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出版者:中国电力

作者:雷波

出品人:

页数:452

译者:

出版时间:2007-5

价格:79.00元

装帧:

isbn号码:9787508353975

丛书系列:

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《光影炼金术：Photoshop艺术创作的深层解析》 简介： 在数字艺术的浩瀚星河中，图像不再是简单的像素堆砌，而是情感的载体，创意的具象化。本书并非罗列Photoshop工具的堆砌，而是带您潜入软件核心，探寻其背后蕴含的艺术原理与创作哲学。我们不追求速成，而是着眼于“质感”的生成，将Photoshop视为一种能够炼化光影、雕塑材质的“炼金术”。 内容概要： 本书分为三大篇章，层层递进，旨在为读者构建一个全面而深入的Photoshop艺术创作体系。 第一篇：光影的本质与塑形 光线的语言： 我们将从基础的光学原理出发，理解不同光源的特性（点光源、面光源、环境光、体积光等）如何影响物体的受光面、阴影、高光、反光以及环境色。通过Photoshop中的图层混合模式、渐变工具、画笔工具，学习如何精确模拟这些光影效果，赋予图像生命力。 色彩的魔力： 色彩不仅仅是视觉的呈现，更是情绪的传达。本书将深入探讨色彩理论在数字艺术中的应用，包括色相、饱和度、明度的控制，色彩搭配的法则（互补色、邻近色、三角色等），以及色彩如何在不同光线下发生微妙变化。我们将通过调整图层、曲线、色彩平衡等工具，掌握色彩的驾驭能力，让画面更具感染力。 明暗的交响： 明暗对比是构成图像立体感和戏剧性的关键。本书将引导读者理解高光、次高光、中间调、暗部、反光等不同明度区域的绘制技巧。我们将学习如何利用选区工具、蒙版、画笔的流量与不透明度，精细刻画明暗层次，让画面拥有更强的纵深感和空间感。 形体的雕刻： 光影与色彩的最终目的是为了塑造物体的形体。本书将讲解如何通过对光影的精准控制，强化物体的轮廓、体积和表面细节。我们将学习如何运用笔刷的硬度、形状动态、纹理等参数，模拟不同材质的表面肌理，让二维图像呈现出三维的触感。 第二篇：材质的肌理与触感 纹理的生成与运用： 纹理是赋予物体真实感的关键。本书将详细介绍Photoshop中多种纹理的生成方法，包括使用内置的滤镜（如纹理、噪点、云彩）、导入外部纹理素材，以及利用画笔和图层样式手动绘制。我们将学习如何将这些纹理叠加、混合到基础形态上，使其与光影完美融合，呈现出逼真的金属、布料、木材、皮革、岩石等材质效果。 表面细节的打磨： 真实的物体表面并非光滑如镜，总有细微的凹凸、划痕、毛刺等。本书将深入讲解如何通过笔刷的精细绘制、高斯模糊与锐化工具的配合，以及利用位移贴图（Displacement Map）等高级技巧，模拟这些细微的表面肌理，让材质更加生动可信。 反射与折射的奥秘： 了解物体表面的反射与折射特性，是创造逼真感的关键。我们将探讨不同材质对光线的反射与折射原理，并学习如何在Photoshop中利用图层混合模式、模糊效果、渐变工具以及自定义笔刷，模拟光滑表面的镜面反射，粗糙表面的漫反射，以及透明材质的折射效果。 环境的融入： 物体并非孤立存在，其材质的表现也受到环境光的影响。本书将讲解如何通过调整物体的色彩、明暗以及添加环境光反射，使其更好地融入整体画面，增强真实感和连贯性。 第三篇：意境的营造与升华 氛围的渲染： 意境的营造离不开氛围的烘托。本书将带领读者探索如何运用雾气、烟尘、雨雪、光晕等视觉元素，来塑造画面的情感基调和叙事氛围。我们将学习如何利用画笔、图层蒙版、模糊滤镜以及特定的混合模式，创造出细腻而富有感染力的环境效果。 情感的注入： 数字艺术不仅仅是技术的展示，更是情感的表达。本书将引导读者思考如何通过色彩的冷暖、明暗的对比、线条的走向以及构图的安排，来传达特定的情绪和故事。我们将学习如何将主观的感受转化为客观的视觉语言，让画面拥有打动人心的力量。 风格的探索与融合： 每一位艺术家都拥有独特的风格。本书将鼓励读者在掌握基础技法的同时，积极探索属于自己的艺术语言。我们将分享如何从自然、绘画、摄影等不同领域汲取灵感，并将这些元素融入到Photoshop创作中，形成独特的个人风格。 从“看”到“感受”的飞跃： 最终，本书的目标是帮助读者超越工具的束缚，从单纯的“操作”层面，提升到“感受”和“理解”层面。通过对光影、色彩、材质和意境的深入解析，我们希望读者能够真正理解Photoshop作为一种强大的艺术表达工具，能够自由地将脑海中的画面，化为触动人心的视觉传奇。 本书不仅仅是一本Photoshop教程，更是一次关于数字艺术创作的深度对话。它将带领您走进一个充满创造力的世界，用光影与色彩，炼制属于您的独特艺术传奇。

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这本书的附加价值，尤其体现在对“审美趋势”的洞察上。如今的设计潮流日新月异，软件功能更新的速度也让人眼花缭乱。很多书籍在出版时，其介绍的功能可能在下一版本就已过时。然而，《质感传奇》的重点显然不在于追逐软件的最新补丁，而在于提炼那些永恒不变的视觉真理——关于材质、光影、空间感的理解。书中对当前设计界主流的“超写实主义”与“极简主义”的融合趋势进行了深入的分析，并提供了超越具体工具层面的设计思路。这使得这本书的生命力得以延长，它教我如何“看”，而非仅仅是“做”。当我阅读到关于“数字雕塑”与“真实触感”的章节时，我清晰地感受到，作者是在引导我建立一套独立于软件平台的、坚实的美学底层框架。这是一本可以被放在书架上，时常翻阅，每次都能从中汲取新营养的“宝典”。

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我不得不承认，我是一个极度追求效率的学习者，面对厚厚的工具书往往三分钟热度。市面上很多教材都是流水账式的操作罗列，学完一个功能，转头就忘，根本无法形成体系。但《质感传奇》的编排逻辑简直是教科书级别的示范。它没有急于求成地堆砌高级技巧，而是从最基础的光影原理、色彩心理学入手，像剥洋葱一样，层层递进，深入到材质的本质。特别是关于“环境光与反射”的那一章，作者不仅展示了参数设置，更深入探讨了不同材质（如磨砂金属、抛光玻璃、湿润皮革）对光线吸收和散射的物理特性，这使得我不再是机械地套用预设，而是真正理解了“为什么这样做会产生这种效果”。这种自底向上、注重原理的讲解方式，极大地增强了我的举一反三的能力。现在，即便是遇到书中没有明确提及的新型材质，我也有信心凭借这些内建的底层逻辑去模拟和创造，这才是真正意义上的“授人以渔”。

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语言风格上，《质感传奇》做到了在专业性与亲和力之间取得了完美的平衡。很多技术文档读起来就像是机器翻译的说明书，冷冰冰的，让人望而却步。然而，这本书的作者仿佛是一位经验老到的导师，他的文字时而严谨如磐石，讲解专业术语时一丝不苟；时而又幽默风趣，穿插一些业内人士的“小道消息”和自我调侃，拉近了与读者的距离。这种亦庄亦谐的叙述方式，极大地降低了学习过程中的挫败感。我记得有一次，我被一个复杂的曲线调整搞得焦头烂额，正想放弃时，翻到旁边的“设计师心法”小贴士，里面写着：“别怕，每一次像素的挣扎，都是你通往大师的垫脚石。” 读到这里，我仿佛得到了鼓励，重新投入战斗并最终攻克了难关。这种情感上的支持，是很多纯粹的教程望尘莫及的。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种深邃的蓝与跃动的金光交织在一起，让人一眼就被深深吸引。我原本对技术类的书籍抱持着一种敬而远之的态度，总觉得它们晦涩难懂，充满了枯燥的理论和冰冷的指令。然而，《质感传奇》这本书完全颠覆了我的固有印象。它的排版极其讲究，每一页的留白、字体的选择，乃至章节之间的过渡，都流露出一种艺术家的细腻与匠心。更让我惊喜的是，书中那些复杂的概念，作者竟然能用极其生动的生活化比喻来阐释，仿佛不是在教我操作软件，而是在与一位经验丰富的大师面对面交流。比如，讲解图层混合模式时，作者将它们比作不同颜色的颜料在画布上相互渗透、融合的过程，让我瞬间茅塞顿开。这本书不只是工具书，它更像是一本关于“视觉语言构建”的哲学读本，让我开始思考每一个像素背后的意义和情感表达。我毫不夸张地说，仅仅是翻阅目录和前言，就已经让我对设计这件事燃起了全新的热情。这本书的价值，远超乎我购买时对一本“软件教程”的预期。

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这本书的实战案例设计得非常巧妙，充满了出乎意料的惊喜。我通常讨厌那种千篇一律的“制作一个闪亮图标”或“设计一个企业Logo”的案例，因为它们太刻板，缺乏想象空间。而《质感传奇》里的案例，每一个都像是一个微型故事会。例如，书中有一个“时间尘埃”的章节，指导读者如何为一张风景照添加上百年的岁月痕迹，不是简单地加个旧化滤镜了事，而是细致地分解了灰尘的堆积层次、光照穿透度以及材料本身的氧化反应。当我跟着步骤操作时，看着原本清晰的画面逐渐被一层富有故事感的“历史感”所覆盖，那种成就感是无与伦比的。作者似乎非常懂得如何激发读者的创造欲，每一个步骤的设定都带着强烈的引导性，让你在不知不觉中完成了从“执行者”到“创作者”的角色转变。这本书里的每一个项目，我都愿意当作自己的得意之作来收藏。

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各种字的效果

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