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出版者:

作者:黄元庆

出品人:

页数:104

译者:

出版时间:2007-6

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787532251537

丛书系列:

图书标签:

• 服装设计
• 效果图
• 绘画
• 设计
• 艺术
• 时尚
• 服装
• 表现技法
• 插画
• 创意

缝纫机下的几何：从平面到立体，勾勒服装的无限可能 一本关于服装打版与立体的实用指南，它并非描绘华丽的T台秀场，而是带领读者深入探究服装诞生最核心的工艺秘密。从二维的纸样到三维的塑形，这本书将带你穿越平面的二维束缚，进入立体空间的奇妙旅程。 精细入微的打版艺术： 翻开本书，你将首先领略到服装打版那严谨而充满智慧的魅力。这里没有抽象的理论说教，而是化繁为简，用清晰易懂的步骤图解，将看似复杂的版型绘制过程一一拆解。我们将从基础的身体测量和人体结构分析入手，理解身体的曲线与骨骼如何决定服装的廓形。 基础原型构建： 学习如何根据不同体型，精确地绘制出包含胸省、腰省、肩省等关键结构的衣身、衣袖、裙片、裤片等基础原型。每一个线条的走向，每一处省道的处理，都蕴含着对人体工学的深刻理解。我们将逐一剖析这些基础原型在不同服装品类中的应用，让你掌握万变不离其宗的打版精髓。 经典版型的演绎： 掌握了基础原型，便是进一步学习如何通过分割、转移、推挡等手法，将基础版型演变成各种经典款式。无论是优雅的A字裙、利落的西装外套，还是舒适的休闲衬衫，书中都将提供详尽的版型绘制过程。你将学会如何根据设计需求，在基础原型上巧妙地添加褶裥、荷叶边、泡泡袖等元素，赋予服装独特的风格。 细节处的匠心： 服装的魅力往往体现在细节之中。本书还将深入探讨领型、袖型、口袋、门襟等关键部位的打版技巧。如何绘制出挺括的西装领，如何处理圆润的泡泡袖，如何设计实用的贴袋或插袋，这些细节的掌握，将极大地提升你作品的专业度和美感。 特殊廓形的挑战： 对于一些更为复杂的廓形，如廓形外套、茧型裙、插肩袖等，本书也将提供系统性的解决方案。我们将深入分析这些特殊廓形在立体剪裁中的原理，以及如何将其转化为可操作的平面纸样。 立体剪裁的魔力： 当平面纸样在手中逐渐成型，真正的挑战——将二维转化为三维，便拉开了帷幕。本书的立体剪裁章节，将为你揭示服装在人体上如何展现其生命力。 立体裁剪的原理与工具： 了解立体裁剪的基本原理，即直接在人台上进行面料的分割、裁剪与缝合，从而获得与人体更为贴合的立体造型。你将熟悉常用的立体裁剪工具，如人台、大头针、剪刀、熨斗等，并学会如何正确使用它们。 从平面到立体的思维转换： 这里的重点不在于死记硬背，而在于培养一种空间想象力。我们将通过实际案例，演示如何将事先绘制好的平面纸样，巧妙地转化为在人台上进行裁剪和塑形的步骤。理解面料的垂坠性、延展性以及它们在不同结构下的表现，是掌握立体剪裁的关键。 基础款式的立体呈现： 学习如何通过立体裁剪，将基础的连衣裙、半身裙、上衣等款式，在人台上实现更为自然的垂坠感和贴合度。你将亲眼见证，原本平面的纸样如何在人台上“活”过来，呈现出立体的美感。 复杂造型的立体构建： 对于一些更为复杂的立体造型，如褶皱、扭转、不对称设计等，本书也将提供详尽的立体裁剪指导。你将学会如何通过面料的堆叠、分割与固定，创造出富有雕塑感的服装形态。 版型与立体的融合： 最终，本书将强调平面打版与立体剪裁之间的紧密联系。理解如何在立体裁剪中反思和修正平面纸样，以及如何将立体裁剪的经验反馈到平面打版中，形成一个良性循环，最终创作出既符合设计理念又兼具人体美学的服装。 不仅仅是技艺，更是思维的启发： 这本书的目标，不仅仅是教授一套套操作步骤，更重要的是激发读者对服装结构和人体美学的深入思考。它鼓励你打破常规，用全新的视角去审视服装的构成，去探索面料的可能性，去创造属于自己的独特风格。 无论你是服装专业的学生，渴望夯实基础；还是初涉服装设计的爱好者，希望找到一条通往专业之路的捷径；亦或是经验丰富的裁缝，想要拓展自己的技艺边界，这本书都将是你不可或缺的得力助手。它将帮助你理解服装是如何从一张白纸，一步步蜕变成穿着在人体上的艺术品，让你在缝纫机与布料的世界里，找到属于自己的创作天地，勾勒出服装的无限可能。

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这本厚厚的画册，色彩的运用简直是视觉的盛宴！我得承认，一开始我是冲着封面那几张极具创意的立体剪影才买的，心想，总能从中汲取一些关于形体结构和光影处理的灵感。翻开内页，扑面而来的是大量精细入微的手绘草图，那种笔触的细腻程度，仿佛能感受到纸张的纹理。其中一些关于面料垂坠感的表现手法，真是令人拍案叫绝，尤其是丝绸和粗花呢在不同光线下的质感对比，画得简直可以以假乱真。我特别关注了其中关于人体动态和服装结构线之间的相互作用，作者似乎对解剖学有着深入的理解，使得即便是最复杂的扭转姿态，服装的线条依然流畅且符合逻辑。不过，说实话，对于我这种更偏向于商业应用的设计师来说，这本书在色彩搭配的系统性理论上，稍微显得有些意犹未尽。它更像是一个顶尖艺术家而非系统性教育者的作品集，充满了个人风格的烙印，少了一些可以直接套用的标准化流程。尽管如此，仅仅是欣赏这些大师级的视觉呈现，就已经值回票价了。每次翻阅，总能在不经意间发现新的细节，比如某处褶皱的边缘处理，或是某个配饰的微妙光泽，每一次都有新的“顿悟”。

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这本书的装帧设计本身就很有品味，纸张的厚度和光洁度，非常适合长时间的对着光线仔细揣摩细节。我主要关注的是书中对于“高级定制”服装在效果图中的情感表达部分。高级定制往往不只是展示服装的版型，更重要的是传达设计师想讲述的故事，是关于奢华、仪式感和匠心独白。这本书中对这些“故事性”的捕捉非常到位。有几页专门展示了复杂珠绣和蕾丝覆盖的特写，那不是简单地用点状或线状来模仿，而是通过对光线折射的精准控制，描绘出每一颗微小亮片的“呼吸感”。读者的情绪很容易被带入到那种精致、近乎苛刻的完美主义氛围中。唯一的遗憾是，在处理那些需要强烈戏剧冲突或情绪张力的设计时，作者的表达方式显得过于“克制”了。例如，在表现一件充满力量感或解构主义风格的服装时，我期待看到更具侵略性的线条和更强烈的阴影对比，但书中的处理方式仍然保持着一种古典油画般的柔和与平衡，这使得部分作品少了一点“震撼感”。

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从纯粹的艺术鉴赏角度来看，这本书无疑是大师级的作品集。我特别欣赏作者在处理“面料的反光特性”时所展现的哲学思考。很多效果图不仅仅是“画出了面料”，而是“诠释了光与物质的对话”。比如对皮革光泽的处理，它不是一个单一的反光点，而是根据曲面的弧度，从亮白到深棕色逐渐过渡的微妙渐变，让人联想到精密的光学仪器。这本书为我打开了一扇窗，让我看到了如何将平面的绘画提升到三维的感知层面。不过，作为一个从事服装设计教育辅助工作的人，我必须指出，这本书在“教学案例”的实用性上稍显不足。它更多地展示了“结果”，而很少深入剖析“过程的变体”。例如，当一种新的、前所未见的特殊材质出现时，作者是如何一步步试验并最终确定这种表现手法的？书中缺乏那种详尽的“错误示范与修正”的对比分析，这对于初学者建立自己的表现系统是非常关键的缺失。它适合已经有深厚基础的设计师作为灵感源泉，但对于希望建立系统性绘画技能的学习者来说，可能需要另一本配套的“技术手册”来补充其理论和步骤的空缺。

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坦白讲，我买这本书的初衷是想寻找一些关于“未来感”和“科技面料”在设计稿中如何呈现的突破口。我希望能看到一些超越传统水彩和马克笔的媒介尝试，也许是混合媒介的拼贴，或者是数码渲染与手绘的完美结合。这本书里头确实有一些非常大胆的实验性作品，它们挑战了我对“效果图”的固有认知。比如有一组关于“仿生结构”的系列设计，作者似乎用了一种非常特殊的干燥颜料技巧，使得画面呈现出一种粗粝的、接近岩石或金属的质感，这在表现现代高科技面料的硬挺感时，提供了极佳的思路。然而，我对其中关于“可持续性设计”的视觉语言探讨略感失望。虽然设计理念可能很超前，但最终呈现的效果图，总感觉像是被套用在了传统的表现范式里，缺乏那种“环保”和“自然回归”所应有的清新或原始的力量感。我期待看到更多使用天然矿物颜料或者强调材料纹理本身的表现方式，而不是仅仅停留在传统的视觉美感层面。这本书的优点在于其精湛的技艺，但深度挖掘特定主题（如可持续性）的视觉语言方面，则显得相对保守和传统。

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我是一个对“细节”有着近乎偏执的追求的设计师，我尤其喜欢研究不同风格的服装在“透视”和“比例”上的处理差异。这本书的价值在于它提供了一个绝佳的对比平台。你可以清晰地看到，当表现一套结构严谨的巴洛克风格服饰时，作者如何运用强烈的收缩透视来强调庄严感；而转到现代简约风时，线条又是如何被故意拉长和简化，以突出飘逸和流动性。这种对不同历史时期和风格的“视觉语法”的精准拿捏，是本书最宝贵的部分。然而，我在寻找关于“多层次叠穿”效果的表现技巧时，却发现内容相对稀疏。当今的时尚设计中，叠穿和混搭是常态，如何在高密度的信息量下，依然能清晰地区分出每一层布料的边缘、厚度和材质差异，同时又不让画面显得拥挤不堪，这是一个极具挑战性的课题。这本书在处理单件主体服装时登峰造极，但在复杂、堆叠的造型中，个别图例的层次感略有模糊，线条之间的区分度需要读者耗费更多精力去辨认。

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