由中心向边缘的拓展，极大地丰富了我对“中国艺术”的定义。我尤其对书中对少数民族地区艺术现代性探索的章节印象深刻，作者没有将这些地区的艺术发展视为对主流文化的简单模仿或被动接受，而是挖掘了其内在的文化张力和创新的可能性。它揭示了中国艺术的现代化进程，并非一条单向度的、由西及中的线性发展，而是一个多中心、多路径、充满回响和张力的复杂网络。对于渴望超越既有框架，探寻中国艺术更细微、更具韧性面貌的读者来说，这本书无疑是一盏指路的明灯。

评分☆☆☆☆☆

读完这本厚重的书，我最大的感受是作者对史料的驾驭能力令人叹为观止。这不是一本空泛的理论综述，而是建立在扎实档案、私人信件以及鲜为人知展览记录基础上的精妙构建。比如，书中对一些边缘艺术团体和地方画展的详尽梳理，揭示了官方叙事之外，中国艺术生态的广阔性与复杂性。我发现自己不断地停下来查阅书中提及的那些艺术家或评论家的生平，因为作者总是能提供一个极具说服力的上下文，将他们的创作置于特定的社会经济结构和国际文化交流的背景下去考察。那些关于艺术教育体系变迁的章节尤其精彩，它们清晰地展示了艺术院校如何成为塑造一代人审美观念和创作取向的关键场所。作者的笔触冷静克制，很少有情绪化的表达，但字里行间却流淌着对历史真相的执着追求。它不像许多同类研究那样，将焦点集中于少数几位“大师”身上，而是提供了一个更为立体、更具生态性的图景，让读者得以一窥二十世纪中国艺术界的全貌。对于严肃的艺术史研究者而言，这绝对是一部不可或缺的参考工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的触动，更多来自于它在“媒介转型”方面的深刻反思。它并未将二十世纪的中国艺术简单等同于架上绘画的延续与发展，而是敏锐地捕捉到了摄影、版画乃至早期电影等新兴视觉媒介在中国艺术语境下的复杂角色的演变。作者是如何解读这些新媒介的引入如何冲击了传统文人画的审美权威，以及艺术家们如何将这些外来的工具本土化、创造出具有独特政治和社会意义的作品，这部分内容实在引人入胜。我特别喜欢其中关于“大众传播”与“精英艺术”之间张力讨论的章节。在信息传播渠道受限的年代，艺术品承担了远超审美的社会功能，这一点在书中得到了充分的体现。它揭示了艺术作品是如何在无声中进行社会动员和观念渗透的。阅读这些分析，我开始重新审视那些我们习以为常的、带有时代烙印的图像，理解它们在当时是如何被观看、被解读，以及最终如何塑造了人们的世界观。这种对图像权力运作的深入挖掘，是本书最令人赞叹的智慧所在。

评分☆☆☆☆☆

a good survey book

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这书好重啊！！！

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