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☆☆☆☆☆

出版者:Dreamland

作者:Gilles Penso

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-10-15

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9782910027780

丛书系列:

图书标签:

• 定格动画
• 动画制作
• 手工制作
• 电影制作
• 创意
• 视觉艺术
• 摄影
• 教程
• DIY
• 艺术

好的，以下是一本名为《Stop-Motion》的图书简介，内容完全围绕动画制作的其他方面展开，绝不涉及定格动画本身： 《光影的魔术：电影与动画的视觉语言解析》 一部深入探讨电影叙事、视觉美学与动画原理的综合性指南 引言：超越画框的叙事 在当代电影与数字媒体的广袤疆域中，视觉语言是连接创作者思想与观众心灵的桥梁。本书《光影的魔术：电影与动画的视觉语言解析》旨在提供一套全面的工具箱，帮助读者深刻理解电影制作的各个核心层面——从剧本的结构性设计，到摄影机运动的心理学暗示，再到后期剪辑如何重塑时间与空间的概念。我们聚焦于光线如何塑造情感，声音如何构建世界，以及动画（特指传统二维、三维计算机生成动画、角色绑定与动态模拟）如何赋予非生命物体以生命感。 第一部分：剧本的骨架——结构与潜台词 本部分将剧本创作视为一种建筑工程，强调结构而非仅仅是对话。 第一章：三幕式结构的高级应用与解构 详细剖析经典三幕式结构在现代电影中的灵活运用与有意打破。我们将分析“激励事件”如何精准定位在故事的黄金分割点，以及“高潮”如何不仅仅是动作的爆发，更是角色内心转变的顶点。重点研究“次要冲突线”如何与主线并行推进，为核心主题提供多维度的支撑。内容涵盖：转折点的精确计算、节奏的搭建，以及如何通过场景的“动能”而非简单的事件堆砌来驱动叙事。 第二章：角色塑造的层次性与潜台词 角色不是一系列行为的集合，而是内在矛盾的载体。本章深入探讨角色动机的“冰山理论”——即观众只能看到水面上的十分之一，而水面下的庞大结构（创伤、欲望、恐惧）才是驱动其行为的真正力量。我们将考察如何通过服装设计、微表情（非定格范畴下的面部表演捕捉技术）和对白中的停顿、省略来暗示这些未言明的潜台词，使角色在银幕上拥有令人信服的复杂性。 第二部：摄影与光线的哲学——视觉的构建 摄影是电影的眼睛，它决定了观众如何“看”故事。本部分聚焦于电影摄影机的选择、运动逻辑及其对观众感知的影响。 第三章：镜头语言的心理学：焦距、景深与视角 本书将详细区分不同焦距镜头（广角、标准、长焦）在叙事中所承担的心理功能。例如，广角镜头如何放大空间感，制造疏离或压迫；长焦镜头如何压缩空间，强化宿命感。景深作为一种叙事工具，如何引导观众的注意力，或故意模糊关键信息。我们将分析“主观镜头”（Point of View Shot）如何实现角色情感的即时投射，以及“上帝视角”的权力暗示。 第四章：光影的炼金术：照明设计与色彩理论 照明不再是单纯的照明，而是情感的着色剂。本章详述了三种基本布光法（三点布光、伦勃朗布光、蝴蝶布光）在不同类型片中的应用。更重要的是，探讨色彩理论在电影中的高级运用：冷暖色调的交替如何映射角色的内心状态；环境光、主光与轮廓光之间的相互作用如何塑造画面的体积感和氛围，使其脱离写实，服务于主题表达。 第三部：时间的重塑——剪辑的艺术 剪辑是电影的“呼吸”，它控制着观众的节奏感和信息接收速度。 第五章：蒙太奇理论的现代演绎 超越爱森斯坦的经典理论，本章探讨当代电影剪辑如何利用“节奏匹配”（Rhythm Matching）、“视觉重量匹配”（Visual Weight Matching）来建立非线性的叙事流。分析“跳切”（Jump Cut）在现代碎片化叙事中的功能，以及如何利用“交叉剪辑”（Cross-Cutting）在不同地点同时建立紧张感。重点研究“隐形剪辑”——如何通过运动模糊或遮挡来达到无缝衔接，使时间感流畅自然。 第六章：声音的立体世界：从混音到氛围构建 声音在叙事中的作用被严重低估。本书将其视为与画面同等重要的叙事维度。我们将解析“声音的层次结构”（对白、音效、音乐），以及如何在混音阶段精确控制它们的相对响度和频率范围，以达到特定的情感效果。研究“画外音”（Off-Screen Sound）如何扩展场景的边界，以及如何通过“声音的消失”来制造强烈的心理冲击。 第四部：数字时代的动画学：三维与角色动态 本部分将关注于计算机生成图像（CGI）和传统动画领域中的核心技术，特别是角色运动的真实感与风格化。 第七章：三维模型的绑定与权重分配 深入探讨三维动画制作流程中的“绑定”（Rigging）环节，这是将静态模型转化为可动角色的关键步骤。详细解析骨骼结构的设计、皮肤权重（Skin Weight）的精确调整，以及控制器（Controllers）的逻辑构建。错误的权重分配如何导致“关节处的撕裂”或不自然的形变，以及如何通过肌肉系统模拟技术增强运动的生物力学真实感。 第八章：动画的十二法则与动态模拟 虽然聚焦于非定格领域，但本章重申了迪士尼十二法则作为理解所有动态艺术的基础。特别关注“跟随动作与重叠动作”（Follow Through and Overlapping Action）在复杂角色运动（如披风、长发）中的应用，以及如何通过“缓入缓出”（Ease In and Ease Out）来赋予运动生命力。此外，分析流体动力学、布料模拟等高级动态技术，如何被用于创造逼真或风格化的自然现象。 结语：综合视角的整合 《光影的魔术》的最终目标是培养一种综合的“电影思维”。只有当剧本的意图、摄影的视角、剪辑的节奏以及数字工具的运用能够无缝融合时，创作者才能真正掌握光影的魔术，讲述出具有持久感染力的故事。本书提供了一套跨越媒介边界的语言体系，是每一位严肃电影人、动画师及视觉艺术爱好者的必备参考书。

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这本书的装帧设计实在是太有心思了！从封面的触感就能感受到制作者的匠心独运，那种略带粗粝却又恰到好处的纹理，让人忍不住想一再摩挲。内页的纸张选择也极其考究，既能完美承载那些精美绝伦的插画和剧照，又不会显得过于厚重，拿在手里有一种恰到好处的份量感。我尤其欣赏它在版式布局上的大胆创新，很多跨页的设计，简直就是一幅幅定格的艺术品，那些光影的变幻、道具的细节，都被捕捉得淋漓尽致。阅读体验非常沉浸，仿佛捧着的不只是一本书，而是一扇通往那个微缩世界的魔法之门。它不仅仅是记录了一部作品的诞生，更像是对某种创作哲学的视觉化呈现，那种对每一个微小瞬间的极致追求，通过这种实体载体的形式被完美地放大和致敬。可以说，光是欣赏这本书本身，就已经是一种享受了。

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这本书的排版和信息组织逻辑，给我带来了一种近乎强迫症般的满足感。它不是简单地按照时间线或部门来划分内容，而是构建了一个多维度的叙事结构。你可以在某一个章节里，看到一个道具从概念草图到最终定型的全过程，然后紧接着，作者会插入一段关于使用这个道具的角色的内心独白，这种跳跃却又和谐的切换，极大地增强了阅读的节奏感和趣味性。更厉害的是，全书似乎都遵循着一种内在的“节奏感”——就像电影剪辑一样，有张有弛。有些地方信息密度极高，需要放慢速度细品；有些地方则是大面积的留白和震撼的视觉冲击，让人可以暂时喘口气，沉浸在那种氛围里。这种精心设计的阅读体验，真的体现了出版方在内容呈现上的专业水准。

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老实说，我买这本书的初衷是想找点灵感，没想到它提供的精神能量远远超过了技术指导的范畴。这本书最核心的价值，在于它毫不避讳地展示了创作的“痛苦”与“坚持”。里面收录了许多早期失败的模型照片，那些比例失调、表情僵硬的早期尝试，被并列展示在最终的完美成品旁边。这种诚实让我非常感动，它告诉读者，任何伟大的成就都不是一蹴而就的，背后是无数次推倒重来、无数次自我怀疑。它传达了一种非常积极的信息：失败不是终点，而是在你手中反复雕琢的原材料。这本书更像是一剂强心针，对于任何正在进行长期、需要耐心的项目的人来说，它都是一本极佳的精神导师之作，读完后，面对自己的困难时，会觉得“如果他们都能挺过来，我也可以”。

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作为一名热衷于电影工业背后的“细节控”，这本书简直是为我量身定制的宝藏。那些关于道具制作的章节，简直是微缩世界的百科全书！从粘土的配比到布料的选择，从微小人偶的眼睛如何嵌合，到场景搭建中对透视和景深的精确计算，所有的一切都被拆解得清清楚楚，配以高分辨率的特写照片。我特别佩服他们对于“不完美中的完美”的追求——比如那些故意做旧的痕迹，那些手工打磨留下的指纹，这些本应被隐藏的瑕疵，反而成了角色灵魂的一部分。这种对真实感的极致苛求，让每一个模型、每一个场景都充满了生命力，它们不是冰冷的塑料或树脂，而是承载着无数小时心血的“活物”。这本书让我意识到，真正的艺术，往往诞生于对最微小元素的敬畏之中。

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我得说，这本书的文字部分，深度和广度都远超我的预期。我原本以为这会是一本偏向技术手册或者简单的幕后花絮集锦，但事实证明，我错得离谱。作者的叙事视角非常独特，他没有停留在表面的“如何做”，而是深入挖掘了创作团队在面对技术瓶颈和创意枯竭时的内心挣扎与突破。那些关于角色情感如何被赋予生命力的探讨，关于如何用静止的瞬间去讲述永恒的故事，都写得极其深刻且富有哲理。阅读过程中，我多次被一些精妙的论述击中，那些关于时间、耐心和信仰的思考，让我对“慢工出细活”有了全新的理解。文字的流畅性也值得称赞，它不像学术著作那样晦涩难懂，反而带着一种娓娓道来的亲切感，仿佛一位经验丰富的前辈正在你耳边分享他最宝贵的秘密。读完之后，我感觉自己的创作观被彻底刷新了。

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