台湾现代陶瓷发展史

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isbn号码:9789867487704
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具体描述

中国古代雕塑艺术通史 作者: 李明 出版社: 文华出版社 页数: 880页 装帧: 精装 定价: 320.00元 --- 内容简介: 《中国古代雕塑艺术通史》是一部系统、全面梳理和深入剖析中国古代雕塑艺术发展脉络的学术专著。本书旨在通过对各个历史阶段代表性作品的细致考察与理论阐释,构建一个完整而清晰的中国古代雕塑艺术发展史的知识体系,揭示其独特的审美特征、技术演变及其所承载的文化内涵。 本书内容涵盖了从新石器时代原始雕刻遗存到宋元明清时期成熟雕塑艺术的漫长历史进程,重点聚焦于汉、魏晋南北朝、隋唐、宋元等关键发展阶段。作者运用扎实的考古学、艺术史学和文献学功底,对海量的考古实物和传世珍品进行了严谨的分类和深入的解读。 第一部分:源起与雏形(新石器时代至商周) 本部分追溯了中国雕塑艺术的源头。从新石器时代的红山文化、仰韶文化中的陶塑人像,探讨了这些早期作品在形态、材质和宗教意义上的初步探索。随后,详细考察了商周青铜礼器上浮雕装饰的艺术手法,特别是饕餮纹、夔龙纹等纹饰的抽象造型如何影响了后世的纪念性雕塑。重点分析了“神人兽面纹”等神秘图像所体现的早期信仰体系与雕塑语言的关联。 第二部分:塑像的自觉与融合(秦汉至魏晋南北朝) 秦汉时期是中国雕塑艺术走向成熟的转折点。本书系统论述了秦始皇陵兵马俑群的宏大叙事及其写实主义精神的奠基意义。对汉代画像石、画像砖上的神仙故事和历史叙事场面进行了细致的类型学分析,揭示了汉代朴拙雄浑的审美风格。 魏晋南北朝时期,随着佛教的广泛传播,中国雕塑艺术迎来了空前的繁荣与变革。本书投入大量篇幅,深入探讨了犍陀罗艺术对中国本土雕塑的影响与本土化的过程。通过对云冈、龙门、麦积山等石窟群的代表性佛像进行对比研究,阐释了“褒衣博带”的艺术语言如何体现魏晋风度的清逸与超然,以及北魏晚期至北周时期“秀骨清像”审美趋向的形成与发展。 第三部分:盛唐气象与写实高峰(隋唐五代) 隋唐是中国雕塑艺术的黄金时代。本书着重分析了唐代雕塑在继承前代成果基础上所取得的突破性成就——即“神态兼备,气韵生动”。隋代风格的过渡性,特别是那种沉静庄重的气息,被详细描摹。唐代雕塑,尤其是成熟期的作品,展现出前所未有的健硕体量感、丰满圆润的肉感和极富感染力的面部表情。本书特别关注了唐代石刻与彩塑在宗教题材之外,对世俗人物、力士、供养人形象的塑造,展现了盛唐社会开放包容的时代精神。对唐代“文殊师利”“普贤菩萨”等大型组像的结构与造型特点进行了专题论述。 第四部分:世俗化与精神内敛(宋元明清) 宋代是雕塑审美由宗教转向世俗、由宏大转向精巧的过渡期。本书指出,宋代雕塑趋向于更柔和、更富有人情味的表达,泥塑彩绘(如“木雕罗汉”)的兴盛,标志着工匠技艺的进一步精湛化和题材的日常化。 元代雕塑在藏传佛教艺术的影响下,呈现出独特的“金铜佛像”风格,本书考察了这一时期造像的异域特征与技术细节。 明清时期,雕塑艺术进入了高度装饰化和世俗化的阶段。本书详细分析了木雕、牙雕、玉雕等工艺美术领域中雕塑语言的广泛应用,尤其关注了戏曲人物、世俗神祇、以及文人雅玩造像的发展,揭示了晚期雕塑在技术上登峰造极,但在精神深度上相较于唐代盛期的内敛与程式化趋势。 艺术技法与材料科学 贯穿全书的另一条重要线索是技术史的梳理。本书详细介绍了古代雕塑所使用的材料——从泥土、石材(砂岩、大理石、石灰石)、木材到铜合金的铸造技术。对于开凿技法、打磨工艺、以及色彩(彩绘、贴金)的运用,均进行了详尽的描述和考证,使读者能从技术层面理解不同时期雕塑的物质基础和美学表达。 总结与展望 最后,本书总结了中国古代雕塑艺术在世界雕塑史中的独特地位,强调了其在人与神、理想与现实之间的哲学探索,以及其所蕴含的连续性和阶段性特征。 《中国古代雕塑艺术通史》是研究中国古代雕塑艺术的必备参考书,尤其适合艺术史学者、考古工作者、博物馆专业人士以及对中国传统文化有浓厚兴趣的广大读者深入研读。 --- (注:本书所有图片、图版和表格均经过精心挑选和高清还原,力求为读者提供最直观的视觉感受与学术佐证。)

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读后感

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《台湾现代陶瓷发展史》这本书,让我对“现代”二字有了全新的理解。它不仅仅是指时间的跨度,更是指一种精神的觉醒和视野的拓展。 我被书中对于艺术家们如何打破传统束缚,拥抱新观念的描述所打动。在那个时代,许多艺术家面临着巨大的压力,他们要挑战传统的审美观念,要应对技术上的瓶颈,更要抵挡来自社会各界的质疑。然而,他们却从未停止探索的脚步。书中对一些艺术家的“不妥协”精神的刻画,让我看到了艺术家的初心和担当。它让我明白,真正的创新,从来都不是一帆风顺的,而是需要勇气、智慧和坚持。这本书,让我看到了台湾现代陶瓷艺术的“现代”之处,在于它不断突破边界,不断追求卓越的精神。

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当我拿起《台湾现代陶瓷发展史》,我期待的是一本专业的学术著作,而我得到的是一本饱含深情的艺术史诗。这本书的文字,流畅而富有韵律,仿佛能听到陶瓷在窑炉中低语,能感受到艺术家指尖的温度。 我尤其喜欢作者在描绘特定艺术家的创作生涯时,所采用的叙事方式。他不仅仅是简单地介绍作品,而是深入到艺术家的内心世界,去探寻他们创作的灵感来源,他们面临的困境,以及他们是如何克服这些困境的。这种“人物志”式的写作风格,让冰冷的艺术史变得鲜活起来,也让我对这些艺术家产生了由衷的敬意。书中对一些著名作品的细节描述,让我仿佛置身现场,能够“触摸”到陶瓷的质感,感受到其内在的力量。这本书,让我看到了台湾现代陶瓷艺术家们的执着与热爱,也看到了他们为艺术所付出的青春与汗水。

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一直对台湾的陶瓷艺术情有独钟,但苦于找不到一本系统梳理其发展脉络的著作,直到在书店偶然翻到了这本《台湾现代陶瓷发展史》。拿到手的那一刻,我就被它厚重的分量和精美的封面所吸引。迫不及待地带回家,一口气读了好几个小时,感觉收获颇丰。 这本书如同一个时间胶囊,将台湾现代陶瓷艺术的发展历程娓娓道来。它不仅仅是罗列了几个艺术家和他们的作品,而是深入挖掘了每个时代背景下,陶瓷艺术所扮演的角色,以及它如何与社会、经济、文化思潮相互激荡、彼此塑造。从早期的日治时期,到国民政府迁台后的融合与创新,再到解严后的百花齐放,作者都进行了详尽的梳理。我尤其对书中关于早期陶瓷艺术家如何应对技术与审美挑战的描述印象深刻,他们如何在有限的资源下,借鉴西方技术,又融入本土元素,奠定了台湾现代陶瓷的初步格局。书中穿插了大量的珍贵图片,让我得以一窥那些早已成为经典的陶瓷作品,它们的质感、色彩、造型,即使是通过书页,也依然能够感受到强大的生命力。

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《台湾现代陶瓷发展史》带给我的震撼,远不止于对陶瓷艺术本身的认知。它更像是一面镜子,映照出台湾社会在现代化进程中的变迁与思考。我惊叹于作者如何将冰冷的史料,化为生动的故事,讲述一个个艺术家在时代的洪流中,如何用双手塑造着精神的图腾。 书中对不同艺术流派的兴衰,以及它们如何受到社会思潮的影响,进行了深入的剖析。我读到了那些曾经辉煌的流派,如何在新的艺术浪潮冲击下逐渐式微,也读到了那些新兴的力量,如何在质疑与探索中崭露头角。这种螺旋式的发展,让我看到了艺术的生命力,也看到了时代变革的不可阻挡。书中对一些争议性艺术作品的解读,更是引人深思,它挑战了我固有的审美观念,让我开始重新审视“什么是艺术”这个基本的问题。这本书不仅让我了解了台湾现代陶瓷的发展,更让我对艺术的本质,以及艺术与社会的关系,有了更深刻的理解。

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初读《台湾现代陶瓷发展史》,我被其严谨的学术态度和宏大的叙事所折服。但随着阅读的深入,我逐渐感受到作者字里行间流露出的对台湾陶瓷艺术的深厚感情。 书中对于某些艺术流派的起源和发展,进行了非常细致的梳理。我了解到,一些看似偶然的艺术现象,背后其实有着深刻的历史原因和文化积淀。作者的分析,总是能够层层递进,抽丝剥茧,最终揭示出艺术发展的内在逻辑。我尤其欣赏书中对不同艺术家之间传承与创新的关系的处理。它不仅仅是简单地罗列出“谁是谁的学生”,而是深入探讨了思想观念的传递,技艺的改良,以及在继承基础上的超越。这种深入浅出的解读,让我对台湾现代陶瓷艺术的发展脉络,有了清晰而深刻的认识。

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读完《台湾现代陶瓷发展史》,我仿佛经历了一场跨越时空的艺术之旅。这本书给我的感觉是,它不仅仅是在讲述一段历史,更是在探究一种精神。作者以一种非常细腻的笔触,勾勒出台湾陶瓷艺术家们在时代洪流中的挣扎与探索。我看到了他们在材料上的革新,在技法上的突破,更看到了他们在艺术理念上的不懈追求。书中对不同时期艺术家群体的分析,让我能够清晰地感受到艺术风格的演变和流派的形成,以及不同艺术家之间的思想碰撞与传承。 特别值得一提的是,作者在讨论某些关键时期的艺术变革时,引入了许多当时的社会背景和政策影响,这让我对陶瓷艺术的发展有了更宏观的理解。例如,在某个时期,政府对艺术教育的投入如何影响了年轻艺术家的成长,又或者,经济的发展如何催生了市场对陶瓷艺术品的需求,这些都深刻地影响了陶瓷艺术的走向。书中对一些鲜为人知的艺术家及其作品的介绍,更是填补了我知识的空白,让我看到了台湾现代陶瓷艺术背后那更加丰富多元的图景。这本书不仅仅适合对陶瓷艺术感兴趣的读者,也适合所有对台湾文化发展史有兴趣的人,因为它是一部浓缩的台湾艺术发展史。

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翻开《台湾现代陶瓷发展史》,我就被一种深沉的历史感所包裹。这本书的厚度本身就足以说明作者在资料搜集和整理上的艰辛,而阅读的过程则让我体会到了这种付出的价值。它并非是那种轻松愉悦的读物,而是需要静下心来,细细品味,才能领略其精髓。 我印象最深刻的是书中关于“在地性”与“国际化”之间张力的探讨。在台湾现代陶瓷的发展过程中,艺术家们如何在吸收西方现代艺术理念的同时,又努力寻找和彰显属于台湾自身的文化特质,这是一个充满挑战但又极其重要的课题。作者对此的论述非常深刻,他通过分析具体的作品和艺术家的创作理念,展现了这种艰难而又辉煌的融合过程。书中对一些地域性陶瓷技艺的传承与创新,以及它们如何融入现代艺术语境的讨论,也让我耳目一新。这本书让我认识到,真正的艺术发展,不是简单的模仿,而是在根植于自身文化土壤的同时,又敢于拥抱世界。

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《台湾现代陶瓷发展史》不仅仅是一本关于陶瓷的书,更是一部关于“台湾”的书。它通过陶瓷艺术的视角,折射出台湾社会变迁的轨迹,文化融合的脉络,以及民族精神的演进。 我被书中对于陶瓷与政治、经济、社会生活之间关系的探讨深深吸引。例如,在某些历史时期,陶瓷艺术如何被赋予特定的政治象征意义,又或者,经济的繁荣如何催生了对高端陶瓷礼品的市场需求,这些都让我看到了艺术与现实生活的紧密联系。书中对一些早期陶瓷厂的介绍,也让我了解到台湾工业化进程中,陶瓷产业所扮演的角色。这本书让我明白,艺术的发展,从来都不是孤立存在的,它深深根植于社会的土壤之中。它让我对台湾这片土地,以及在这片土地上生活的人们,有了更深的理解和情感连接。

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《台湾现代陶瓷发展史》为我打开了一扇理解台湾文化的新窗口。通过陶瓷艺术,我看到了这片土地上人民的智慧、情感和创造力。 书中对于不同地域陶瓷艺术风格的比较,让我看到了台湾岛内多元的文化特色。从北部的工业化瓷器,到中南部的传统陶艺,再到东部的原住民陶艺,每一种风格都承载着独特的历史记忆和文化符号。作者的分析,不仅关注作品本身的美学价值,更关注它们所代表的地域文化和人文精神。我了解到,陶瓷不仅仅是工艺品,更是承载着历史、文化和情感的载体。这本书,让我看到了台湾陶瓷艺术的“生命力”,在于它与这片土地和人民的情感连接,在于它不断吸收和融合的文化特质。

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从《台湾现代陶瓷发展史》这本书中,我看到了台湾陶瓷艺术的“韧性”。它如何在时代变迁中,不屈不挠,顽强生长,最终绽放出绚丽的光彩。 书中对不同时期所面临的挑战,进行了详尽的描述。无论是经济萧条带来的市场萎缩,还是社会动荡带来的创作困境,抑或是外来文化冲击带来的身份认同危机,艺术家们都以惊人的毅力克服了。我特别喜欢书中对一些小型工作室和艺术家社群的介绍,他们虽然没有显赫的背景,但却默默耕耘,为台湾现代陶瓷的发展贡献着自己的力量。这种“星星之火,可以燎原”的精神,让我看到了台湾现代陶瓷艺术背后,那股强大的生命力。这本书,让我看到了台湾陶瓷艺术的“韧性”,在于它在逆境中生长的力量,在于它不断寻找出路的智慧。

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