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出版者:朝华出版社

作者:徐恩存主编

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:25.8

装帧:

isbn号码:9787505408128

丛书系列:

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• 美术
• 中国美术
• 艺术史
• 绘画
• 书法
• 雕塑
• 工艺美术
• 艺术作品
• 文化
• 历史

《中国美术.4》：探寻东方审美与时代脉络的深度之旅 《中国美术.4》并非一本简单的画册或艺术史的简单堆砌，而是一次跨越时空的深度对话，一次对中国美术发展脉络中关键节点进行精细梳理与独到解读的艺术探索。本书聚焦于中国美术史中一系列极具代表性、承载着时代精神与审美变迁的重要时期和艺术流派，力求为读者呈现一个更加立体、 nuanced 的中国艺术全景。 本书的独特之处在于其对“传承与创新”这一核心议题的深入剖析。中国美术在历史的长河中，既有对古代优秀传统的顽强继承，也有在不同时代背景下发生的深刻变革。本书将详细探讨如何在继承前人艺术精髓的基础上，融入新的时代精神、新的思想观念，以及新的艺术语言，从而推动中国美术不断向前发展。我们将通过具体艺术作品的分析，揭示艺术家们如何在传统与现代之间寻找到平衡点，如何在借鉴外来艺术的同时，保持中国艺术的独特韵味。 在内容结构上，《中国美术.4》将以精选的专题形式展开。每个专题都选取了某个特定时期、特定地域或特定艺术门类中具有里程碑意义的成就。例如，可能包含对某一绘画流派的深度剖析，如宋代山水画的意境营造，或元代文人画的诗意表达；也可能涉及雕塑、书法、陶瓷等其他艺术形式在特定历史时期的创新与发展。本书将不仅仅局限于介绍作品本身，更会深入探究作品产生的时代背景、艺术家的人生经历、社会文化思潮以及当时的审美趣味，力求让读者从宏观与微观的结合中，理解艺术作品的深层含义。 本书的另一个重要维度是“视觉叙事”与“思想内涵”的融合。我们相信，优秀的美术作品不仅是视觉的享受，更是思想的载体。在解读艺术作品时，本书将注重挖掘作品所蕴含的哲学思考、人文关怀以及对社会现实的反映。无论是描绘自然山川的壮丽，还是刻画人物情感的细腻，亦或是抽象形式的实验，都将引导读者去感受艺术家们所要传达的情感、思想和价值观。 此外，《中国美术.4》还将关注中国美术在不同区域、不同民族文化中的特色与融合。中国幅员辽阔，民族众多，各地区、各民族在漫长的历史发展中，形成了独具特色的艺术风格和审美习惯。本书将尝试呈现这些多元文化在相互影响、相互融合的过程中，所激荡出的璀璨艺术火花，展现中国美术的丰富性和包容性。 对于艺术史研究者而言，本书提供的将是严谨的学术考证和新颖的解读视角；对于普通艺术爱好者而言，本书则是一次轻松愉悦的艺术启蒙和文化熏陶。本书的语言风格力求做到既有学术的严谨性，又不失文学的感染力，旨在让不同层次的读者都能从中获得启发和收获。 总而言之，《中国美术.4》是一本旨在提供深度、广度和温度的中国美术读物。它邀请您一同踏上一段探寻中国艺术灵魂的旅程，在历史的画卷中，感受东方审美的独特魅力，理解时代变迁对艺术的影响，并最终领略中华民族生生不息的创造力。本书将是一本值得反复品读、深入思考的艺术宝典。

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说实话，我原本以为这种大部头的“中国美术”题材会显得枯燥乏味，充满了各种“某某时期，某某风格盛行”的陈词滥调，但这本书的叙事节奏感极佳，读起来让人欲罢不能。它像是一部精心剪辑的纪录片，高潮迭起。比如，当讲到明清之际的文人画“反叛”时，作者并没有采取批判的口吻，而是用一种近乎赞许的态度，去描摹那些不甘于摹古、试图在笔墨中寻找个人精神独立性的画家们的挣扎与创新。特别是对董其昌“南北宗”理论的梳理和批判性继承，清晰地展示了这一理论在历史语境下的复杂性，以及它如何被后世的评论家们“误读”和“工具化”。书中对一些地方性民间艺术的穿插介绍，也极大地丰富了我的视野，让我意识到中国美术的版图远比我们常在博物馆看到的那些“主流”作品要广阔和生动得多。这种对边缘文化和个体探索的关注，使得全书的视角更加立体和丰满，完全没有一般艺术史的疏离感。

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我对这本“中国美术”的配图质量和注释深度感到非常满意，这通常是很多中外艺术书籍的通病，要么图小而模糊，要么图注极其敷衍。然而，本书的插图选择极为考究，不仅收录了大量高清的卷轴画和立轴画，对石窟造像和青铜器铭文的拓片也进行了细致的呈现。更让我惊喜的是，大量的图版都附带了详细的“出处、年代、尺寸及典藏机构”信息，这对于我进行后续的学术研究和资料比对提供了极大的便利。在关于古代雕塑和工艺美术的部分，作者的论述也显得尤为扎实，不再是敷衍地提一句“唐代雕塑达到了高峰”，而是深入分析了不同时期雕刻刀法的演变，比如从早期略显稚拙的“曹衣出水”到后期“褒衣博带”的成熟过渡。这种注重技术层面和材料科学层面的探讨，让读者对艺术品的物质性有了更清晰的认识，而非仅仅停留在对图像的审美判断上，极大地提升了本书的工具书价值。

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这本书的文字功底达到了极高的水准，读起来简直是一种享受，仿佛不是在阅读学术论述，而是在欣赏一篇篇优美的散文。作者在描述唐代吴道子“吴带当风”的线条时，用词极其精准且富有画面感，那种“飘逸洒脱，一泻千里”的笔势，即使不看原画，也能在脑海中勾勒出那股强劲的气流。这种文学性的表达，对于提升阅读体验至关重要。更难得的是，在叙述中，作者巧妙地融入了一些鲜为人知的艺术史小故事和轶闻，比如关于张择端《清明上河图》创作背景的几种不同推测，以及一些画家的性格癖好如何影响了他们的创作选择。这些“花边”信息，不仅没有冲淡学术的严谨性，反而如同调味剂一般，让原本厚重的历史材料变得鲜活起来，充满了人情味。这种将学术深度与文学魅力完美融合的写作手法，是很多同类书籍难以企及的。

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我最近沉迷于研究宋代院体画的“理”与“意”的辩证关系，这本书在这方面提供的视角非常独到和深刻。它没有将宋徽宗时期的院画简单归类为学院派的僵化，而是细致地分析了工笔重彩背后的科学观察和对物象的极致尊重。书中专门用了一章来探讨“格物致知”的哲学思辨如何落实到花鸟画的写实层面，那些对植物脉络、鸟类羽毛光泽的描摹，不仅仅是技巧的展示，更是一种对自然规律的体悟。我特别欣赏它对光影处理的分析，对比了北宋山水画中“可游、可居”的空间构建与南宋马远“一角半边”构图的心理暗示，后者那种留白中蕴含的无限张力，被作者解读为一种在南渡后士大夫群体“内敛”心性的艺术投射。这种将艺术形式与时代心境紧密结合的论述方式，让我对那些原本只停留在视觉印象的作品，有了更深层次的情感共鸣和理解。阅读这本书，就像是与一位博学的长者对饮，他总能在看似平常的画面中，引导你挖掘出不易察觉的时代密码。

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这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，封面采用了一种略带肌理感的纸张，触感温润，与书名“中国美术”的厚重感形成了有趣的张力。初次翻开，我立刻被其精妙的排版所吸引。它摒弃了传统艺术书籍那种刻板的、流水账式的编年叙事，而是采取了一种更具现代审视角度的结构。例如，在探讨魏晋风骨时，作者没有仅仅停留在对顾恺之、竹林七贤的简单罗列，而是深入剖析了当时士人精神如何渗透进绘画的笔墨趣味之中，那种“萧散”与“自然”的审美追求，在文字的描摹下仿佛能跃然纸上。尤其是对于一些唐宋壁画的局部细节放大和高清重现，色彩的层次感和笔触的力度都得到了极好的还原，这对于一个远距离的阅读者来说，无疑提供了极佳的“近观”体验。此外，书中对不同地域、不同流派之间的互相影响和借鉴，也做了细致的梳理和辩证，打破了以往教科书式的“唯中心论”的窠臼，展现出中国艺术史的复杂性和多元性。阅读过程中，我能感受到编者在文献考据上的严谨，但文字表达却保持着一种恰到好处的学术松弛感，既有深度又不失趣味，实在是一本值得细细品味的佳作。

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