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出版者:湖南人民出版社

作者:李刚.刘超

出品人:

页数:121

译者:

出版时间:2007-10

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787543849846

丛书系列:

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《百年织影：现代服饰的流变与创新》 本书并非追溯工业革命以来物质文化的宏大叙事，也不是对某种哲学思潮或社会运动的学术剖析。它聚焦于一处更为贴近日常的领域：现代服饰的百年演变，从19世纪末的紧身束缚到21世纪初的自由解构，细致梳理了不同时代背景下，服装如何成为个体表达、社会符号与文化印记的载体。 本书的第一部分，“变革的黎明：从维多利亚到新艺术”，将读者带回那个正在告别传统，拥抱新生的时代。我们会探讨，当工业化进程加速，机器生产开始颠覆手工艺的地位，服装的制作方式和大众可及性发生了怎样微妙的变化。从维多利亚时代繁复的裙撑、高耸的领子，到新艺术运动中对自然曲线的迷恋，以及对身体束缚的初步挑战，如“自由束胸”的萌芽，我们将看到设计师们如何在既有的社会规范与对新美学的探索之间小心翼翼地行走。巴黎的裁剪大师、伦敦的艺术工坊，以及新兴的布料工业，共同编织了这一时期的服饰图景。这里没有对“风格”的简单罗列，而是深入探究那些隐藏在华丽布料与精致剪裁背后的时代精神：对科学进步的憧憬、对古典主义的批判，以及新兴中产阶级对身份认同的渴望。 第二部分，“震荡与解放：第一次世界大战至二战前夕”，将是本书的重点之一。第一次世界大战的硝烟不仅改变了世界的格局，也深刻地影响了女性的社会角色和生活方式，进而催生了服饰的革命性变革。劳动力市场的变化，对方便、实用的服装需求日益增长，使得裤装开始出现在女性的衣橱中，裙摆也逐渐升高，廓形变得简洁利落。我们将在这一部分详细解读20年代的“flapper”文化，她们的短发、短裙，大胆的妆容，以及对爵士乐的热情，是如何通过服饰被直观地展现出来的。随后，30年代的经济大萧条虽然带来了经济上的阴影，但却激发了更为内敛、优雅的风格，对高级定制的追求和好莱坞明星对时尚的影响，构成了这一时期独特的服饰景观。本书将不遗余力地描绘当时的时装杂志、电影银幕、以及街头巷尾的着装风貌，试图还原那个动荡年代里，人们如何用服装来应对挑战，表达自我。 第三部分，“战后复兴与多元碰撞：20世纪中叶的服饰潮流”，将目光投向二战后的世界。战后经济的复苏，带来了消费主义的抬头，设计师们在战时的简朴与压抑之后，开始大胆地释放创意。迪奥的“New Look”以其夸张的女性化廓形，重新定义了战后时尚的优雅，引发了全球性的模仿浪潮。然而，与此同时，青年文化开始崭露头角，摇滚乐的兴起，以及随之而来的反叛精神，催生了牛仔裤、T恤等更加休闲、个性的服饰。本书将细致地考察不同社会阶层、不同年龄群体在服饰选择上的差异，以及全球化趋势对各地传统服饰带来的影响与融合。从巴黎的沙龙到纽约的街头，从东方的丝绸到西方的合成纤维，我们将看到，服饰成为文化交流与身份构建的重要媒介。 第四部分，“解构与重塑：20世纪后半叶至今的服饰探索”，将聚焦于更加自由、多元的现代服饰语境。从60年代的迷你裙革命，到70年代的嬉皮士风格，再到80年代的强势女性主义着装，以及90年代的极简主义和街头时尚，服饰的边界不断被打破和重塑。本书将深入探讨设计师们如何运用新的材料、新的技术，以及对社会议题的关注，来创作具有颠覆性的作品。我们还将审视，随着互联网的普及和社交媒体的兴起，时尚的传播方式和接受方式发生了怎样的深刻变化，个人风格的定义变得更加模糊和包容。从高级定制的T台到快时尚的流水线，从设计师品牌到独立工作室，本书将力图展现当代服饰的丰富肌理与无限可能性。 《百年织影》并非一部枯燥的风格史，它更是一次关于人、关于社会、关于时代与服装之间千丝万缕联系的深入探索。在这里，每一件衣服都承载着一个故事，每一个剪裁都凝聚着一种态度，每一次潮流的变迁都折射着一个时代的呼吸。本书旨在带领读者，用一种全新的视角，去重新审视那些我们每天都在穿着的衣物，理解它们背后蕴含的丰富信息，以及它们如何在无声中讲述着我们的过去、现在与未来。

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这本书，简直是设计爱好者的福音，尤其是对于那些想深入了解二十世纪设计脉络的同仁们来说。我拿到手的时候，就被它厚实的质感和精美的排版吸引住了。首先，它在视觉呈现上就给人一种专业的、研究性的感觉。内容上，它没有泛泛而谈地介绍几个著名设计师的名字，而是非常系统地梳理了从包豪斯到后现代主义这一系列思潮的演变路径。作者对于不同设计运动之间的相互影响和冲突，剖析得非常到位，比如理性主义如何被功能主义所挑战，又如何在新的材料和技术变革中找到了新的表达方式。我尤其欣赏它对设计在不同文化背景下，尤其是在战后重建和全球化初期所扮演角色的论述，这使得我们看设计时，不再仅仅停留在“美观”或“风格”的层面，而是将其置于更宏大的社会经济语境中去理解。翻阅时，我时常会停下来，思考那些看似简单的家具、建筑线条背后蕴含的哲学思考。它更像是一本思想导论，而不是单纯的风格图册，对于构建我自己的设计理论框架，帮助极大。

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这本书的结构安排简直是鬼斧神工。它没有采用简单的时间线叙事，而是巧妙地将设计史中的几个关键转折点作为锚点，然后辐射性地展开各个流派的讨论。我最喜欢的是它如何处理不同媒介之间的关系，比如平面设计、工业设计和建筑设计是如何互相借力，共同塑造了“现代性”的体验。作者非常擅长在宏观叙事和微观案例之间进行流畅的切换，不会让人感到叙事疲劳。举个例子，在谈论某个特定的家具系列时，他会立刻将视角拉回到当时适用的生产技术限制，以及消费者群体的变化，这种多维度的分析方式，极大地丰富了我的理解。阅读过程中，我感觉自己就像是站在一个巨大的历史时钟前，看着齿轮如何一步步转动，推动着人们对“更好生活”的想象发生质变。它教会了我，设计史本质上就是一部关于人类如何定义自身与环境关系的历史。

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从装帧设计来看，这本书本身就是一件现代设计品的典范。纸张的触感、字体的选择、插图与文字的留白处理，都体现了作者对“形式追随功能”这一核心原则的深刻理解，但又在细节处展现了不流于平庸的艺术敏感度。内容方面，它最成功的地方在于，它不仅回顾了过去，更像是一面镜子，映照出我们当下所处的“后现代”或“数字时代”设计困境。书中对技术进步如何反噬设计初衷的讨论，读来尤其发人深省。它没有提供简单的答案，而是梳理了历史的教训，让我们得以清醒地面对今天我们在可持续性、技术伦理和用户中心设计上所面临的复杂抉择。这本书更像是一份需要反复研读的案头工具，每隔一段时间重读，都能从中汲取出新的见解，绝对是值得反复翻阅的重量级著作。

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说实话，这本书的深度让我有点猝不及防。我原本以为这只是一本能让我快速了解“现代”设计梗概的工具书，没想到它在对具体案例的解读上，达到了教科书级别的严谨。比如，它对20世纪初的工艺美术运动与工业设计之间的张力处理，那种细致入微的文献引用和对当时设计师内心挣扎的描摹，让人读起来非常过瘾。作者的笔触冷静而克制，但字里行间透露着对材料、结构和人类日常生活的深切关怀。我发现，许多我们今天习以为常的设计原则，在这本书里都有了清晰的源头追溯。它不是简单地罗列“什么是什么”，而是深入探究了“为什么会这样”。读完关于国际主义风格的那几个章节后，我再去看那些经典的办公楼和公共空间，感觉就像是突然被赋予了一副透视镜，能看穿那些冰冷结构下的社会契约和意识形态影子。对于想成为一个真正有思想的设计师的人来说，这本书是绕不开的硬骨头，但啃下来，收获绝对是超值的。

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这本书的阅读体验非常沉浸，甚至带有一点辩论的快感。作者在描述不同设计哲学派别时，似乎故意留下了一些“悬而未决”的空间，鼓励读者自己去判断和思考。我特别赞赏它对那些被主流叙事边缘化的声音的关注，比如女性设计师在特定时期的贡献，或者区域性设计风格在面对全球化冲击时的韧性。这让整本书的视角更加立体和人性化，不再是那种高高在上的学院派论断。我发现，当我合上书本，重新审视我日常接触到的各种设计产品时，我的评价标准已经发生了根本性的偏移——我不再满足于表面的新颖，而是开始追问其内在的逻辑自洽性以及对使用者体验的真正贡献。这种思维方式的转变，是任何一本浮光掠影的画册都无法给予的。它像是一个严苛的导师，不断地提出挑战性的问题。

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