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出版者:上海人美

作者:徐建融

出品人:

页数:124

译者:

出版时间:2007-5

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787532250622

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《墨韵千年：笔尖上的东方美学》 一、 序章：穿越时空的对话 这是一场跨越千年的对话，始于挥毫泼墨的瞬间，延绵至今日指尖的滑动。当古老的宣纸遇上现代的笔触，当历史的回响触碰到当下的心跳，《墨韵千年：笔尖上的东方美学》便应运而生。它不是一部简单的图录，也不是一份枯燥的学术考证，而是一扇窗，引领你推开尘封的记忆，走入那片由黑白灰构筑的辽阔天地，感受东方特有的哲学韵味与人文情怀。 在信息爆炸的时代，我们渴望一种沉淀，一种回归。而中国书画，恰是承载这份沉淀、实现这种回归的绝佳载体。它不仅仅是线条的组合，更是意念的抒发，是情感的流淌，是人生哲思的凝结。从魏晋的风流，到唐宋的盛世，再到元明清的变迁，每一幅卷轴，每一帧扇面，都烙印着时代的印记，诉说着艺术家的心路历程。 本书旨在打破传统书画鉴赏的壁垒，以一种更亲近、更生动的视角，邀请每一个对美有追求的灵魂，一同踏上这场探索之旅。我们将从“技”的层面，解读笔墨的精妙之处，体会线条的生命力；从“道”的层面，探寻画中的哲理，感受中国传统文化的博大精深；从“情”的层面，共鸣艺术家的喜怒哀乐，体会那些超越时空的共鸣。 在这本书里，你将看到山川河流如何被赋予生命，花鸟虫鱼如何跃然纸上，人物的眼神如何传递复杂的情感。你将了解到，一滴墨，如何能饱含万千气象；一根线，如何能勾勒出宇宙的奥秘。你将认识到，书画并非遥不可及的阳春白雪，而是融入生活、滋养心灵的甘露。 让我们一同放下浮躁，静下心来，准备好与这些流传千古的杰作进行一场深刻的对话。在墨的浓淡干湿中，在线的疾徐顿挫里，寻找属于你自己的那份宁静与启迪。 二、 第一章：笔墨的灵魂——点、线、面的变奏曲 书画的魅力，首先在于其最基本也是最核心的构成元素：点、线、面。然而，在中国书画的语境下，它们早已超越了单纯的几何概念，被赋予了鲜活的生命与无限的可能。 点：万象之始，形神之韵 一个看似微不足道的点，在中国书画中却能蕴含万钧的力量。它可以是山峰的顶端，是雨滴的坠落，是花蕊的点缀，是人物的眼眸。不同的落笔力度、墨色深浅、用笔方式，都会赋予点不同的性格和表情。 “钉头”点：犹如铁钉，刚劲有力，常用于表现山石的坚硬，或作为构图的醒目之处，给人以沉稳、厚重之感。 “墨团”点：圆润饱满，如同一颗颗饱满的露珠，常用于表现草木的丰茂，或山峦的堆叠，传递着生机与活力。 “破笔”点：笔触破碎，飞白效果明显，能营造出一种粗犷、苍劲的质感，仿佛风吹过，留下岁月的痕迹。 “散点”：不拘泥于固定形态，随意点缀，却能起到画龙点睛的作用，使画面灵动起来，如春雨初霁，点点滴滴，滋润大地。 点的变化，是艺术家捕捉瞬间形态、表现微妙情感的开始。它看似简单，实则蕴藏着艺术家对物象的细致观察与提炼，以及对笔墨运用的精湛技艺。 线：骨骼的支撑，生命的律动 线条，是中国书画的骨骼，是其最鲜明的语言。书法中的“飞白”、“渴笔”、“涨墨”，绘画中的“游丝描”、“铁线描”、“折芦描”，无不展现出线条的千姿百态。 力量的线条：如“力透纸背”的篆书，或表现山岩的“斧劈皴”，粗犷有力，展现出刚毅、坚韧的品质。 生命的线条：如描绘柳枝的“游丝描”，纤细柔美，如春风拂柳，传递着生命的柔韧与婉约。 节奏的线条：如同音乐的旋律，笔画的起承转合，勾勒的抑扬顿挫，都形成了一种视觉上的节奏感，引导观者的目光在画面中游走，如同一次心灵的旅行。 情感的线条：艺术家的心绪，可以通过线条的快慢、疾徐、粗细、枯润，直接传递给观者。一笔的急促，可能承载着激昂的情绪；一笔的迟缓，也许饱含着沉思。 线条的流动与变化，构成了书画的呼吸与脉搏。它们是艺术家情感与思想的直接载体，是连接观者与作品精神世界的桥梁。 面：空间的呼吸，意境的营造 当点与线在宣纸上交织、铺陈，便构成了“面”。这个“面”并非实体的平面，而是留白与色彩、墨色的交融，是空间感与层次感的体现。 留白之美：中国书画的“留白”，并非“空无”，而是“含蓄”。它为观者留下了想象的空间，使得画面更加空灵、悠远。如同聆听一首音乐，那些静默的休止符，往往比音符本身更具力量。 墨色之韵：墨色的浓淡干湿变化，构成了画面的层次感和立体感。浓墨厚重，如山峦叠嶂；淡墨轻柔，如晨雾弥漫。不同的墨色运用，能营造出不同的氛围，或雄浑壮阔，或清新雅致。 色彩之魂：虽然本书侧重笔墨本身，但色彩在中国书画中同样扮演着重要角色。一抹丹红，可以点燃整个画面；一抹青绿，能勾勒出山河的壮丽。色彩的运用，往往与笔墨的技法巧妙结合，共同营造出丰富的视觉效果。 点、线、面，三者相互依存，又相互转化，共同构筑了中国书画丰富而独特的视觉语言。通过对这些基本元素的深入解读，我们才能更好地理解艺术家创作时的匠心独运，以及作品背后所蕴含的深刻意蕴。 三、 第二章：山水情怀——胸中丘壑，笔下乾坤 中国书画中的山水，绝非对自然景色的简单复制，而是艺术家将自然造化与个人胸臆融为一体的创作。它是一种寄托，一种观照，一种对宇宙人生的哲学思考。 “可行、可望、可游、可居”的理想境界 宋代画家郭熙提出的“可行、可望、可游、可居”，道出了中国山水画创作的重要理念。 可行：画面应能引导观者仿佛踏入其中，循着路径行走。 可望：画中的远山近水，应能被清晰地看见，有层次感，如同站在高处眺望。 可游：画中的景致，应能让观者产生漫步其间的游兴，仿佛能感受到微风拂面，鸟语花香。 可居：最高境界，是画面能营造出一种安宁、舒适的居住氛围，让观者产生归属感，仿佛找到了心灵的栖息地。 这种理念，使得山水画不仅仅是视觉的享受，更是心灵的慰藉。它构建了一个理想的国度，供人们在纷扰的尘世中得以安顿。 “皴法”的哲学密码 “皴法”，是中国山水画中表现山石纹理的独特技法，也是解读山水画“骨骼”的重要途径。不同的皴法，不仅描绘了山石的形态，更赋予了它们独特的性格和生命。 披麻皴：如同丝缕般的线条，层层叠叠，表现出山石圆润、柔和的质感。常用于表现江南山水，温婉秀丽。 斧劈皴：线条刚劲有力，如同斧头劈砍的痕迹，表现出山石坚硬、险峻的特征。常用于表现北方山水，雄伟壮阔。 雨点皴：如雨点般点染，表现山石的斑驳肌理，给人以沉厚、苍老之感。 渴笔皴：笔触干涩，飞白明显，表现出山石的嶙峋与沧桑，仿佛经历了漫长的岁月侵蚀。 皴法的运用，是中国画家对自然物质的深刻体察，也是对哲学观念的视觉化表达。每一笔皴擦，都凝聚着艺术家对山石“气韵”的理解。 “虚实相生”的宇宙观 山水画中的虚实处理，是中国哲学“虚实相生”思想的绝佳体现。 实景：指的是画面中具体描绘的山峦、树木、建筑等有形之物。 虚景：指的是画面中的留白、云雾、水面等无形之境。 虚实之间的巧妙结合，使得画面既有实在的物象支撑，又不失空灵的意境。云雾缭绕的山峰，仿佛披上了一层神秘的面纱，引人无限遐想；寥寥几笔的流水，却能勾勒出奔腾的声响。这种虚实相生的处理，使得画面具有了更深的哲学内涵，也让观者在品味中获得更多的精神体验。 山水中的人文精神 山水画并非只是描绘自然，它更是艺术家精神世界的投射。 隐逸情结：许多文人画家，将隐居山林作为理想人生，他们在画中描绘高洁的山峦、幽深的谷底，寄托着自己超脱尘世的愿望。 家国情怀：壮丽的山河，也常常承载着艺术家对国家的热爱与忧患。雄浑的山川，象征着国家的强大；而战争的创伤，也可能在画面的笔触中有所体现。 人生哲思：山水的壮丽与渺小，永恒与变迁，常常引发艺术家对人生际遇、宇宙规律的深邃思考。 通过解读山水画，我们不仅能欣赏自然之美，更能触摸到艺术家在那个时代背景下，所经历的喜怒哀乐，所秉持的价值追求。 四、 第三章：花鸟意趣——生命在指尖绽放 花鸟画，是中国书画中最具生活气息、最富生命力的门类之一。它以自然界的生灵万物为描绘对象，通过细腻的笔触和巧妙的构图，传递出生命的美好与自然的和谐。 “不似之似”的写意精神 与西方写实主义不同，中国花鸟画更注重“写意”。“似”是基础，“不似”是升华。 形似：要求艺术家对花鸟的形态、结构有准确的把握，不能失之毫厘。 神似：更进一步，要求艺术家能捕捉到花鸟的“神韵”——它们的生气、活力、以及与环境的相互关系。 “不似”的妙处：有时，艺术家会通过夸张、变形，甚至省略某些细节，来突出花鸟的神态和精神。例如，一只展翅欲飞的鸟，可能并非每一个羽毛都描绘得纤毫毕现，但其张力十足的姿态，却能让人感受到它生命的跃动。 这种“不似之似”，使得花鸟画在写实的基础上，更富于艺术的想象空间和情感的表达力。 “四君子”的品格象征 梅、兰、竹、菊，被誉为“花中四君子”，它们在中国花鸟画中占据着特殊的地位。 梅：凌寒独自开，象征着坚韧不拔、高洁孤傲的品格。 兰：空谷幽香，象征着君子之风、淡泊宁静的胸怀。 竹：虚心有节，象征着正直、节操，以及蓬勃向上的生命力。 菊：傲霜独立，象征着隐逸、不屈，以及高雅的情趣。 艺术家通过描绘“四君子”，不仅展现了它们自然形态的美，更赋予了它们深厚的人文内涵，寄托着自己的理想人格。 “工笔”与“写意”的对话 花鸟画主要分为工笔和写意两大流派，它们各有千秋，又相互补充。 工笔画：以细致的线条和丰富的色彩，描绘物象的形体结构和纹理细节，追求逼真、精巧的效果。如描绘细腻的鸟羽，精致的花瓣。 写意画：以简练的笔墨，捕捉物象的整体神韵和意趣，追求生动、传神的艺术效果。如几笔勾勒出的飞鸟，寥寥数点染出的花朵。 这两种画风的并存，丰富了花鸟画的表现力，使得从细微之处的精雕细琢，到整体意境的挥洒自如，都能在宣纸上得到完美的呈现。 花鸟中的生活情趣与吉祥寓意 花鸟画的题材非常广泛，除了“四君子”，还有牡丹、荷花、葡萄、鱼、虾、昆虫等，它们往往蕴含着丰富的生活情趣和吉祥的寓意。 牡丹：象征着富贵吉祥，繁荣昌盛。 荷花：象征着出淤泥而不染，高洁的品德。 葡萄：象征着多子多孙，硕果累累。 鱼：象征着年年有余，生活富足。 虾：笔触灵动，姿态鲜活，象征着生机勃勃。 这些题材的运用，使得花鸟画更加贴近生活，也为观者带来了美好的祝福和期望。 五、 第四章：书法之魂——汉字的诗意与力量 书法，是中国书画中不可分割的重要组成部分，它本身就是一种独立的艺术形式。汉字，作为中国文化独特的符号，在书法家的笔下，化为流动的诗篇，展现出无穷的魅力。 “永字八法”的基石 “永”字，包含了书法中点、横、竖、撇、捺、提、勾、折等基本笔画，被誉为“永字八法”。掌握了“永字八法”，就如同掌握了绘画的“点、线、面”一样，是学习和创作书法的基础。不同的用笔方法，赋予了这八种笔画不同的形态和力度，形成了书法的骨骼。 “五体”的风格各异 中国书法主要有篆书、隶书、楷书、行书、草书五种基本字体，每种字体都有其独特的风格和美学特征。 篆书：线条古朴、均匀，结构严谨，如小篆的规整，大篆的雄浑，给人以庄重、古雅之感。 隶书：笔画平直，蚕头燕尾，字形扁方，具有独特的装饰性和韵律感，如《曹全碑》的飘逸，如《乙瑛碑》的方正。 楷书：笔画清晰，结构方正，是学习书法的入门字体，如颜体的端庄，柳体的瘦硬，欧体的险峻。 行书：介于楷书和草书之间，书写流畅，笔势连贯，既有楷书的易辨识，又有草书的灵动，如王羲之的《兰亭序》。 草书：笔势连绵，变化多端，具有极高的艺术性和表现力，观之如龙蛇飞舞，如行云流水，如《张旭的怀素》的狂放。 每种字体都承载着不同的历史信息和审美追求，它们的发展演变，也反映了中国社会文化的发展。 “笔随心走”的情感表达 书法不仅仅是技法的展现，更是艺术家情感的流露。 线条的力度与速度：急促的笔画可能表达激昂的情绪，缓慢的笔画则可能体现沉静的思考。 墨色的浓淡干湿：墨色的变化，如同情绪的起伏，或深沉，或明快。 字形的大小与结构：字形的大小疏密，结构的长短欹正，都能传达出艺术家当时的心境。 优秀的书法作品，能够让观者感受到艺术家澎湃的情感，产生共鸣。 书法与绘画的“书画同源” 在中国艺术史上，“书画同源”是一个重要的概念。书法中的线条、结构、章法，与绘画中的笔墨、构图、意境，有着天然的联系。许多画家同时也是书法家，他们将书法的功力融入绘画，使得画面的线条更富于表现力，笔墨更显功力。同样，一些书法家也善于在字的结构和章法中融入画面的意境。 本书虽以书画为名，但书法作为其内在灵魂，其精妙之处，同样值得我们深入品味。 六、 结语：墨色之外的余韵 《墨韵千年：笔尖上的东方美学》所描绘的，并非仅仅是黑白之间的浓淡干湿，线条的曲直方圆。它所呈现的，是东方民族千百年来的哲学思考，是文人雅士的情感寄托，是普通百姓的生活情趣。 当你凝视一幅山水，你看到的不仅仅是高山流水，更是艺术家对人生的高度与深度，对自然的敬畏与热爱。当你欣赏一幅花鸟，你感受到的不仅是生命的活力，更是人与自然的和谐共生，以及对美好事物的赞美。当你品读一幅书法，你体会到的不仅是汉字的结构之美，更是艺术家内心的跌宕起伏，以及对文字背后思想的传承。 这本书，是一次邀请，邀请你一同走进这个墨色流淌的世界。它希望引导你，不仅仅是用眼睛去看，更是用心去感受。在每一次的品味中，你或许能找到一丝慰藉，一次启迪，或者只是片刻的宁静。 东方美学，就蕴藏在这些笔尖的律动之中，沉淀在墨色的深邃之间，回响在千年文化的脉络之中。愿这本书，能为你开启一扇窗，让你窥见那片壮丽而深邃的艺术天地，并在墨色之外，品味到那份悠长的余韵。

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