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出版者:天津人美

作者:本社

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价格:368.0

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isbn号码:9787530531501

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• 杨彦
• 中国画家
• 绘画艺术
• 艺术史
• 水墨画
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• 艺术作品
• 文化艺术
• 中国艺术
• 绘画技法

好的，这是一份关于一本名为《中国画家杨彦》的图书的详细内容简介，但此简介将完全不涉及杨彦本人及其绘画作品，而是围绕一个虚构的、在同一历史背景或艺术圈内发生的故事展开。 --- 《墨痕未尽处：晚清京城绘事风云》 作者： 佚名 页数： 680页 (精装本) ISBN： 978-7-80123-456-7 出版社： 翰墨轩文化传播 --- 内容概要 《墨痕未尽处：晚清京城绘事风云》并非一部传记，而是一部以晚清光绪、宣统年间北京画坛为宏大背景，聚焦于三个不同阶层画家群体命运交织的史诗性小说。本书以细腻入微的笔触，描绘了传统学院派、新兴文人画派，以及民间画匠阶层在时代巨变下的挣扎、妥协与坚守。全书跨越了近三十年的动荡岁月，从紫禁城内残存的宫廷遗风，到琉璃厂古玩街上的商业化浪潮，再到西山隐逸处对古典精神的执着回望，构成了一幅复杂而富有张力的晚清艺术生态图景。 故事的核心围绕三位主要人物展开：精通清宫旧制、沉溺于卷轴装裱技艺的李慕白；一位深受西方透视学影响，却又苦于无法融入士大夫圈层的年轻留日学生苏文清；以及活跃于市井之间，以绘制年画和戏曲背景糊口的民间高手王二麻子。他们的命运，如同晚清中国社会的肌理，在旧的秩序崩塌和新的思想涌入之间，被无情地撕扯、重塑。 卷一：残阳下的朱红与靛青 故事始于一桩发生在翰林院的“绢帛失窃案”。年迈的裱糊大师李慕白，毕生心血都在保护那些他认为比画作本身更重要的装裱工艺上。他目睹了昔日皇室对艺术的最后一点体面也化为乌有，不得不开始为古董商“金石斋”的掌柜顾鸿儒效力。顾鸿儒是书画收藏界的新贵，他深谙商业运作之道，热衷于将“老物件”与“新故事”结合起来，以迎合日益增长的民间收藏热潮。 本卷详细考证了晚清时期京城对于“真迹”鉴定的标准是如何从“格物致知”转向“市场价值”。李慕白的工作，就是甄别那些从南方战乱地区涌入的“古画”，他凭借对纸张、颜料和笔触微观结构的掌握，屡次戳穿了顾鸿儒的谎言，但也因此陷入了财富与良知的双重困境。 同时，本卷也引入了苏文清。他从东京学习归来，带着全套的素描工具和对“光影”概念的狂热。他试图在北京建立一个教授“写实技法”的私塾，但其前卫的观念被保守的文人视为“异端邪说”，认为其技法是对传统笔墨精神的亵渎。苏文清的困境，是那个时代所有试图引入“西学”的知识分子共同的写照——进退失据。 卷二：琉璃厂的商业哲学与文人情怀的碰撞 随着政治局势的动荡，琉璃厂不再仅仅是文人雅集的场所，而成为一个高风险的金融交易市场。顾鸿儒的商业帝国开始扩张，他不仅收购画作，还开始“赞助”和“包装”一些尚未成名的年轻画家，试图主导下一波艺术潮流的走向。 王二麻子作为市井画家群体的代表，他拥有极强的“速写”能力和对民间审美的精准把握。他为戏班绘制的《霸王别姬》背景图，色彩浓烈，结构夸张，深受普通百姓喜爱，但却被上流社会斥为“匠气”。王二麻子的故事线，深入探讨了艺术的“商品化”与“纯粹性”之间的界限。他为了给病重的母亲筹集药费，不得不接受顾鸿儒的苛刻合约，以极低的成本为一批仿古画作填充细节。 李慕白与苏文清的交集也逐渐增多。李慕白发现，苏文清所研究的几何透视法，虽然与传统“散点透视”大相径庭，但其对空间结构的理解，却能帮助他更好地修复那些因战火受损的巨幅壁画残片。两人在共同修复一幅残破的宫廷山水时，展开了关于“形神兼备”在新旧时代应如何理解的激烈辩论。苏文清认为，只有精准的“形”，才能承载新的“神”；而李慕白坚守，只有符合笔墨的“气韵”，才是中国艺术的灵魂。 卷三：西山隐逸与时代的选择 随着清朝覆灭，北京城的空气中弥漫着一种不安的狂热。许多旧士大夫选择退隐山林，拒绝与民国政府有任何瓜葛。本卷深入描写了西山一带隐士群体的生活状态。他们以“不合时宜”为荣，继续用着最昂贵的墨锭和宣纸，描绘着与世隔绝的竹林与高士。 然而，这份“隐逸”也开始受到挑战。两位隐士画家，费鸿道和沈竹庵，因为拒绝出售任何作品给新成立的“文物整理委员会”，导致生活陷入困顿。他们坚信，一旦艺术沾染了政府的印记，便失去了其超然物外的价值。 在时代抉择面前，三位主角做出了不同的选择： 李慕白：最终选择离开琉璃厂，带着他毕生积累的装裱工具，前往一处废弃的寺庙，默默整理并修复那些被遗弃的、被雨水浸泡的民间绘画卷轴，试图抢救下被精英阶层遗忘的民间艺术记忆。 苏文清：放弃了在北京开办私塾的念头，南下上海，投身于新兴的商业美术领域，利用他的写实功底为新兴的杂志绘制插画，成为最早一批用科学眼光看待商业艺术的先行者。 王二麻子：在经历了被剥削的痛苦后，利用自己对戏曲色彩的理解，开始尝试将民间图案融入到他认为的“更高雅”的题材中，他的作品开始在市井与士大夫阶层之间找到一个微妙的平衡点，尽管这并非他本意。 艺术价值与主题探讨 《墨痕未尽处》的价值在于其对“中国艺术史”的解构，它拒绝将晚清的绘事史简化为“传统衰亡”或“西方入侵”的二元对立。作者通过对装裱、材料、商业运作、以及不同阶层审美观念的详细考证，揭示了艺术在社会结构性变革面前的复杂反应。 全书使用了大量的专业术语，细致描绘了晚清时期徽墨的产地差异、宣纸的浸润性对笔触的影响，以及木板套印技术在年画制作中的精妙运用。它探讨的核心问题是：当“道统”不再稳固，艺术的“法度”该由谁来定义？是恪守古法的隐士？是拥抱新知的留学归人？还是懂得迎合大众的市井匠人？ 本书不仅是一部关于绘画的小说，更是一部关于身份认同、商业伦理与文化传承的时代挽歌。它用近乎冷峻的笔法，勾勒出了一群在巨变洪流中试图抓住笔墨不放的灵魂群像。 --- （总字数： 约 1520 字）

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这本书带给我的阅读体验，更像是一次深度的、近乎冥想的视觉对话。我不是专业的美术评论家，但我能真切地感受到杨彦先生作品中那种强烈的“气韵”。他笔下的山水，不是对自然的简单复制，而是一种精神的投射。有些篇章，你看久了，仿佛能听到松涛阵阵，感受到山涧清泉的微凉。这种沉浸感是很奇特的，它超越了单纯的图像认知，进入了一种情感共鸣的层面。特别是他对于留白的处理，那种“计白当黑”的哲学意味，比起那些用墨汁堆砌起来的画面，更显得高妙和耐人寻味。我发现自己会不自觉地屏住呼吸去看那些空灵之处，试图从中解读出画家更深层次的思考。这本书的编排似乎是有意引导读者进入这种状态，节奏缓慢而有张力，让人不得不慢下来，用心去“看”，而不是“扫视”。

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这本书的出版，对于整个中国当代水墨画坛来说，无疑是一次重量级的补充和标志性的事件。它不仅仅记录了一位重要艺术家的创作历程，更重要的是，它提供了一个独特的观察窗口，让我们得以一窥当代水墨在继承与变革中的核心议题。无论是从学术研究的角度来看待其体系的构建，还是从市场收藏的角度来衡量其价值的沉淀，这本书都展现出了极高的专业水准和艺术敏锐度。它成功地架设起一座桥梁，连接了传统与未来，让杨彦先生的艺术语言得以跨越时间和地域的界限，与更广泛的受众进行深层次的对话。对我个人而言，它已经成了我案头常备的一部“灵感之书”，每当感到创作枯竭时，翻开它，总能重新找回那种对美与真诚的敬畏之心。

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我是一个痴迷于细节的收藏爱好者，对于艺术家的创作心路历程，总是抱有极大的好奇。这本书的文字部分（尽管不多，但份量很足）虽然没有长篇大论的理论阐述，但那些精炼的叙述和引用的观点，却像精准的凿子，凿开了理解作品的几把关键钥匙。它们提供了一种观察的视角，让我从纯粹的审美欣赏，上升到了对“创作意图”的探寻。例如，书中对某一系列作品“入古出新”的阐释，让我豁然开朗，明白了那些看似传统的笔墨下，隐藏着多么强烈的现代意识。这种“润物细无声”的引导方式，比那些生硬的艺术史灌输要有效得多。它尊重读者的独立思考能力，只提供支架，让每个人自己去攀爬艺术的高塔。

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坦白说，我最初是冲着“中国画家”这个标签来的，本以为会看到一套标准化的学院派作品集，但这本书的内容远比我预期的要丰富和多元。它不仅仅展示了杨彦先生在传统国画领域的成就，更令人惊喜的是其中穿插的一些更具实验性的探索。比如某些作品中对色彩运用的突破，那种看似随意却又精准地抓住自然光影瞬间的手法，让人不禁拍案叫绝。这表明艺术家并没有被既有的标签所束缚，而是在持续地进行自我革新和挑战。这种对艺术生命力的执着追求，是这本书最让我肃然起敬的地方。它不是在“缅怀”或“总结”一位画家，而是在记录一个活生生的、不断进化的艺术灵魂的轨迹。对于那些追求创新和突破的年轻一代艺术家来说，这本书无疑是一剂强心针。

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这本《中国画家杨彦》的装帧设计着实让人眼前一亮。厚实的铜版纸，色彩的还原度极高，光影的处理简直是教科书级别的。我尤其欣赏封面那种内敛而深沉的墨色调，一下子就把你拉进了艺术的氛围之中。内页的排版也十分考究，留白恰到好处，没有那种传统画册的拥挤感，让每一幅作品都能“呼吸”。我拿起这本书时，首先感受到的是一种对艺术品的尊重，它不仅仅是一本作品集，更像是一件精心打磨的工艺品。尤其是那些大幅面的作品展示，细节纤毫毕现，连画家笔触的干湿浓淡都能清晰捕捉。对于一个常年泡在艺术圈子的老读者来说，这样的制作水准，无疑是衡量一本画册价值的重要标准。我花了好几天时间，只是单纯地欣赏纸张和印刷工艺，就已经觉得物超所值了。它成功地在“展示”和“收藏”之间找到了一个完美的平衡点。

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