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出版者:W. W. Norton & Company

作者:Paul Henry Lang (ed )

出品人:

页数:150

译者:

出版时间:1991-10

价格:$ 9.95

装帧:paperback

isbn号码:9780393002188

丛书系列:

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《音乐之魂：莫扎特不为人知的创作旅程》 导言 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特，这个名字本身就如同璀璨的星辰，照亮了古典音乐的漫长历史。他的音乐，以其无与伦比的清晰、优雅、深刻的情感以及令人惊叹的技艺，跨越了时空的界限，至今仍在全球范围内感动着无数灵魂。然而，我们对这位音乐巨匠的认知，往往停留在他那些广为人知的杰作——《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《魔笛》等歌剧，或是那些如同水晶般剔透的钢琴协奏曲和奏鸣曲。这些作品固然是他的辉煌成就，但它们只是冰山一角，掩盖了在他那短暂却极富传奇色彩的一生中，那些不为人知、却同样至关重要的创作历程。 本书《音乐之魂：莫扎特不为人知的创作旅程》并非是对莫扎特作品的流水账式介绍，也不是对他的生平事迹的简单罗列。相反，它将带领读者深入莫扎特那颗充满奇思妙想的创作心脏，去探索那些未被聚光灯完全照亮的角落，去发掘他那些在历史长河中可能被低估，却同样闪烁着独特光芒的创作实践、灵感来源、以及那些塑造了他音乐风格的隐秘力量。我们将绕开那些耳熟能详的旋律，去聆听那些更微弱却同样动人的声音；我们将跳过那些舞台上的辉煌，去探寻那些在私人书房、在旅途中、在每一次创作冲动涌现时的真实状态。 第一章：童年时代的魔法与萌芽 莫扎特的音乐天赋，自童年起便如初升的太阳，耀眼夺目。但光有天赋，并非就能铸就音乐史上的不朽传奇。本章将深入探究，在那个由父亲利奥波德·莫扎特精心打造的“音乐神童”光环背后，隐藏着怎样的教育方式、家庭环境以及早期的音乐体验，是如何在他幼小的心灵中播下创造的种子。我们不只关注他多快能弹奏复杂的赋格，更关注他如何在父辈的严格训练下，学习模仿、吸收并最终超越。 “家庭音乐坊”的秘密： 利奥波德·莫扎特不仅仅是父亲，更是第一位也是最重要的老师。他的教学方法，是当时欧洲最前沿的音乐教育理念的实践。本章将剖析利奥波德如何在孩童的莫扎特身上，注入严谨的对位法、和声学知识，以及模仿不同作曲家风格的能力。我们还将探讨，这种近乎“工业化”的音乐生产模式，是如何在培养出神童的同时，也可能在无形中限制了其个性的自由舒展，以及莫扎特如何在其中寻找自己的音乐声音。 旅行的视野与声音： 莫扎特早年的欧洲巡演，不仅仅是展示才华的舞台，更是他音乐视野的开拓之旅。本章将聚焦那些他旅途中遇到的音乐家、听到的不同风格的音乐，以及在各国宫廷中感受到的文化氛围。我们将审视，他如何在接触到巴洛克晚期到早期古典主义风格的过渡期音乐时，如何吸收并转化，为自己日后融汇创新的能力奠定基础。例如，他在意大利听到的歌剧咏叹调，他与约翰·克里斯蒂安·巴赫的相遇，这些碎片化的音乐体验，是如何在他脑海中交织、碰撞，孕育出日后音乐的雏形。 早期作品的“实验田”： 即使是莫扎特早期的奏鸣曲、协奏曲，也并非是简单的练习曲。本章将通过分析那些可能被忽视的早期作品，揭示其中隐藏的创新尝试。他如何在这些作品中，探索乐器组合的可能性，尝试新的旋律线条，以及初步展现出对清晰、均衡的古典主义形式的偏爱。我们将关注，这些“小品”中的每一个音符，都可能是一个日后宏大乐章的伏笔。 第二章：创作的压力与隐秘的革新 随着年龄的增长，莫扎特离开了父亲的庇护，步入了更加复杂多变的音乐创作领域。来自教会、贵族、剧院的委托，以及自身对音乐艺术的不断追求，共同构成了他创作生涯中的强大驱动力。本章将剥离那些歌剧舞台上的光鲜外衣，去探究在那些看似流畅自然的乐章背后，莫扎特所面临的现实压力，以及他在这些压力下所进行的那些不显眼的、却极富深意的革新。 “委托”下的生存艺术： 莫扎特并非活在象牙塔里，他需要养活自己和家庭。本章将深入研究他所接受的各种委托创作，分析这些委托是如何影响他的创作方向和风格。我们将关注，当他需要为某个特定场合、某个特定乐器、甚至某个特定演员创作时，他如何在满足需求的同时，依然保持其独特的音乐个性和艺术追求。例如，为某些声乐家量身定制的咏叹调，如何展现出他对人声特质的深刻理解，以及如何在既定的框架内进行个性化的突破。 奏鸣曲的“心灵独白”： 钢琴奏鸣曲，通常被认为是作曲家最私密的表达方式之一。本章将重点分析莫扎特创作的钢琴奏鸣曲，尤其是那些不那么常被演奏的作品。我们将探究，在这些作品中，他如何通过乐器本身的特性，来表达复杂的情感，如何运用旋律、和声、节奏的细微变化，来展现内心的起伏。我们将关注，那些在演奏厅里并不常出现的奏鸣曲，是否隐藏着比我们想象中更深刻的哲学思考和情感共鸣。 赋格的“古老复兴”： 在崇尚旋律清晰、结构均衡的古典主义时期，莫扎特却对赋格这种古老的复调技法情有独钟。本章将深入剖析他作品中那些不为人知的赋格段落，例如某些奏鸣曲的末乐章，或是他晚期的一些教堂音乐。我们将探究，他如何将古老的赋格技法与古典主义的明快风格巧妙融合，赋予赋格以新的生命力，使其在严谨的结构中焕发出跳跃的活力和深刻的表情。这不仅是对技艺的精进，更是他对音乐历史传承与创新的独特思考。 第三章：器乐的“诗意革命”与戏剧张力 莫扎特在器乐领域的贡献，常常被他辉煌的歌剧所掩盖。然而，他的交响曲、协奏曲和室内乐，同样展现出惊人的创新性和深刻的艺术价值。本章将聚焦莫扎特在器乐创作中的那些不被充分重视的“诗意革命”，以及他如何在乐器本身的声音特质中，挖掘出前所未有的戏剧张力和情感深度。 协奏曲的“对话与辩证”： 钢琴协奏曲是莫扎特最擅长的体裁之一，但我们常常只记住了那些名声赫赫的作品。本章将深入分析那些可能被低估的钢琴协奏曲，探讨莫扎特如何在独奏乐器与乐队之间，建立起一种充满智慧的对话关系。他如何通过精妙的和声处理、旋律的对比，以及钢琴与乐队之间复杂而又和谐的互动，来展现情感的冲突与融合，探索音乐的辩证法。我们将关注，每一次独奏乐器的“出场”，都是一次深思熟虑的表达，每一次与乐队的“交锋”，都是一次情感的升华。 交响曲的“隐藏的叙事”： 莫扎特的交响曲，从早期的雅致到晚期的宏伟，无不展现出他驾驭大型音乐形式的非凡能力。本章将重点关注那些可能不常被演奏的交响曲，挖掘其中隐藏的叙事性和戏剧性。他如何在四个乐章的结构中，构建起一个完整的情感弧线，如何通过主题的发展、动机的演变，来讲述一个关于光明与黑暗、欢乐与忧伤的故事。我们将关注，那些看似纯粹的器乐作品，是如何在不借助歌词的情况下，引发听众最深层的情感共鸣。 室内乐的“亲密低语”： 弦乐四重奏、小提琴奏鸣曲等室内乐作品，是莫扎特音乐中最私密、最精巧的部分。本章将走进莫扎特家的客厅，感受他在室内乐创作中流露出的亲密情感和细腻笔触。他如何通过少数几件乐器的组合，来营造出丰富的音响层次，如何通过巧妙的旋律对位，来展现乐器之间的对话与呼应。我们将关注，在这些“亲密低语”般的作品中，莫扎特是如何用最纯粹的音乐语言，触及人类最柔软的内心。 第四章：歌剧的“幕后英雄”与形式的探索 莫扎特的歌剧，以其深刻的人物塑造、动人的旋律和对人性的洞察而著称。然而，在那些光彩夺目的舞台背后，隐藏着他对于歌剧形式的不断探索和革新。本章将揭示歌剧幕后那些不为人知的创作过程，以及莫扎特如何在既定的歌剧体裁中，进行的那些令人耳目一新的形式探索。 “角色”的音乐画像： 莫扎特的歌剧角色，之所以如此鲜活生动，源于他对声乐和戏剧的深刻理解。本章将深入分析他为不同角色创作的咏叹调和宣叙调，探讨他如何通过音乐的语言，来刻画人物的性格、情绪和心理变化。我们将关注，每一个音符，每一个休止符，都是对角色内心世界的精准描摹。例如，他如何为狡黠的唐·乔望尼创作出华丽而危险的咏叹调，又如何为天真善良的帕米娜谱写出纯净而充满希望的旋律。 “形式”的突破与融合： 歌剧的结构，在莫扎特手中得到了进一步的发展。本章将分析他在歌剧结构上的创新，例如如何将合唱、重唱与独唱更紧密地结合，如何运用序曲来预示全剧的基调，以及如何通过音乐的变化来推动戏剧的发展。我们将关注，他在《魔笛》中对“德国歌唱剧”形式的借鉴与发展，以及他在《费加罗的婚礼》中对“ensembles”的精妙运用，这些都是对歌剧表现力的一次次拓展。 “情感”的普适性： 莫扎特的歌剧之所以能够跨越时代，在于他对人类普遍情感的深刻洞察。本章将探讨，他如何在作品中展现爱情的甜蜜与苦涩，友谊的真挚与考验，以及人性的光明与阴暗。我们将关注，那些动人的旋律，是如何触及我们内心深处最柔软的部分，让我们在不同文化背景下，都能感受到共鸣。 第五章：晚年的沉思与未竟的遗产 莫扎特的生命，虽然短暂，却在生命的尽头留下了许多令人扼腕叹息的未竟之作，以及对音乐未来发展方向的深刻启示。本章将聚焦莫扎特晚年的创作状态，以及他那些可能被忽视的、却意义深远的“沉思”，去探究他留给后世的，那份复杂而又宝贵的音乐遗产。 《安魂曲》的“未尽之语”： 《安魂曲》是莫扎特生命最后的绝唱，充满了神秘与悲怆。本章将深入分析《安魂曲》中那些可能被误解或低估的段落，探讨莫扎特在其中所进行的最后一次音乐探索。我们将关注，他在宗教音乐的庄严框架下，如何融入个人化的情感表达，以及这部作品是如何成为他一生音乐追求的总结。 “未完成”的启示： 莫扎特生命中存在着许多未完成的作品，这些未完成，或许恰恰象征着他永无止境的创造力。本章将探讨，这些未完成的作品，例如某些交响曲的乐章，或是某些歌剧的草稿，是如何展现了他思想的闪光点，以及他对音乐未来可能性的大胆设想。我们将关注，这些“不完美”，反而成为他思想的“完美”注脚。 “影响”的无形之手： 莫扎特的音乐，对后世产生了难以估量的影响，但他并非只是被模仿的对象。本章将探讨，莫扎特在音乐创作的某些方面，是如何悄然改变了音乐的发展轨迹，他对于旋律、和声、曲式结构的探索，是如何为贝多芬、舒伯特等后来的作曲家铺平了道路。我们将关注，那些隐藏在后人作品中的“莫扎特印记”，是如何证明了他作为音乐史“里程碑”式的地位。 结语 《音乐之魂：莫扎特不为人知的创作旅程》试图打开一扇通往莫扎特内心世界的大门，去发现那些隐藏在他光芒四射的杰作背后的，那些不为人知却同样璀璨的创作瞬间。他的人生，是一场关于创造、关于热情、关于天赋与勤奋的宏大叙事。本书的目的，并非要颠覆我们对莫扎特的认知，而是要丰富它，让读者能够更全面、更深入地理解这位音乐巨匠的伟大之处，去聆听那些更微弱、却同样动人的音乐之魂，去感受他那永不熄灭的创作激情。当我们绕开那些被无数次演奏的乐章，当我们深入那些被时光所掩埋的创作细节，我们或许能更真切地触碰到，那颗跳动在古典乐心脏深处，不朽的音乐灵魂。

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这部作品简直是一场视觉与精神的盛宴，我一翻开它，就被那种扑面而来的、对艺术生命力无尽的赞颂所吸引。作者的笔触如同最精妙的雕刻刀，细腻地勾勒出那些伟大的艺术家们在灵感迸发时，灵魂深处所经历的狂喜与挣扎。书中对创作过程的描摹，绝非枯燥的技巧解析，而是将每一次运笔、每一次音符的排列，都赋予了近乎神启般的重量。它让我意识到，真正的创造力并非来自偶然的火花，而是在日复一日对完美的苛求、对既有边界的挑战中淬炼而成的。特别是在探讨媒介与表达形式的相互作用时，作者展现了惊人的洞察力，他似乎能穿透时间，让我们真切地感受到，那些被后世奉为圭臬的杰作，诞生之初是如何挑战了当时的传统，又是如何以其独特的语言，重新定义了“美”的边界。读完后，我感觉自己仿佛经历了一次深度的精神洗礼，对“原创性”这个词汇有了全新的、更具敬畏的理解。

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最让我感到震撼的是本书对于“时代精神”与个体表达之间张力的剖析。作者敏锐地捕捉到了一个核心矛盾：个体艺术家如何在拥抱自身独特声音的同时，又无法完全挣脱其所处时代文化土壤的制约？书中对不同历史时期，艺术观念的微妙演变进行了极其细致的描摹，让人清晰地看到，所谓的天才，绝非凭空出现，而是对当下时代困惑和渴求最强烈的回应者。它探讨了社会结构、政治气候乃至日常琐碎如何渗透进最宏伟的创作蓝图之中，使得作品的意义不再局限于画布或乐谱本身，而是延展到了更广阔的人类生存境遇。阅读此书，就像是拿到了一把钥匙，可以打开理解历史进程中文化脉动的秘密通道，它让你开始用一种全新的、更具历史纵深感的视角去审视眼前的每一件艺术品。

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我必须承认，初读时，我被书中那些极其专业且晦涩的理论术语稍微阻碍了一下，它对某些哲学流派和美学思潮的引用显得毫不含糊，甚至有些挑战读者的知识储备。然而，正是这种“不妥协”的态度，使得整部作品的深度得到了保障。作者并未将读者视为需要被简化信息的初学者，而是邀请我们共同参与到这场高层次的智力对话中。当那些看似深奥的概念通过精妙的比喻和生活化的场景被重新阐释时，那种豁然开朗的快感是无与伦比的。它迫使我停下来，查阅资料，重新审视我过去对“形式追随功能”或者“内在必然性”这些概念的肤浅理解。与其说这是一本关于创作的书，不如说它是一本关于如何进行深度思考、如何建立批判性思维框架的教科书，只是其案例恰好落在了艺术创作的领域。

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这本书的语言风格极其富有音乐性，这或许是它最令人称道的一点。行文之间充满了精准的节奏感和巧妙的排比，即便是描述一个再普通不过的动作，也能被作者赋予一种仪式般的庄重感。我发现自己不自觉地在脑海中为某些段落配上了宏大的管弦乐背景——那种时而轻柔低语，时而爆发雷鸣的张力被完美地转译成了文字的旋律。对于那些追求纯粹文本美感的读者来说，这本书无疑是一场盛宴。它超越了信息传递的范畴，达到了某种近似于诗歌的境界，让你在阅读时不仅仅是用眼睛获取内容，更是用耳朵去“聆听”作者的逻辑是如何层层递进，最终构建起一个无懈可击的思想殿堂。它证明了，严肃的探讨也完全可以包裹在华丽、悦耳的辞藻之中。

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这本书的叙事结构极其大胆，它完全摒弃了传统传记或艺术史的线性叙事，更像是一部由无数碎片、闪回和内省构成的意识流作品。阅读体验是跳跃的，但绝非混乱，恰恰相反，这种看似散乱的组织方式，完美地呼应了人类思维在深度思考时那种非线性的、充满联想的特质。作者似乎并不急于告知“发生了什么”，而是执着于探讨“事物之所以成为现在的样子，其背后隐藏的驱动力是什么”。我尤其欣赏他对“失败”和“未竟之业”的着墨。在很多关于天才的论述中，人们往往只聚焦于光芒万丈的成就，但这本书却深入挖掘了那些被时间湮没的草稿、被自我否定的尝试，正是这些阴影，才衬托出了最终胜利的来之不易。这种对创作历程的完整呈现，让人物形象立刻变得立体、可触，不再是高高在上的神祇，而是有血有肉、充满矛盾的探索者。

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