中国民族民间音乐 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河北大学出版社

作者:齐易

出品人:

页数:393

译者:

出版时间:2006-12

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787810971348

丛书系列:

图书标签:

• 民族音乐
• 民间音乐
• 中国音乐
• 音乐文化
• 民俗学
• 音乐学
• 传统音乐
• 地域音乐
• 少数民族音乐
• 艺术

《东方弦歌：传统音乐的传承与创新》 本书并非以中国民族民间音乐为直接研究对象，而是将目光投向更广阔的音乐领域，深入探讨音乐作为人类情感表达、文化载体与社会互动的重要媒介。我们将从音乐的普适性原理出发，审视不同文化背景下音乐的演变轨迹，并聚焦于当代音乐创作中传统元素的现代转化与创新实践。 第一章：音乐的语言与情感 音乐，作为一种超越语言的沟通方式，其本质在于其能够触动人类最深层的情感。《东方弦歌》将首先剖析音乐的基本构成要素——旋律、节奏、和声、音色，并探讨这些要素如何协同作用，激发出听者丰富的情感体验。我们将借鉴心理声学和认知科学的研究成果，解释不同音高、节奏模式、音响效果引发的生理和心理反应，例如，为何某些旋律会让人感到悲伤，而另一些则带来愉悦。 本章还将关注音乐在叙事和情感表达中的多样化功能。从古老的歌谣到现代电影配乐，音乐始终是烘托情绪、传递故事的关键。我们会分析不同音乐风格如何塑造听众的预期，以及音乐如何通过暗示、对比、重复等手法来构建情感的起伏。通过对音乐基本原理的解析，读者将能够更深刻地理解音乐为何拥有如此强大的感染力，以及它是如何成为人类心灵不可或缺的一部分。 第二章：跨越时空的音乐回响 本章将跳出单一文化圈的限制，探索音乐在全球范围内的发展与交流。我们将追溯早期人类社会音乐的起源，以及音乐在不同文明早期发展中的共性与差异。从史前时代的鼓点和吹奏，到古代文明中复杂的祭祀音乐和宫廷乐章，音乐始终与人类的社会结构、宗教信仰和审美观念紧密相连。 重点在于，本章将审视音乐在不同文化间的传播与融合。我们将讨论历史上著名的音乐交流事件，例如丝绸之路上的音乐传播，以及西方古典音乐对东方音乐的影响，反之亦然。通过分析不同音乐体系的相互渗透，我们会发现，即使是看似独特的音乐传统，也往往蕴含着跨文化的基因。理解音乐的全球性发展历程，有助于我们认识到音乐的共通性，以及文化交流对音乐创新的重要推动作用。 第三章：传统之根与现代之叶 本章将重点关注当代音乐创作如何汲取传统音乐的养分，并将其转化为具有时代气息的新作品。我们将探讨“传统”在当代语境下的多重含义，它不仅是过去的遗存，更是创新的源泉。音乐家如何从古老的旋律、独特的乐器、传统的曲式中获得灵感，并将其与现代的音乐技法、技术手段相结合，将是本章的核心议题。 我们会选取一些具体的案例，分析音乐家如何在创作中进行“古为今用”。例如，当代作曲家如何借鉴民族乐器的音响特点，将其融入交响乐或电子音乐；或者，如何从古老的歌唱形式中提取旋律动机，发展出新的歌曲。本章将强调，成功的传统音乐转化，并非简单的复制和拼贴，而是需要对传统元素进行深入理解、提炼和再创造，使其在新的时代焕发出生机。 第四章：音乐的未来图景 展望音乐的未来，技术无疑将扮演越来越重要的角色。本章将探讨人工智能在音乐创作、表演和传播中的潜力，以及数字技术如何改变音乐的生产方式和消费模式。我们将讨论算法作曲的可能性，虚拟现实音乐会的体验，以及流媒体平台对音乐产业的颠覆性影响。 然而，技术的发展并非意味着传统音乐的消亡。恰恰相反，数字技术为保护、传承和推广濒立的音乐传统提供了新的工具和平台。本章将讨论如何利用数字档案、在线教育资源，以及社交媒体等手段，让更多人接触到那些原本难以触及的音乐遗产。 同时，本章也将关注音乐作为一种社会实践的演变。音乐节、音乐疗法、社区音乐活动等，都表明音乐在维系社会关系、促进身心健康方面发挥着越来越重要的作用。我们将思考，在未来的社会中，音乐将如何继续连接人与人，并为构建更和谐的社群贡献力量。 《东方弦歌：传统音乐的传承与创新》致力于为读者提供一个关于音乐的宏大视角。它不仅仅是一本音乐理论书籍，更是一次关于人类情感、文化交流与时代精神的探索之旅。通过阅读本书，您将能够更全面地理解音乐的魅力，以及它在不同时空中的无限可能。

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初读这本书时，我本以为它会是一本沉闷的学术专著，但事实证明我错了。它的叙事方式极其生动，尤其是在描述那些失传已久的仪式音乐时，简直能让人感受到那个时代特有的氛围。书中对特定族群婚丧嫁娶仪式中的音乐片段进行了细致的音高分析，并且通过穿插的口述史材料，还原了音乐在当时社会功能中的核心地位。我最喜欢的一个章节，是关于西南某少数民族的“哭嫁歌”，作者通过对不同村落中相似旋律线的对比，揭示了地域性差异如何孕育出复杂的情感表达层次。文字的画面感极强，仿佛能听见那古老的、带着浓重鼻音的吟唱声，以及伴奏乐器——那种用竹篾和兽皮制成的打击乐器——发出的粗粝声响。这不仅仅是音乐的记录，更是一部关于生命周期、社区情感和身份认同的社会史。对于那些寻求音乐背后的“人”和“故事”的读者，这本书提供了极其丰富和感性的体验。

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我个人认为，这本书最大的价值在于其对“活态传承”的关注，它并没有把所有的音乐都当作已经终结的历史遗迹来剖析，而是着重记录了当代音乐家们在面对全球化冲击时，如何进行“有意识的再创造”。书中花了很大篇幅来分析一位当代著名演奏家是如何将失传已久的复调技巧，通过与现代电子音乐技术的融合，重新带回舞台的。这种对“当下性”的捕捉，使得整本书读起来充满活力和紧迫感。它不再是博物馆里的展品，而是一个正在呼吸、正在进化的有机体。它引发了我对未来传统音乐走向的深思：在技术迭代如此迅速的今天，如何确保艺术的内核在形式的革新中得以保真？这本书提供了一个既尊重过去又拥抱未来的思考路径，它激励着我，也鼓励着音乐界同行们，去积极参与到这场文化对话之中，而不是仅仅扮演一个记录者的角色。

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这本书在理论框架的构建上，展现了令人耳目一新的跨学科视野。它似乎并不满足于仅仅停留在对旋律、节奏或调式的分析层面，而是巧妙地引入了环境心理学和认知科学的理论模型来解释为什么某些音乐模式会在特定地理环境中得到强化和传承。我特别关注了其中关于声学景观如何塑造乐器设计的讨论。比如，作者探讨了在高海拔、空气稀薄的地区，某些管乐器的发声原理为了克服声波衰减而做出的独特结构调整，这简直是将物理学知识与音乐实践完美地结合了起来。这种深层次的探究，让原本看似孤立的音乐现象，忽然被置于一个更宏大的自然与人文交织的体系之中。读完之后，我对“传统”这个概念有了更辩证的理解，它不再是静止不变的化石，而是一个不断与物理环境和人类心智博弈的动态过程。

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这本书的内容简直让我大开眼界，尤其是关于二十世纪初西方音乐思潮如何影响亚洲地区传统乐曲形态转变的论述部分。作者没有停留在简单的介绍，而是深入挖掘了不同文化交流背景下，乐器制作工艺和记谱法演变背后的社会动因。比如，书中详细对比了日本明治维新时期引进的德奥管弦乐队编制与当时当地传统雅乐在音阶使用上的微妙差异，以及这种差异是如何反映在新的合奏形式中的。我尤其欣赏作者在处理敏感的历史议题时所展现的学术严谨性，他没有用简单的“好”或“坏”来评判外来影响，而是将其视为一个复杂互动的过程。书中引用了大量一手资料，包括当时音乐学家的私人信件和未曾出版的手稿，这使得分析极具说服力。对于任何对音乐人类学或跨文化音乐研究感兴趣的读者来说，这都是一本不可或缺的案头参考书，它提供的视角远超教科书式的叙述，更像是一场跨越时空的田野调查报告，只是载体是厚厚的纸张而非录音机。

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这本书的编辑和排版质量着实令人称赞，尤其是那些罕见的乐谱复刻件和历史照片，清晰度和准确性都非常高。我曾尝试在其他地方寻找那些关于十九世纪末民间艺人手抄乐谱的图像资料，但总是模糊不清，而在这本书里，每一个音符的细微笔触都得以保留，这对于从事音乐文献研究的人来说是无价之宝。此外，附录中收录的专业术语对照表也极为详尽，帮助我这种非专业背景的读者能够迅速理解那些复杂的民族音乐学术语。作者在行文中对学术规范的遵守，比如对引用的详细注释和参考书目的完整性，体现了极高的职业素养。这使得这本书不仅适合普通爱好者，更是一本严谨的学术工具书，我可以放心地将书中的某些图表和引用用于我自己的学习和研究之中，无需担心来源的可靠性问题。

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