Return to Painting

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出版者:Harper Perennial
作者:Gao Xingjian
出品人:
页数:192
译者:
出版时间:2002-09-01
价格:USD 29.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780060513542
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 艺术史
  • 现代艺术
  • 绘画技巧
  • 艺术评论
  • 艺术理论
  • 创作灵感
  • 艺术风格
  • 视觉艺术
  • 艺术教育
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具体描述

Gao Xingjian's introduction to his sumptuous collection of watercolour art is a strongly worded manifesto, a rallying cry for a return to the art of painting.</P>

The art world needs, he claims, to rediscover the simplicity, beauty and clarity of the brushstroke. Focusing on 'conceptual games' and ideology he envisages bringing about the death of art, closing down the limitless possibilities of expression that painting reveals. His manifesto targets those artists whose high concept 'art' brings them infamy but does not produce inspirational art to be enjoyed by all.</P>

It is a persuasive argument on its own terms but set alongside his simple but timeless and completely stunning, classic watercolours, the effect is intensified. Intricate in their detail, haunting in tone, universal in scope, Gao's paintings alone are justification for why we need to look again at the power of a painting and reject the trends obsessing the contemporary art world.</P>

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艺术的边界与重塑:一部关于当代视觉文化转型的深度剖析 书名:视界之外:后媒介时代的图像革命与符号解构 作者:[虚构作者名] 出版社:[虚构出版社名] 页数:约 580 页 装帧:精装,附赠高清图版集 --- 内容概要 《视界之外:后媒介时代的图像革命与符号解构》并非一本探讨传统艺术复兴或回归某一既定范式的作品。相反,它是一部激进的、对当前视觉文化景观进行批判性梳理与前瞻性预言的学术专著。本书的核心议题围绕着“媒介的消亡与图像的永生”展开,探讨在数字技术、算法驱动和沉浸式体验全面渗透的当代社会,图像的生产、流通、感知与意义建构是如何被彻底颠覆的。 本书结构严谨,分为四个相互关联的主要部分,层层递进,旨在揭示我们身处的一个全新的视觉生态系统,一个色彩斑斓却又极度易碎的“后图像时代”。 --- 第一部分:祛魅的图景——从拟像到数据流(The Demystified Vista: From Simulacra to Data Streams) 本部分深入剖析了自后现代主义晚期以来,图像的本体论地位如何被削弱,直至在数字洪流中彻底消解为信息碎片。作者首先回顾了鲍德里亚关于拟像理论在虚拟现实和元宇宙初生阶段的适用性,指出今天的“超真实”已超越了对真实原型的模仿,而是进入了“无原型”的纯粹数据反馈循环。 关键章节包括: 1. 像素的幽灵:屏幕作为新的实在界边界。 探讨了OLED、MicroLED等显示技术如何通过对光的极致控制,构建出比传统油画更具“在场感”的虚拟景观,以及这种在场感如何导致了观众主体性的异化。 2. 算法策展的审美陷阱。 深入研究了推荐系统、内容过滤机制如何塑造了我们对“美”的集体认知。图像不再是创作者意图的表达,而是被优化以最大化用户粘性的工具。我们所见的,是算法偏好而非艺术选择。 3. 纹理的终结与光滑的暴政。 对比了物质媒介(如画布的肌理、颜料的厚度)所承载的“时间性”与数字图像的完美光滑性。这种光滑性抹去了历史的痕迹,使得所有图像都以同等的、即时的、可复制的状态存在,消除了对“原作”的渴求。 --- 第二部分:具身性与非物质化——身体在场的新困境(Embodiment and Dematerialization: New Predicaments of Corporeal Presence) 本部分将研究焦点从图像本身转移到观看者与被观看之物之间的关系变化。作者挑战了传统美学中关于“身体观看”的先决条件,考察了当我们通过可穿戴设备、脑机接口(BMI)或深度沉浸式环境进行视觉体验时,身体的“在场”是如何被重新定义和重塑的。 关键章节包括: 1. 感官的混合与迁移:超越视觉的体验设计。 分析了如触觉反馈技术(Haptics)、空间音频等如何与视觉信息交织,创造出“多感官全息体”。这不再是关于观看一张画,而是关于“进入”一个可感知的场域。 2. 数字肖像的非生物学永生。 探讨了AI驱动的数字替身(Digital Avatars)和深度伪造技术(Deepfakes)如何提供了一种不受肉体衰亡限制的个人表征,这如何影响了我们对身份、记忆和死亡的传统理解。 3. 延展现实(XR)中的尺度与透视失真。 对比了透视法在文艺复兴中对人类中心主义的巩固作用,以及XR技术中非欧几里得几何和动态视角如何彻底瓦解了观看的固定点,使观众成为运动中的、暂时的视觉节点。 --- 第三部分:符号的流亡——意义的碎片化与重组(The Exile of the Sign: Fragmentation and Recombination of Meaning) 《视界之外》认为,在后媒介时代,传统意义的稳定性已不复存在。图像不再承载单一、固定的文化信息,而是成为了一个开放的、不断被用户和系统重组的符号集合。 关键章节包括: 1. 模因(Meme)的结构主义解剖:瞬间的语言学。 将模因视为当代最纯粹的视觉语言形式。它以极高的迭代速度和极低的符号密度,揭示了信息如何在去中心化的网络中实现快速的意义聚合与扩散,以及其背后隐藏的社会焦虑。 2. “图像的盗窃”与再语境化:版权在云端的解体。 审视了艺术品、历史影像在互联网上的自由流动如何挑战了知识产权的传统框架。图像的价值不再来源于其稀缺性,而来源于其被重新放置到新语境中的“激活能力”。 3. 后数字美学中的“不完整性”的崇拜。 探讨了Glitch Art、低保真(Lo-Fi)美学等现象,这些恰恰是对数字完美的抵抗。这种对瑕疵的刻意强调,是艺术家试图在数据流中重新找回“手工性”或“抵抗精神”的徒劳尝试。 --- 第四部分:未来的残响——新艺术的形态与伦理困境(Echoes of the Future: New Artistic Forms and Ethical Dilemmas) 在本书的收官部分,作者转向了对未来艺术实践的预测和对其伴随而来的伦理挑战的深刻反思。这不是一份技术手册,而是一份对我们如何继续“看见”并“创造”的哲学指南。 关键章节包括: 1. 生成式艺术:创作者与机器的共生关系。 深入分析了扩散模型(Diffusion Models)等前沿技术如何模糊了“灵感”与“计算”的界限。机器不再是工具,而是共同的作者。这要求我们重新定义艺术的“原创性”和“意图”。 2. 不可见艺术的兴起:数据空间中的雕塑。 想象那些只能通过复杂数据处理或特定算法才能被“感知”的艺术形式,这些艺术品存在于网络架构、加密协议或能源消耗模式中,挑战了人类中心化的感知系统。 3. 视觉伦理的紧迫性:对感知殖民的反思。 警告我们,当我们沉浸在算法构建的美丽幻象中时,我们正在无意识地接受一种新的“感知殖民”。艺术的最终责任,在于揭示这些美丽背后的权力结构和数据剥削。 --- 读者对象 本书面向所有对当代视觉文化、数字美学、媒体理论、艺术史批判以及人机交互前沿有深入兴趣的学者、艺术家、策展人、设计师,以及对我们所处“被观看”的世界感到不安的普通读者。 《视界之外》提供了一套批判性的工具箱,帮助读者穿透华丽的屏幕,审视我们这个被图像重塑的、充满悖论的时代。

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读后感

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用户评价

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说实话,我原本以为这会是一本比较沉闷的艺术评论集,但《Return to Painting》的叙事节奏把握得极好,读起来完全没有预想中的枯燥。作者似乎深谙如何设置悬念,他总能在看似平静的理论陈述中,突然抛出一个令人耳目一新的观点,将读者从沉思中猛然惊醒。尤其是在讨论“媒介的物质性”时,他那种近乎诗意的语言,描绘了颜料在画布上干燥、固化、老化的过程,仿佛在讲述一个缓慢而永恒的生命周期。这种充满生命力的文字,让原本冰冷的艺术理论焕发出温暖的人文光辉。这本书不仅是一本关于绘画的书,更像是一本关于如何观察、如何感知世界的指南。我强烈推荐给那些需要从日常琐碎中抽离出来,重新校准自己感官焦点的读者。

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坦白说,初读这本书时,我有些被它严谨的学术腔调所震慑。它仿佛一本精心编纂的学术论文集,充满了对文艺复兴早期材料科学与颜料配方的考据,以及对不同地域画派之间微妙影响的梳理。我得承认,某些关于光线折射和媒材稳定性的章节,我需要停下来,甚至查阅一些辅助资料才能勉强跟上作者的思路。然而,一旦适应了这种高密度的信息输入,我便开始领略到其中蕴含的巨大价值。它强迫读者跳出“好看”的肤浅评价,转而关注艺术创作背后的科学、历史和社会结构。特别是关于后印象派如何对传统透视法进行“反叛”的论述,作者的处理角度极其新颖,让人拍案叫绝。这本书的阅读体验是“费力的,但回报丰厚的”,更像是一场智力上的马拉松,而不是轻松的散步。

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我向所有对“创作的困境”感到迷茫的人推荐这本书,尽管它的名字听起来像是只谈论技法的书。但实际上,它对艺术家心理状态的刻画入木三分。书里穿插了许多艺术家的书信节选和日记片段,这些零碎的文字,将那些被神化的天才形象拉回了凡人的维度——他们也焦虑、也自我怀疑、也在深夜里与画布进行痛苦的搏斗。这种对创作过程的坦诚暴露,极大地抚慰了我在自己创作中遇到的挫折感。它没有提供万能药,却提供了一种“正常化”的视角:没错,痛苦是创作的一部分。这种情感上的共鸣,比任何关于黄金分割的讲解都来得更直接、更有力量。它让我意识到,回归绘画的本质,就是回归一种诚实的自我对话。

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这本书的排版和视觉呈现是我个人认为最出彩的地方之一。每一页的设计都体现了一种克制而高级的美学,大量的留白处理,让那些高分辨率的画作插图得以充分呼吸,没有被信息流过度挤压。作者在引用经典作品时,经常会并置不同年代、不同风格的作品进行对比分析,这种并置不是随意为之,而是经过深思熟虑的,往往能瞬间揭示出一种隐藏的脉络或断裂。例如,他将一幅早期弗拉芒油画的细节与某位当代抽象表现主义作品的笔触放在一起比较,其间的对话性简直是精彩绝伦。它让我重新审视了“模仿”与“创新”之间的界限,体会到艺术史并非一条直线,而是一个不断循环、相互致敬又互相颠覆的复杂网络。

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这本名为《Return to Painting》的书,从我翻开扉页的那一刻起,就给我一种沉静而有力的感觉。作者的笔触仿佛带着一种穿越时空的魔力,将读者瞬间拉入了一个充满古典韵味与现代思辨交织的艺术世界。我尤其欣赏它对色彩运用哲学的探讨,那种深入骨髓的剖析,让我这个并非科班出身的艺术爱好者,也能窥见画家在调色盘前那种近乎宗教般的虔诚与探索欲。书中的案例分析极为详尽,每一个大师的技法都被拆解得淋漓尽致,不仅仅是“如何画”,更多的是“为何如此画”,这种深层次的追问,极大地拓宽了我对“美”的理解边界。读完之后,我感觉自己不再仅仅是欣赏一幅画的表象,而是能够感受到画布背后那股涌动的创作激情与时代精神。它不是一本简单的技巧指南,更像是一部艺术史的微观切片,值得反复咀嚼和品味。

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