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出版者:人民美术出版社

作者:白雪石

出品人:

页数:270

译者:

出版时间:1992-09

价格:14.0

装帧:简装本

isbn号码:9787102010878

丛书系列:

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翰墨丹青映山河：中国近现代水墨艺术探索 一部全面梳理中国近现代以来水墨艺术发展脉络，深入剖析地域流派、风格演变与大师心路历程的恢弘画册。 本书并非单一画家的作品集，而是一部旨在为读者构建完整认知体系的艺术史诗。它聚焦于自清末民初至今，中国水墨艺术在西方思潮冲击与本土文化坚守之间寻找新生的关键百年。通过精选的数百件代表性作品、详尽的时代背景分析和艺术家的深度访谈记录，我们试图还原一个波澜壮阔的艺术变革图景。 第一部分：觉醒与转折——南北分野的初期探索（约1900-1949） 本部分深入探讨了中国传统绘画在现代化浪潮面前的初步挣扎与转型。重点关注了“金陵画派”的守正创新，如高剑父、陈树人所倡导的折衷主义，他们在岭南地区率先引入西方写实素描技法，试图为传统笔墨注入新的生命力。 同时，本书详细比较了京津画派的坚守与海派的革新。京津地区，以齐白石、张大千早年风格为代表，他们一方面继承了徐渭、八大山人的写意精神，另一方面也在题材和笔法上寻求突破，使民间审美趣味与文人画旨趣得以新的结合。张大千的早期山水，如何受到敦煌壁画的启发，为其后期的泼墨泼彩技法埋下伏笔，在此有详尽的图例分析。 尤其值得一提的是，我们开辟专章探讨了早期教育体制的变革。从京师大学堂的艺术科设立，到留学归国艺术家如何将学院派素描训练与传统国画教育进行融合，这种“中西融合”的早期实践，为后续的艺术发展奠定了方法论基础。例如，对徐悲鸿先生的“写实主义”与“写意精神”的辩证关系进行了深入剖析，他如何以“素描为骨”重塑传统人物画的形体结构，而非简单地嫁接西画技巧。 第二部分：理想与熔铸——新中国成立后的时代主题（约1949-1978） 这一时期是中国水墨画题材与功能发生根本性转变的阶段。本书精选了大量描绘劳动者、祖国河山、建设成就的宏大叙事作品。重点展示了“山水画的改造工程”。 专题研究一：长安画派的地域性表达。 石鲁、黄胄等人如何将西北的粗犷地貌、高原的生命力融入水墨，形成了既有强烈地域色彩，又不失传统笔墨气韵的独特风格。他们的作品不再局限于传统文人寄情山水的层面，而是成为反映时代精神和人民面貌的有力载体。例如，对石鲁《迟来的雨》中焦墨的运用，以及黄胄对新疆人物动态瞬间捕捉的技法进行了细致入微的线条分析。 专题研究二：人物画的“革命”与创新。 探讨了以蒋兆和、李斛为代表的画家，如何通过对传统白描和没骨画法的革新，成功塑造出具有时代精神的工农形象。他们如何处理光影、透视等西方元素，使其服务于中国水墨的平面化审美取向，是本部分分析的重点。 第三部分：多元与回归——改革开放后的探索与拓展（约1978至今） 随着思想的解放和对外交流的恢复，水墨艺术迎来了前所未有的多元化发展时期。本书将这一时期划分为“回归传统与实验并行”两大主线。 主线一：对传统文人画的深刻反思与回归。 随着对“文革”时期僵化创作模式的反思，一批画家重新深入研究宋元明清的经典范式。重点介绍了如何通过对“笔墨本体”的研究，重塑水墨的哲学内涵。例如，对当代水墨理论家们提出的“笔墨随时代”与“笔墨主体性”之争的梳理，展示了水墨艺术在理论层面的激烈交锋。 主线二：当代水墨的实验性开拓。 这一部分集中展示了艺术家如何突破宣纸和传统题材的界限，将水墨推向更广阔的当代艺术语境。包括： 1. 实验水墨： 探索非传统材料（如丙烯、油彩与水墨的结合）以及大型装置中的水墨语言运用。 2. 抽象水墨的兴起： 探讨中国艺术家如何在全球抽象艺术的浪潮中，构建具有东方意蕴的抽象符号系统，关注其在空间感和留白处理上的独特性。 3. 都市水墨的景观： 描绘现代化都市景观、高铁、霓虹灯等现代元素，探讨水墨如何介入当代生活，捕捉其高速运转下的疏离与秩序。 结语：水墨艺术的未来视野 本书最后以展望性的篇章收尾，探讨了数字化时代对水墨艺术传播和创作的影响，以及中国水墨在全球艺术版图中的独特价值与挑战。通过对百年历程的梳理，我们期望读者能清晰地看到，中国水墨并非一成不变的古董，而是一个充满活力、不断自我更新的有机生命体。它以其独特的“气韵生动”和“写意精神”，持续回应着时代最深刻的命题。 全书特色： 收录名家： 涵盖了从齐白石、张大千、徐悲鸿，到石鲁、黄胄、李可染、潘天寿等近现代重量级艺术家的核心作品。 深度剖析： 每幅作品均配有技术分析和历史背景解读，力求“知人论世”。 清晰脉络： 结构严谨，以时间线索串联起艺术思潮的演变，帮助读者建立宏观的认知框架。 本书是艺术院校师生、专业研究者，以及所有热爱中国传统文化和近现代艺术史的收藏家与爱好者不可或缺的深度参考资料。它不仅是一本画集，更是一部立体的中国近现代艺术思想发展史。

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我尤其欣赏这本选集中对“意境营造”的深度挖掘。很多作品的精彩之处，并不在于描绘了某一个具体的地貌特征，而在于它们成功地传达了一种难以言喻的氛围——或许是清晨薄雾笼罩下的空寂，或许是夕阳西下时的苍茫。画家似乎更热衷于捕捉“气韵生动”这一中国艺术的最高追求。通过对墨色水分的精确掌控，他让画面中的“气”真正地流动起来，让观者在观看时，不仅仅是用眼睛看，更是用心去“感受”那份磅礴或幽微的气场。这种对内在精神世界的捕捉和外化，是许多当代创作所欠缺的。这本画选无疑是一次对中国传统山水画精神内核的成功致敬和再现，它提醒着我们，艺术的力量，最终还是来源于对生命与自然的深刻理解与敬畏。

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这本画册的装帧设计着实令人眼前一亮，拿到手时，那种沉甸甸的质感，配合着封面那雅致的留白和简洁的字体排版，立刻就流露出了非同一般的艺术气息。内页的纸张选择也十分考究，那种微微泛着哑光的质地，完美地衬托出了原作的笔墨韵味和色彩层次。我特别留意了其中几幅大幅山水作品的印刷效果，墨色的浓淡干湿过渡得极为自然，即便是对原作笔触细节的还原，也达到了惊人的精度。翻阅的过程中，我能清晰地感受到那位画家对于线条的精妙控制，那种看似随性却又处处精准的“骨法用笔”，在高清的图像下被完整地保留了下来。尤其是那些描绘云雾缭绕、山石嶙峋的场景，仿佛能透过纸面感受到空气的流动和山体的厚重。这本书的编排似乎也经过了深思熟虑，不同时期的作品穿插展示，形成了一种视觉上的对话，让观者能循着艺术家的心路历程缓缓前行，而非仅仅是孤立地欣赏每一幅画作。这不仅仅是一本“画册”，更像是一部精心策划的视觉展览，每一个细节都透露出对艺术品的尊重与敬畏。

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这本书的体例编排非常具有启发性，它不像某些画集那样只是简单地罗列作品，而是似乎在尝试构建一种内在的逻辑线索。我发现，在几个连续的章节中，对特定题材——比如竹子或溪流——的处理方式，展现出了明显的演变。早期的一些作品可能更侧重于对传统笔墨的探索和学习，笔触相对内敛而严谨；而到了后期，则能明显感受到一种“自我语言”的彻底确立，那种挥洒自如、意到笔随的洒脱感，让人心驰神往。这种渐进式的展示，对于研究或学习中国画的人来说，无疑是一份宝贵的参考资料。它清晰地勾勒出一位大家是如何从“入古”到“出新”的艺术蜕变过程。我甚至能从一些看似随意的几笔中，读出画家内心世界的波动和对外在世界的独特感悟，这是一种超越了技法层面的精神交流。

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当我沉浸于这些作品之中时，最先被吸引的并非宏大的叙事，而是那些极其微小却又充满生命力的元素——那些小景的处理。比如一棵遒劲的古松，它虬曲的枝干，不是简单地勾勒出来，而是用苍劲的笔触刻画出岁月的痕迹，仿佛真的能嗅到松针的清香。再看那些点景的小人物，他们身形虽小，却在画面中起到了点睛之笔的作用，为静谧的山水增添了一份人间的烟火气和诗意。这些画作的魅力就在于“虚实相生”，画家似乎总能恰到好处地留白，让观者的想象力得以自由驰骋，去填补那些未被完全描绘的空间。这种“计白当黑”的东方美学理念，在这本选集中得到了淋漓尽致的体现。每看完一幅画，我都会不由自主地停下来，试着去理解画家在那个特定瞬间捕捉到的光影和情绪，那种感觉，远比在小屏幕上看要来得深刻和震撼。

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这本书的整体阅读体验，可以用“雅俗共赏，韵味悠长”来形容。它不像某些过于前卫或概念化的艺术书籍那样让人望而却步，反而有一种久违的亲切感。无论是资深的艺术评论家，还是仅仅是热爱传统文化的普通读者，都能从中找到属于自己的乐趣。对于后者而言，欣赏这些山水画，本身就是一种极佳的放松和精神滋养。在快节奏的都市生活中，能有这样一本画册，让我随时可以“遁入”到那片宁静的山林之中，感受那份超然物外的淡泊。书中所呈现的意境，是如此纯粹而高远，它教导我们以一种更平和、更具层次的眼光去看待周遭的环境，去发现那些平日里被我们忽略的美好。这对于提升个人的审美情趣和内心修养，都有着潜移默化的积极作用。

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